Sergio Morabito: Opernarbeit. Texte aus 25 Jahren - rezens.tfm
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Anke Charton [rezens.tfm] 2020/1 Rezension zu Sergio Morabito: Opernarbeit. Texte aus 25 Jahren. Berlin/Kassel: Metzler & Bärenreiter 2019. ISBN: 978-3-476-04908-7. 410 S., 37 Abb., Preis: € 30,00. von Anke Charton Fünfundzwanzig Jahre lang, von 1993 bis 2018, wirkte Sergio Morabito, der zur Saison 2020/2021 an die Wiener Staatsoper wechselt, als Dramaturg an der Staatsoper Stuttgart; ebenso lange inszeniert er bereits im Team mit dem Regisseur Jossi Wieler, in Stuttgart wie auch anderswo. Der vorliegende Band, der Texte Morabitos eben jener fünfundzwanzig Jahre versammelt, widersetzt sich einer Lektüre als biographische Chronologie oder Entwicklungsbogen einer Ästhetik – ungeachtet der Tatsache, dass ästhetische Entscheidungen aus den Arbeiten der 1990er Jahre, vielfach entstanden in Zusammenarbeit mit der Bühnenbildnerin Anna Viebrock, inzwischen in den Mainstream europäischer Regieästhetik eingegangen sind. Dies mag sich in erkennbaren visuellen Versatzstücken oder szenischen Verfahren ist, begünstigt eine solche Politik der Haltung niederschlagen, ihr Ausgangspunkt ist indessen zusätzlich. vielmehr eine Haltung, zum eigenen Handwerk wie Der Band ist in drei Abschnitte gegliedert: zunächst zum Material, die der Autor hier vorzuführen vermag. ein allgemeinerer Auftakt, der das Terrain absteckt, Die versammelten Texte ermöglichen konzentrierte dann eine Sammlung produktionsbezogener Texte, Einblicke in das Denken und Arbeiten Morabitos. die sich mit Aspekten einzelner Opern beschäftigen, Obschon viele der Texte aus Programmbüchern und schließlich ein Quartett übergreifender Essays, stammen, sind sie eben kein Reigen zitierfähiger die Stoffe und Motive detailliert und kontextreich Feuilletonperlen. Sie erlauben ein Nachvollziehen von diskutieren. Morabito stellt ein knappes Vorwort Arbeitsprozessen und Entscheidungen in Hinblick auf voran, in dem er den ästhetischen Grundsatz des eine zeitgenössische Produktionsdramaturgie im Verhaltens zu einer Vorlage an einem Zitat Richard Musiktheater – was bereits für sich als Verdienst Wagners zu Wilhelmine Schröder-Devrient illustriert: gelten könnte –, gehen aber gerade in der Offenlegung Der ästhetische Mehrwert, den Oper schaffen könne, ihres argumentativen Unterbaus darüber hinaus und liege in ihrer szenischen Umsetzung. sind im wiederkehrenden Befragen der eigenen Die drei sehr dicht formulierten Texte des ersten Teils, Arbeitsbedingungen und Verortung auch eine die sich zu aktuellen Debatten der titelgebenden grundsätzliche Auseinandersetzung mit Theater- 'Opernarbeit' aus dramaturgischer Sicht positionieren, machen. Die Spezifik des Musiktheaters, das für sind im Ton programmatisch. Ihnen folgt ein notiertes Morabito an eine Partitur und ihre Struktur gebunden Gespräch zwischen Morabito, Wieler und Albrecht Diese Rezension ist erschienen in [rezens.tfm] 2020/1 | Veröffentlichungsdatum: 2020-05-25 https://rezenstfm.univie.ac.at/index.php/tfm/issue/view/2020-1 | doi:10.25365/rezens-2020-1-05
Anke Charton [rezens.tfm] 2020/1
Thiemann, das 2016 in Stuttgart stattfand und einige Abschnitt des Buches versammelten produktions-
der zuvor formulierten Grundsatzthesen – etwa zur bezogenen Texte anwenden lässt, die den Großteil der
Arbeit mit Sänger*innen und zum Umgang mit der knapp 400 Seiten beanspruchen.
