MUSIK FEST BERLIN 15.9. 2019 - Berliner ...
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Berliner Festspiele # musikfestberlin
MUSIK
FEST In Zusammen
BERLIN
arbeit mit
der Stiftung
Berliner
Philharmoniker
15.9.
2019
Gastspiel: Paris
Les Siècles
François-Xavier Roth
Berliner Festspiele
Farewell-Konzert
16.9. Mo 20:00
Philharmonie
Farewell-Tournee von Zubin Mehta „Zubin Mehta und das
Israel Philharmonic Orchestra:
mit dem Israel Philharmonic Orchestra
Ödön Pártos
Concertino für Streichorchester Gemeinsam haben sie
Felix Mendelssohn Bartholdy
Violinkonzert e-Moll op. 64
israelische Musikgeschichte
Hector Berlioz
geschrieben.“
Symphonie fantastique op. 14 Daniel Barenboim
Gil Shaham Violine
Israel Philharmonic Orchestra
Zubin Mehta Leitung
MUSIK
30.8.–
FEST
19.9.
2019 In Zusammen-
BERLIN
arbeit mit
der Stiftung
Berliner
Philharmoniker
Bildnachweise
S. 8 A
ntoine Watteau, Einschiffung nach Kythera, 1718,
Schloss Charlottenburg Berlin, Foto: Wikimedia Commons
S. 13 S
challplatte mit einer Aufnahme von Jean-Philippe Rameaus Les Indes Galantes,
Foto: Bibliothèque National de France
S. 14 J
ean-Philippe Rameau, 1728, Gemälde von Joseph Aved,
Musée des Beaux Art Dijon, Foto: Wikimedia Commons
S. 15 H
elmut Lachenmann © Emilio Pomàrico
S. 16 P
ierre Petit, Hector Berlioz © Bibliothèque National de France,
Foto: Wikimedia Commons
S. 17 T
abea Zimmermann © Marco Borggreve
S. 18 L
es Siècles © Pressefoto
S. 19 F
rançois-Xavier Roth © Holger Talinski
MUSIKFEST BERLIN 2019
Sonntag
15. September
20:00 Uhr
Konzertprogramm S. 5
Orchesterbesetzungen S. 6
Martin Wilkening
Feuer aus Eis S. 8
Komponisten S. 14
Interpret*innen S. 17
Musikfest Berlin 2019 im Radio und online S. 25
Musikfest Berlin 2019 Programmübersicht S. 26
Impressum S. 28
3
Bitte schalten Sie Ihr Mobiltelefon vor Beginn des Konzerts aus.
Bitte beachten Sie, dass Bild- und Tonaufnahmen
aus urheberrechtlichen Gründen nicht gestattet sind.
Das Konzert wird von rbbKultur
am 6. Oktober 2019 ab 20:04 Uhr übertragen.
rbbKultur ist in Berlin über 92,4 MHz, Kabel 95,35, digital und über
Livestream auf www.rbbKultur.de zu empfangen.
4
PROGRAMM
Gastspiel : Paris
Les Siècles
Jean-Philippe Rameau (1683 – 1764)
Eine Auswahl von Stücken aus der
Orchestersuite aus Les Indes Galantes (1735)
auf historischen Instrumenten aus dem Jahr 1750
Stimmung der Instrumente: 415 Hz
– Entrée de la suite d‘Hébée ( Entrée. Das Gefolge der Hebe )
– P
remier rigaudon pour les Matelots provençaux et Matelotes provençales
( Erstes Rigaudon. Die provenzalischen Seefahrer )
– D
euxième rigaudon pour les Matelots provençaux et Matelotes provençales
( Zweites Rigaudon. Die provenzalischen Seefahrer )
– P
remier tambourin pour les Matelots provençaux et Matelotes provençales
( Erstes Tambourin. Die provenzalischen Seefahrer )
– D
euxième tambourin pour les Matelots provençaux et Matelotes provençales
( Zweites Tambourin. Die provenzalischen Seefahrer )
– D
anse du grand calumet de la paix en rondeau pour les Sauvages ( Friedenstanz [Rondeau] )
– C
haconne pour tous les Guerriers français, les Françaises en habits d‘amazones,
les Sauvages, les Bergers et Bergères de la colonie
( Chaconne. Die französischen Krieger, Amazonen, Wilden und Hirten der Kolonie )
Helmut Lachenmann (*1935 )
Mouvement (– vor der Erstarrung)
für Ensemble (1982 – 1984) auf modernen Instrumenten aus dem Jahr 1980
So, 15.9. Stimmung der Instrumente: 442 Hz
20:00 Pause
Philharmonie Hector Berlioz (1803 – 1869)
Harold en Italie op. 16
Symphonie in vier Teilen mit konzertanter Viola (1834)
Einführung 19:10 nach Lord Byrons Childe Harold’s Pilgrimage
mit Martin Wilkening auf historischen Instrumenten aus dem Jahr 1850
Stimmung der Instrumente: 438 Hz
Südfoyer der
Philharmonie 1. Harold aux montagnes. Scènes de mélancholie, de bonheur et de joie
(Harold in den Bergen. Szenen der Melancholie, des Glücks und der Freude)
2. Marche de pèlerins chantant la prière du soir (Marsch der Pilger, die das Abendgebet singen)
3. Sérénade d’un montagnard des Abruzzes à sa maîtresse
(Abendliches Ständchen eines Abruzzen-Gebirglers an seine Geliebte)
4. Orgie de brigands. Souvenirs des scènes précédentes
(Gelage der Räuber. Erinnerungen an vergangene Szenen)
Tabea Zimmermann Viola
Les Siècles
François-Xavier Roth Leitung
Eine Veranstaltung der
Berliner Festspiele / Das Orchester Les Siècles gastiert erstmals beim
Musikfest Berlin Musikfest Berlin und in der Berliner Philharmonie.
