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Wie klingt Musik ohne Kontext? | norient.com 7 Feb 2022 01:27:04
Wie klingt Musik ohne
Kontext?
by Johannes Rühl
Musik ist keine universelle Sprache. Aber sie kann ein Mittel
zur Verständigung sein. Der Ethnologe und Kurator Johannes
Rühl hat zwei Musik-Austauschprojekte begleitet und
beobachtet, dass man eine bereichernde und nachhaltige
musikalische Erfahrung nicht auf dem Reissbrett entwerfen
kann. Vielmehr kommt es auf die Bereitschaft der einzelnen
Musiker*innen an – und den kulturellen Kontext.
Für Schweizer Musiker*innen ist oft recht einfach, zu verreisen, um mit
Musiker*innen aus anderen Ländern zusammenarbeiten. Andersherum ist es
ungleich schwerer, eine Begegnung zustande zu bringen. Für den «Export
Schweizer Kultur» ist die Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia zuständig,
ähnlich wie das Goethe Institut, das British Council oder Institut Français. Der
Import in die Schweiz dagegen hat oft weniger finanzstarke Fürsprecher.
Diese Asymmetrie bilden die zwei Projekte mit Schweizer Beteiligung ab.
«Nass Makan» in Kairo und «Building Bridges» in Ascona.
Nonverbale Kommunikation
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Eine von der Aussenstelle von Pro Helvetia in Kairo initiierte und finanzierte
Begegnung von Ägyptischen und Schweizer Musikern fand im Frühjahr 2019
in Zusammenarbeit mit Norient statt. Partner auf der ägyptischen Seite war
das «Egyptian Center for Culture and Arts - Makan» unweit des Tahir Platzes
unter der Leitung des Gründers Ahmed El Maghraby. Das Kulturzentrum
setzt seit seiner Gründung vor über 20 Jahren auf den Kulturaustausch und
gibt regelmässig neben Gastmusiker*innen aus Ägypten, solchen aus der
ganzen Welt eine Bühne.
Im April 2019 nahmen drei Schweizer Musiker*innen an einem siebentägigen
Workshop mit ägyptischen Musiker*innen teil: Der volksmusikalisch versierte,
aber auch jazzerfahrene Akkordeonist Hans Hassler, die klassisch
ausgebildete Cellistin Sara Käser und der traditionell orientierte Appenzeller
Hackbrettspieler Elias Menzi trafen auf die Musiker*innen des vielköpfigen
oberägyptischen Zar-Ensembles Mazaher rund um die Sängerin und
Percussionistin Om Sameh.
Normalerweise sind es Musiker*innen aus den Bereichen des Jazz oder der
freien Improvisation, die nach Makan kommen. Dass auch die europäische
Seite ihre eigene regionale, volksmusikalische Tradition mit ins Spiel brachte,
war neu. Die Mitglieder von Mazahar sprachen kein Englisch, sodass die
Gruppe gezwungen war, weitgehend nonverbal und ausschliesslich über die
Musik zu kommunizieren.
Einseitige Annäherungen
Die Schweizer*innen waren begeistert von dieser einzigartigen Erfahrung, für
die Ägypter*innen schien es kaum einen Unterschied zu machen, welcher
westliche Musikstil sich ihnen nun genau näherte. Doch gerade die
Traditonsverbundenheit beider Seiten brachte grösstmögliche Unterschiede
der musikalischen Praxen zutage: Auf der einen Seite die sehr laute,
ritualisierte perkussionsbetonte Besessenheitsmusik des Mazahar
Ensembles, auf der anderen Seite die Klänge der Schweizer Gäste mit ihren
vergleichsweise zartbesaiteten Instrumenten.
Nur langsam begriffen sie, um was es sich bei dieser Zar-Performance
handelte, wie die Akteur*innen des Ensembles zueinander standen und wie
ihre Musik strukturiert war. Schlicht durch behutsames Imitieren näherte man
sich vorsichtig der Tonalität und dem Rhythmus des Trance-Rituals an. So
entwickelte sich mit viel Übung im Laufe der Tage eine gemeinsame
Verständigung, bei der man subtil zueinander fand.