Historizität des Repertoires – an konkreten Beispielen
Dass es die Aufgabe von Opernregie sei, die Wider-
veranschaulicht und auch Einblicke in Morabitos
sprüche einer Partitur zu artikulieren und historisches
künstlerische Entwicklung erlaubt. Der Autor, das
Material, unabhängig von einer Autor*innenintention,
wird schnell deutlich, argumentiert präzise, belesen
wieder zum Sprechen zu bringen, lässt sich auch
und mit Lust an der Auseinandersetzung. Die Frage,
diesen produktionsbezogenen Miniaturen voranstel-
ob Opernregie deutlich sein müsse, kontrastiert er
len, die unterschiedliche Aspekte hervorheben und
etwa mit der Definition aus dem Grimmschen Wörter-
ihre historischen Kontexte einbetten. Immer wieder
buch und markiert bereits an dieser Stelle die Größen
erlebbar ist die philologische Genauigkeit in der prä-
sinnlicher und intellektueller Wahrnehmung, die bei
zisen Auffächerung von Materialien, die dann szeni-
der Lektüre immer wieder ins Auge springen werden.
sche Lesarten ermöglichen. Wer einige der Produktio-
Was auch hier – zunächst Wagner, nun die Grimms –
nen zu den hier versammelten zweiundzwanzig
bereits auffällt, ist die Technik, eigene Positionen
Texten kennt, kann mit zusätzlichem Gewinn im dra-
durch Zitate Anderer vorzuführen: eine argumentie-
maturgischen Unterbau dieser Arbeiten schmökern.
rende Sprezzatura, die auch beim Lesen Spaß macht.
Kernrepertoire und Raritäten – Barock, klassische
Einer dogmatischen Vereindeutigung stellt Morabito
Moderne und immer wieder Belcanto – finden sich
die von den Grimms als "mannigfaltig" (S. 9) beschrie-
hier versammelt, wobei die Lese- und Arbeits-
bene Deutlichkeit gegenüber und hebelt so en passant,
techniken sich zwischen hermeneutischer Werk-
quer zur Feuilletondebatte, die Dichotomie von Regie-
immanenz in Partitur- und Librettoanalyse und
theater und sogenannter Werktreue aus, die als
komparatistischer Kontextualisierung bewegen. Dies
abstrakter Schaukampf mehr mit Ideologie als mit
ist gut nachvollziehbar etwa am Text zum Rheingold,
konkreter Theaterarbeit zu tun habe: Darstellungs-
der dem Umgang mit Freia musikalisch und szenisch
techniken eines unpsychologischen Theaters würden
nachspürt und in der Sequenz ihrer Vermessung, und
nicht notwendigerweise vor "biederer Psychologisie-
damit ihrer Objektivierung, eine ethische Problema-
rung" (S. 17) feien, man könne andererseits mit den
tisierung künstlerischen Schaffens beschreibt. Das
Mitteln einer "sogenannten psychologischen Schau-
Beleuchten eher marginaler Perspektiven – hier
spielerführung" (S. 17) auch anderes Theater machen.
Fasolts affektiver Haltung – ist ein Plus vieler dieser
Worauf es jedes Mal ankomme, sei "einen Punkt
Miniaturen, die Altbekanntes neu durchdenkbar
jenseits der eigenen Ästhetik zu erreichen" (S. 17),
machen. Später, in der Reflexion über die gemeinsame
womit einer visuell wiedererkennbaren Ästhetik als
Arbeit mit Anna Viebrock und das gestalterische
Selbstzweck bereits eine Absage erteilt wird.
Potenzial ihre Bühnenräume, geht es um "das vom
Diese Überlegung setzt sich fort in Ausführungen zur Aufmerksamkeitsradius zuvor nicht Erfasste" als
Spielplangestaltung als zentralem dramaturgischen Kristallisationspunkt (S. 279); das ließe sich auch für
Arbeitsfeld, etwa in dem Argument, dass ein Spielzeit- diese Texte als Prinzip ansetzen.
motto die Individualität ästhetischer Positionen – die
Die Überlegungen zu La clemenza di Tito gehen anhand
zu ermöglichen für Morabito zu den Kernaufgaben
der Figur der Vitellia als aus der Zeit gefallener
des Stadt- und Staatstheaterbetriebs gehört – eher ein-
Tragödin dem Widerspruch zwischen der opera seria
ebne in Hinblick auf eine Prämisse, statt jenes
in der absolutistischen Prägung Metastasios und der
"Mannigfaltige" und damit auch die Unberechen-
späten Vertonung dieses Librettos durch Mozart nach.
barkeit und Uneindeutigkeit künstlerischer Prozesse
Im Zentrum stehe eine Transformation von Macht, die
und ihrer Ergebnisse ins Zentrum zu stellen. Morabito
auch das Theater des 17. Jahrhunderts als "kollektiven,
führt bereits an dieser Stelle Walter Benjamins Begriff
politischen Echoraum" (S. 46) betreffe. Die
der Monade an, der sich gut auf die im zweiten
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Verstrickung von Handlung und Meta-Ebene – eine Abschnitt des Bandes, zum Repertoire Giuditta Pastas,
Dramaturgie, die auf der Handlungsebene die eigenen kreist um die Spezifik von Belcanto-Dramaturgie.