5
ORCHESTERBESETZUNGEN
Jean-Philippe Rameau
Orchestersuite aus Les Indes Galantes
3 Flöten (auch Piccolo)
2 Oboen
2 Klarinetten
4 Hörner
2 Sackpfeifen Musettes
Schlagzeug
Cembalo
Theorbe
Violinen I, Violinen II, Violen, Violoncelli, Kontrabässe
Entstehung: 1735
Uraufführung: Am 23. August 1735 in der
Académie royale de musique in Paris
Helmut Lachenmann (*1935 )
Mouvement (– vor der Erstarrung)
für Ensemble
1 große Flöte (auch Piccolo)
1 Altflöte (auch Piccolo)
2 Klarinetten in B (2. auch Bassklarinette in B)
Bassklarinette in B
2 Trompeten in C
Schlagzeug (2 Spieler*innen)
Schlagzeug I :
Xylorimba oder Marimbaphon
ergänzt durch Xylophon, Cymbales antiques,
4 Woodblocks, 5 Templeblocks, 2 Tomtoms,
1 hoher Metallblock, „Holzkante“
Schlagzeug II :
4 Pedalpauken, 2 Bongos,
Cymbales antiques wie Schlagzeug I, 4 Woodblocks,
5 Templeblocks, 1 mittlerer Metallblock, „Holzkante“ wie I
Schlagzeug III:
wie Schlagzeug I, aber 2 Kleine Trommeln (statt Tomtoms)
und 1 tiefer (statt hohem) Metallblock
3 Klingelspiele, von ad hoc-Spielern auszuführen (ossia 1 Klingelspiel)
2 Violen, 2 Violoncelli, 1 Kontrabass (fünfsaitig)
Entstehungszeit: 1983/84 im Auftrag des Ensemble intercontemporain,
Peter Eötvös gewidmet.
Uraufführung: Am 12. November 1984 in Paris durch das
Ensemble intercontemporain unter der Leitung von Peter Eötvös.
6
ORCHESTERBESETZUNGEN
Hector Berlioz
Harold en Italie
Solobratsche
2 Flöten
2 Oboen
2 Klarinetten
4 Fagotten
4 Hörner
4 Trompeten
3 Posaunen
Ophikleide
Pauken
Triangel, Becken, 2 Kleine Trommeln
Harfe
Violinen I, Violinen II, Violen, Violoncelli, Kontrabässe
Entstehungszeit: 1835
Uraufführung: Am 23. November 1834 in der Salle du Conservatoire in Paris
mit Christian Urhan als Solist unter der Leitung von Narcisse Girad
7ESSAY
Feuer aus Eis
8ESSAY
starrung). Und Hector Berlioz’ Harold en Italie
konfrontiert den in seiner Vereinsamung innerlich
erstarrten Byron’schen Helden mit der bewegten
Welt um ihn herum. Da ist natürlich vor allem der
entfesselte, an den Gesetzen der Metrik rüttelnde
Schwung des letzten Satzes, der die unbürgerliche,
gegenkulturelle Sphäre der Briganten, der Räuber
idealisiert, an deren Orgie Harold teilnimmt. Auf
der anderen Seite steht das Bild eines Pilgerzugs,
der als gemeinschaftliche Bewegung, als Prozess
der Annäherung und Entfernung des frommen
Gesangs, die Form des zweiten Satzes bestimmt.