Harmonisch komplex war diese Musik nicht, aber die ungeraden Rhythmen
wurden zur Herausforderung. Zeitweise war es schlicht die Lautstärke, gegen
die die europäischen Instrumente nicht ankamen. In solchen Momenten war
vor allem die Sängerin Om Sameh sehr bemüht, zu integrieren. Sie forderte
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die europäischen Musiker*innen immer wieder auf, mit Cello, Hackbrett und
Akkordeon solistisch einzusteigen, während sich der Rest des Ensembles
zurückhalten sollte.
Umgekehrt fand kaum Verständigungen statt. Nur zögerlich begleiteten die
ägyptischen Gastgeber Elisa Menzi (Hackbrett) oder Hans Hassler
(Akkordeon), als sie Volksmusik aus der Schweizer Bergwelt einbrachten. Als
die Schweizer das bekannte Volkslied «Berewegge, Chäs ond Brot»
anstimmten und Elias Menzi auf seinem Hackbrett ein Appenzeller Zeuerli
spielte, war die Neugierde auf der anderen Seite zwar gross. Doch wirklich
bewegte sich meist erst dann etwas, wenn die Schweizer*innen sich ihrerseits
dem Groove von Mazahar anglichen.
Die ägyptischen Musiker*innen hatten, trotz der vielen Workshops, die sie
zuvor bereits mit Europäern veranstaltet haben, kaum Interesse daran, etwas
Gemeinsames entstehen zu lassen. Entsprechend intensiv und
herausfordernd war der Lernprozess für die Teilnehmer*innen aus der
Schweiz und wurde vielleicht gerade deshalb für ihr eigenes musikalisches
Weiterkommen sehr wertgeschätzt. Unter den Gästen war man sich jedoch
einig, dass jeder Kunstanspruch in solchen Momenten fehl am Platz und die
Differenz niemals wirklich aufzulösen sei, solange nicht der Wille da ist, dass
im Einvernehmen etwas ganz Neues entstehen soll.
Positive Verwirrung am Lago Maggiore
Eine ganz andere Ausgangslage bietet sich, wenn Musiker*innen mehrerer
unterschiedlicher Musiktraditionen zusammenkommen. Seit Jahren
ermöglicht das von der englischen Anthropologin Angela Hobart gestiftete
Centro Incontri Umani (CIU) in Ascona unterhalb des Monte Verità dafür
Gelegenheit. Auf dem Anwesen der Stiftung in einem grosszügigen Park
kommen jeweils im Herbst bis zu sieben herausragende Musiker*innen
zusammen, wobei jedes Jahr ein Teil von ihnen ausgetauscht wird, um neben
stetiger Erneuerung auch ein Netzwerk unter den Akteur*innen entstehen zu
lassen.
Die Herkunftsländer der bisher eingeladenen Musikerinnen und Musiker
waren Indien, Nigeria, Usbekistan, Schweiz, Vietnam, Frankreich, Syrien, Iran,
Ukraine, Österreich und Italien. Nach zehn Tagen Leben und Arbeiten im CIU
geht es jeweils auf eine kleine Konzertreise. Das Ergebnis ist nicht eine
vollkommene Melange unterschiedlicher Musiktraditionen, keine Avantgarde,
frei improvisierte, Neue Musik oder Jazz. Sondern eine Musik, die jeweils die
eigene musikalische Sozialisierung als Ausgangspunkt für das gemeinsame
Musizieren anwendet, wo gerade der Unterschied das Material ist, das es zu
bearbeiten gilt.