Mechanismen thematisiert – ist eine weitere Dynamik,
Ein Kabinettstückchen sind die "Kommentare zu
die Morabito wiederholt beleuchtet, so auch in seinen
Bellinis Norma", einer Oper, die ebenfalls noch dem
Ausführungen zu Tristan und Isolde.
Belcanto zuzurechnen und ein Kernwerk des Reper-
Einer der interessantesten Texte befasst sich mit toires ist. Morabito kreiert hier einen ebensolchen
Martín y Solers Una cosa rara (1786), einer Oper, die "nicht-linearen" Zwischenraum, indem er die Kulte,
Lorenzo da Ponte als Librettisten aufweisen kann. die das Libretto von Felice Romani durchziehen – den
Hier wird ebenfalls eine Zeitspanne für die Reflexion von Norma praktizierten Kult der Mondgöttin und
fruchtbar gemacht, jedoch nicht der Zeitraum den von den Galliern besungenen Kult des Kriegs-
zwischen Librettoentstehung und Vertonung (einer gottes Irminsul – als ungleichzeitige Weltalter
durch Caterino Mazzolà vorgenommenen Über- beschreibt. Über die Dramenvorlage von Alexandre
arbeitung) wie bei La clemenza di Tito, sondern Soumet geht Morabito weiter zurück. Er behandelt
zwischen Stückvorlage und Librettoentstehung. François-René de Chateaubriands Les martyrs, um
Morabito spürt diesen Stückvorlagen – zunächst Luis dann anhand früh- und hochmittel-alterlicher Belege
Veléz de Gueveras La Luna de la Sierra aus den 1620er der Etymologie Irminsuls nachzuspüren und zeigt
Jahren, dann Juvenals satirischem Oeuvre, das im Titel schließlich, mit Bezug auf Johann Jakob Bachofen,
referenziert wird – nach und nutzt die verschiedenen Norma als einen gynaito-kratischen Gegenentwurf auf,
Zeithorizonte, um Sitten- und Gesellschafts- der von späteren, romantischen Rezeptionen über-
vorstellungen und ihre Reibungsflächen sichtbar zu lagert worden sei. Es sind diese dantesk anmutenden
machen. Morabito arbeitet heraus, wie das Bergidyll Gänge durch feinste Verästelungen, die jenseits strik-
der Vor-lage in da Pontes Libretto einer urbanen ter Wissenschaftsprosa Perspektiven für eine breitere
Sozial-hegemonie weicht. Der Plot um die Bäuerin theaterwissenschaftliche Betrachtung inspirieren.
Lilla, die sich gegen die Avancen zweier sozial
Als Leittext der produktionsbezogenen Monaden, der
höhergestellter Männer – des Infanten Giovanni und
die schon angesprochene Verknüpfung von Inhalt
des Oberstall-meisters Corrado, beide mit einem
und Meta-Reflexion vornimmt, kann Morabitos
Zugang zum staatlichen Gewaltmonopol ausgestattet
Auseinandersetzung mit Schönbergs Moses und Aron
– zur Wehr setzt und schließlich von der Königin
gelten. Ausgehend von der Figur Arons, der als Ver-
Isabella, und damit der höchsten Verkörperung
mittler eine Scharnierfunktion zwischen Moses und
ebenjener repressiven Gewalt, als dea ex machina ins
Volk innehat, bezieht Morabito sich hier – in einem
private Glück gehievt wird, wird so zum Knotenpunkt
Nachdenken zwischen Dramaturgie und Philosophie
einer Betrachtung von spätabsolutistischer
– erneut auf Benjamin und dessen "Übersetzertext"
Geschlechterpolitik, Klassengefälle, kleinbürger-
und stellt anhand von Arons Wunderwirken ein
lichem Habitus und ideengeschichtlicher Bezugs-
"Denken der Verwandlung" (S. 129) einer
größen. Theaterwissenschaftlich lohnenswert ist
fundamentalistischen Fixierung gegenüber, womit er
dieser Essay auch in seiner Beschreibung von Theater
auf einer zweiten Ebene auch die eigene Regietätigkeit
als Kunst des Zwischen-raumes. Auch dies ist ein Bild,
als Vermittlungsebene zwischen Werk und
das im Laufe des Bandes mehrfach auftaucht und sich
Inszenierung in Form einer Verwandlung diskutiert:
als Denkfigur vor allen Dingen zu den Texten, die sich
Die Opernform sei auf die Notwendigkeit der
mit Belcanto-Opern befassen, in Verbindung bringen
theatralischen Vermittlung angewiesen.