Gemeinsamen Nenner finden
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Im Gespräch mit den sehr erfahrenen Musiker*innen zeigt sich, dass das
Zusammenarbeiten zum Teil ganz anders wahrgenommen wird, zumal die
beteiligten Instrumente bzw. ihre traditionelle Spielweise nur bedingt
miteinander kompatibel sind, worin letztendlich aber auch der Reiz liegt:
Cello, Sitar, Santur (Iranisches Hackbrett), italienische Rahmentrommel,
Drehleier und Nickelharpa können nicht ohne weiteres miteinander
harmonieren. Das diatonisch gestimmte Iranische Santur zum Beispiel
versteht sich nur nach mühsamen Absprachen mit der Drehleier. Für die stets
von Tabla-Perkussion begleitete Sitar wiederum macht ausgerechnet die auf
einen Grundton gestimmte Rahmentrommel am meisten Schwierigkeit im
Zusammenspiel - das Vokabular indischer Rhythmen ist ein völlig anderes.
Für die Drehleier macht nicht das Santur, sondern die Sitar die meisten
Probleme, wobei die ähnliche Nickelharpa ebenfalls mit dem Santur nur
bedingt zurechtkommt.
Die musikalische Sprachverwirrung scheint kompliziert, weil sich jeder in
einer anderen Problemkonstellation befindet. Doch bei grösster Offenheit
kann im Prinzip jedes Instrument mit jedem anderen harmonieren. Die
Ursache der Unvereinbarkeit liegt viel mehr bei den Musiker*innen selbst als
bei ihren Instrumenten. Es ist vor allem die Bereitschaft, sich auf das
gegenüber einzulassen, sich selbst zurückzunehmen, zu verstehen und zu
lernen. Und zwar jeder aus der Perspektive seiner eigenen Tradition und des
musikalischen Systems aus der man kommt und in dem man gewohnt ist,
sich zu bewegen. Für alle gilt, dass sie bei der Annäherung zunächst ihr
vertrautes Spektrum der musikalischen und spieltechnischen Möglichkeiten
drastisch reduzieren müssen, um einen gemeinsamen Nenner als
Ausgangspunkt aufzuspüren.
Unvereinbarkeit macht kreativ
Die iranische Santurspielerin Arezoo Rezvani ist in der Gruppe die Einzige, für
die vierteltönige Intervalle selbstverständlich sind. Zudem muss ihr Hackbrett
ständig umgestimmt werden, je nachdem, welche Tonart verlangt wird. Olena
Yeremenko aus der Ukraine ist professionelle Geigerin. Sie spielt in diesem
Projekt allerdings die schwedische Nyckelharpa. Ihrer Meinung nach geht
man am besten in solch ein Projekt ganz ohne Erwartungen. Der Italiener
Paolo Rosetti Murittu, Spezialist für Rahmentrommel für Alte Musik, meint,
man müsse zwar seine Vorurteile ablegen, jedoch ohne seine Identität zu
ignorieren, die man ja sowieso nicht los wird.
Das Entscheidende sei doch gerade, dass hier ganz unterschiedliche
Persönlichkeiten mit ihrem kulturellen Ballast zusammenkommen. Sara Käser
am Cello zufolge sei es am Anfang sowieso eine heillose Überforderung. Es
brauche eine Weile, bis man sich gefunden habe. Um sich zu öffnen, müssen
persönliche Beziehungen aufgebaut werden. Durch das Zusammenleben in
Ascona sind die Voraussetzungen dafür optimal.
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Der Drehleier-Spieler Matthias Loibner allerdings ist der Ansicht, dass der
Unterscheid eigentlich nicht viel grösser ist als wenn er sich mit Musikern aus
dem eigenen kulturellen Umfeld trifft. Wenn sich mehr als zwei Musiker
treffen, sei man immer gezwungen, sich zu reduzieren. Gaurav Mazumdar, der
permanente Gast und musikalische Leiter des Projektes, hat sein eigenes
Credo. Er versucht zunächst einfach alles zu vergessen. Aber nicht alles lässt
sich auslöschen. Schon der Klang des Instrumentes ist bei der obertonreichen
Sitar mit seiner speziellen Anschlagtechnik unverkennbar. Für Gaurav
Mazumdar steht der Lernprozesses im Vordergrund. Nämlich gut zu
beobachten und den Anderen in seiner ganzen musikalischen Komplexität
versuchen, so weit wie möglich zu verstehen, und sei es nur durch
wiederholtes Nachspielen.