lässt: Deren so zentral nicht-realistisches, "nicht-
lineares" (S. 28) Erzählen eröffnet die Möglichkeit, Den Begriff der Verwandlung, als Transformation des
inszenatorisch genau solche Zwischenräume zu eigenen Blicks durch ein "Vexierspiel zwischen den
schaffen. Auch einer der längeren Essays im dritten Diskursordnungen" (S. 279), steht auch der Hommage
an das Schaffen Anna Viebrocks nahe, das hier mit
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konkreten Beispielen aus der gemeinsamen Musiktheater dominiere. Nicht die Verwirklichung
Theaterarbeit sehr gut fassbar wird. Dieses längere der künstlerischen Vision einer Einzelperson auf
Kapitel mit dem sehr schönen Titel Wahnzimmer bildet Kosten aller anderen sei erstrebenswert, sondern viel-
den Auftakt für den abschließenden, dritten Abschnitt mehr müsse die Multiplizierung und Dezentralisie-
des Bandes. Die verbleibenden Texte befassen sich mit rung der Verantwortlichkeiten als Chance begriffen
Dramaturgien des späten 18. und frühen 19. werden. Immer wieder sind es, auch an dieser Stelle,
Jahrhunderts (Jommelli und Saverio Mattei, Belcanto die Sänger*innen, die hier als Partner*innen in der
und Giuditta Pasta) und mit dem komplexen, vielfach szenischen Umsetzung beschrieben werden: Wie
von antisemitischen Stereotypen durchzogenen umfassend die dramaturgische Vorbereitung auch sei,
Quellenkorpus zu Halévys La Juive, gegen dessen man müsse immer bereit sein, sie in der Zusammen-
kategorisches Verdrängen Morabito sich stellt, um arbeit mit den Sänger*innen aufs Spiel zu setzen. Die
stattdessen gerade durch die Widersprüchlichkeit und Langlebigkeit der Ergebnisse dieser Haltung – die
Ambivalenz der Texte einen fortwirkenden Anti- Stuttgarter Alcina von 1998 etwa war 2018 wieder im
semitismus diskutieren zu können. Spielplan zu finden, unverändert präzise und aktuell
– stützen Morabitos Arbeitsweise.
Morabitos stupende Materialkenntnis und
Genauigkeit in der von ihm immer wieder Macht man einen Schritt zurück bei der Lektüre dieses
thematisierten 'Vermittlungsarbeit', die seine hier Buches und betrachtet die theoretischen Fixsterne, die
versammelten Texte durchziehen, lassen sich mit immer wieder in Rahmungen aufscheinen, so kommt
einem früh im Band auftauchenden Zitat Klaus Benjamin sicherlich das meiste Gewicht zu. Auch
Zeheleins zu Morabitos Anfangsjahren kommen- Adorno ist eine stetige Referenzgröße. Alexander
tieren, das Albrecht Thiemann wiedergibt: "es gebe da Kluge und Heiner Müller, Kleist, Heine und Fabri
einen jungen Dramaturgen, der alles wisse" (S. 26). blitzen auf, ebenso Koselleck und Francesco Busoni.
Stellenweise wünscht man sich beim Lesen ein Musik- und Theaterwissenschaftler*innen – Morabito
wissenschaftliches Layout mit Fußnoten, das einen hat Angewandte Theaterwissenschaft studiert –
leichteren Zugriff auf die Übersetzung der zahlreichen werden insbesondere etablierte Fachvertreter*innen,
Zitate in Originalsprache ermöglichen würde, ohne häufig des Frankfurter Umfelds, wiedererkennen:
durch das Nachschlagen in den Endnoten im Lesen Hans-Thies Lehmann und Günther Heeg, Sieghart
unterbrochen zu werden. Die präzise philologische Döhring und Anna Amalie Abert. Hier wird
Arbeit ist ohnehin als wissenschaftlich rezipierbar, Morabitos eigener Kontext erfahrbar, das Erarbeiten
freilich mit der Perspektivverschiebung, dass die seines Handwerks unter Michael Giehlen in der Ära
Wissenschaft einer Partitur keine konzise szenische Ruth Berghaus an der Oper Frankfurt der 1980er Jahre
Erzählung abzuringen hat. Umso beeindruckender ist unter dem Einfluss der Frankfurter Schule. Das lädt
dieser nachhaltige Einblick in eine Musiktheater- zum Nachdenken darüber ein, wie sich eine Rezeption
ästhetik, die eben keine vorgefasste ist, sondern sich des Monaden-Begriffs nach Rudolf Münz und dessen
auf jedes Werk, mit abgeschnittenen Rezeptions- Auseinandersetzung mit der Historizität leiblicher
zöpfen, vorbehaltlos einzulassen versucht – als eine Ausdrucksformen einfügen würde. Auch die
ästhetische Haltung quer zu erkennbaren Ästhetiken. Belcantoforschungen von Heather Hadlock und
Naomi André oder Butlers Phänomenologie-
Dass Morabito deutlich formuliert, dass Oper sich
Rezeption würden Anschlusspunkte bieten. Eine der
durch Kollaboration auszeichne, in der es nicht darum
in diesem Zusammenhang treffendsten Beschrei-
gehe, ein Konzept durchzudrücken, sondern mit
bungen des Arbeitens Morabitos, die an dieser Stelle
Sänger*innen gemeinsam zu gestalten, soll an dieser
den Schlusspunkt setzen soll, findet sich erneut im
Stelle nochmals explizit Erwähnung finden. Morabito
Text zu Anna Viebrocks Räumen: Die Frage der
plädiert aus der für ihn sinnfälligen künstlerischen
Inszenierungsarbeit sei nicht "Wie lösen wir das?"
Praxis heraus für eine "Verabschiedung des traditio-
sondern "Worum geht es?" (S. 280).
nellen Machtdiskurses" (S. 17), der bis heute das
Diese Rezension ist erschienen in [rezens.tfm] 2020/1 | Veröffentlichungsdatum: 2020-05-25
https://rezenstfm.univie.ac.at/index.php/tfm/issue/view/2020-1 | doi:10.25365/rezens-2020-1-05Anke Charton [rezens.tfm] 2020/1 Autor/innen-Biografie Anke Charton Studium der Theaterwissenschaft und der Germanistik an den Universitäten von Leipzig, Bologna und Berkeley; Promotion mit einer Arbeit zur Repräsentation von Geschlecht in der Oper. Stationen u. a. als Wiss. Mitarbeiterin an der HfMT Hamburg und als Univ.-Assistentin am Institut für Theater-, Film- und Medienwissenschaft der Universität Wien. Derzeit auf der TT-Professur "Theater und Gesellschaft" sowie Elise Richter Fellow (FWF) an der Universität Wien. Forschungs- und Publikationsfelder: Theatergeschichte, Gesangsforschung, Musiktheater, Gender Studies. Publikationen (Auswahl): – , "'Meine Lippen, sie küssen so weiß.' Intersektionen von Gender, Race and Class in der Klassikindustrie". In: Jahrbuch Musik und Gender 12, Hildesheim: Olms 2020, S. 83-99. – , "Voicing Challenge: Trans* Singers and the Performance of Vocal Gender". In: Under Construction. Performing Critical Identity. (State of the Arts. Reflecting Contemporary Culture Expression 1). Hg. v. Anne Kohl. MDPI 2020, DOI: https://doi.org/10.3390/books978-3-03897-500-7-2. – , "Default, Debug, Decolonize.Thoughts on Intersectionality and New Music". In: Darmstädter Beiträge zur Neuen Musik, Special Issue »Defragmentation. Curating Contemporary Music« (2019), S. 61-68. Dieser Rezensionstext ist verfügbar unter der Creative Commons-Lizenz CC BY-SA 4.0. Diese Lizenz gilt nicht für eingebundene Mediendaten. [rezens.tfm] erscheint halbjährlich als e-Journal für wissenschaftliche Rezensionen und veröffentlicht Besprechungen fachrelevanter Neuerscheinungen aus den Bereichen Theater-, Film-, Medien- und Kulturwissenschaft; ISSN 2072-2869. https://rezenstfm.univie.ac.at Diese Rezension ist erschienen in [rezens.tfm] 2020/1 | Veröffentlichungsdatum: 2020-05-25 https://rezenstfm.univie.ac.at/index.php/tfm/issue/view/2020-1 | doi:10.25365/rezens-2020-1-05
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