Je unbekannter, desto kreativer
Doch nicht alles lässt sich abstellen. Man ist ja immer noch derselbe mit dem
Instrument, das erlernt wurde. Sich von der gelernten Spieltechnik und vom
vertrauten Klang zu lösen, sagt Mazumdar, sei am schwierigsten. Zwei
divergierende Erfahrungen In Kairo wie in Ascona, waren die
unterschiedlichen Musiker*innen gezwungen, Gemeinsamkeiten
auszuhandeln. Im Tessin suchten sie eine eher behutsame Annäherung und
Verständigung. Für alle Beteiligten galt: je fremder das Gegenüber, um so
mehr gehen die Ohren auf. Erst wenn Grenzen sichtbar sind, entsteht auch
der Reiz, sie zu überwinden.
In Kairo begegneten sich die Musiker*innen nicht auf Augenhöhe. Da das
Projekt von der Schweiz finanziert wurde, waren die europäischen
Musiker*innen zunächst in der Geberrolle, im musikalischen
Aufeinandertreffen drehte sich die Hierarchie jedoch um: Das Mazahar
Ensemble suchte nicht wirklich den Austausch für etwas Neues, sondern lud
die fremden Musiker*innen ein, an ihrem Ritual teilzuhaben. Die vom Ausland
finanzierte Begegnung war für sie Teil einer ökonomischen
Überlebensstrategie, von der auch das organisatorisch verantwortliche
Kulturzentrum Makan profitierte.
Abhängig von internationaler Förderung
In einem Land, in dem es praktisch keine Kulturförderung gibt, sichern
derartige internationale Partnerschaften die institutionelle Existenz. Auch
dieser Aspekt spielt in die musikalische Begegnung hinein. Schweizer
Musiker*innen, die Musik afrikanischer Trance-Rituale (nach)spielen, sind
womöglich genau so wenig glaubhaft wie die Heilungskraft afrikanischer
Masken in europäischen Museen. Zudem ist das Zar-Ritual von Mazaher, das
regelmässig im Zentrum von Kairo aufgeführt wird, weit weg von seinem
ostafrikanischen Ursprungszusammenhang. Dennoch sind die ägyptischen
Musiker*innen beseelt von ihrer Musik, die im urbanen Kontext von Kairo
durchaus folkloristisch erscheinen mag.
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Und auch das Publikum im Makan Musikzentrum hatte wohl kaum ernsthafte
Heilserwartungen. Anders als in Ascona, wo sich alle Beteiligten hierarchielos
am selben Ausgangspunkt befanden, zeigte sich in Kairo, dass für das
ägyptische Ensemble um Om Sameh und ihre in der Tradition verwurzelte
Spielpraxis eine interkulturelle musikalische Begegnung wenig Sinn macht.
Denn für sie gab es schlichtweg keinen Grund, den eigenen kulturellen
Kontext zu verlassen. Musik ist keine Sprache. Die Verständigung mit ihr ist
und bleibt ein ambivalentes Unterfangen.
Die Kommunikation miteinander über Musik wird immer auf das gegenseitige
musikalische Versteh- und Sprachvermögen beschränkt sein. Wie in der
gesprochenen Sprache mischt sich auch in der Musik kulturell determinierte
Voreingenommenheit mit Vorwissen, das oft nicht weit über das Ungefähre
hinausgeht. Dennoch kann eine Verständigung gelingen, wenn die
Voraussetzungen stimmen.
→ Links
Theresa Beyer: «Musik als Weltsprache: Wunschtraum oder Wahrheit? Ein
Experiment» (SRF)
Dieser Artikel ist erschienen im Rahmen des Projekts «Norient Musikdebatten»,
gefördert vom Bundesamt für Kultur BAK der Schweizerischen
Eidgenossenschaft.
→ Published on June 23, 2020
→ Last updated on July 22, 2020
Johannes Rühl ist Ethnologe und künstlerischer Leiter des biennalen Musikfestivals
Alpentöne in Altdorf (Uri).
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