Diese Szene geht auf ein nie vergessenes
Erinnerungsbild aus Berlioz’ Jugend zurück. Im
ungewöhnlichsten Kapitel seiner Memoiren, das
den Titel Über den Spleen trägt, heftet Berlioz
das Bild des Pilgerzugs an die Beschreibung seiner
Anfälle von innerer Abwesenheit und Verein
samung während seines Aufenthalts in Italien.
Er vergleicht seine Erfahrung eines den ganzen
Körper ergreifenden Zustands der Erstarrung, der
inneren Vereisung mit einem physikalischen
Experiment, bei dem Wasser im Vakuum einer
B
Glasglocke mit Hilfe von Schwefelsäure gleich
ewegung gehört zum Wesen der Musik, zeitig verdunstet und gefriert. Für Berlioz spiegelt
ihrer Kunst des In-Beziehung-Setzens, die dieser Vorgang seine eigene Empfindung: „ein
der Aufklärungsphilosoph Denis Diderot Glühen von Kopf bis Fuß … das Aufwallen, das
als Grundlage des Schönen bestimmte. In dem Verdunsten des Herzens, der Sinne, des Gehirns,
französischen Wort „Mouvement“ ist neben jener des Nervenfluidums“. Dann folgt der „Spleen“, der
allgemeinen Grundbedeutung auch ein spezifisch tiefe Lebensüberdruss: „Er ist das Gefrieren all
musikalischer Gebrauch enthalten, es bezeichnet dessen, er ist der Eisblock.“ In einem Text von
sowohl den „Satz“ eines Werkes als auch die Wolfgang Rihm über Lachenmanns Mouvement
Geschwindigkeit des metrischen Pulses, das (– vor der Erstarrung) taucht überraschender
„Tempo“. Bewegung ist in Jean-Philippe Rameaus Weise die Berlioz’sche Doppelmetapher, hier
Werk aber noch auf andere Weise mit der Musik gewendet auf Lachenmanns Musik wieder auf.
verbunden, durch den Tanz. Les Indes Galantes Rihm vernahm „in diesem Mouvement eine
gehört zur typisch französischen Gattung des Bewegung …, die ich so zu umschreiben versuche:
Opern-Balletts, der Titel deutet auf einen Bilder Feuer im Eis, oder besser: Feuer aus Eis.“
bogen der Liebessitten in den „Beiden Indien“, nach
damaligem Sprachgebrauch die kolonialisierten Begegnung mit dem Fremden
Länder des asiatischen wie des amerikanischen und Selbstinszenierung
Kontinents.
Gerade als Feier von Bewegung ist Musik aber Jean-Philippe Rameaus Opéra ballet Les Indes
auch anfällig für Ideologisierung, für Ablenkungs- Galantes ist ein Aufruf zur Liebe in Zeiten des
und Täuschungsmanöver, für leere Motorik. Sie Krieges. Für den galant-anzüglichen Streifzug
kann zur Scheinbewegung und Pseudoaktivität durch die Welt der Liebessitten gab es ein direktes,
werden, wo eigentlich innere Stagnation herrscht. auf Europa bezogenes Vorbild. L’Europe Galante,
Das ist der thematische Hintergrund, den Helmut derselben typisch französischen Gattung
Lachenmann mit dem zweiteiligen Titel seiner angehörig, stammt aus dem Jahr 1697. 1735 dann,
Komposition benennt und durch sprechende in einer Zeit, in der die neuen Welten Asiens und
Interpunktion betont: Mouvement ( – vor der Er- Amerikas zunehmend kolonialistisch vereinnahmt
9ESSAY
wurden, führte die Pariser Académie royale de geschichten aus den Sphären Persiens, der Türkei
Musique Rameaus Stück zum ersten Mal auf. Es (die für den Orient generell steht), der Inkas und
ist das zweite Bühnenwerk von Rameau, der der Indianer Nordamerikas. Darin wird aufkläre-
sich erst spät, in seiner zweiten Lebenshälfte, dem risch ebenso die Brutalität der spanischen Erobe-
Theater zugewandt hatte. rer angeklagt, wie das Vorurteil eines despotischen
Das Publikum seiner Zeit war vertraut mit dem Orients aufgelöst, und es gibt eine Untersuchung
Motiv der „Galanten Feste“, die zur Realität des des Mythos vom „Edlen Wilden“, in der die euro
höfischen Lebens gehörten und in der Malerei, bei päischen Bewerber um die Liebesgunst einer
Watteau, ihre ästhetische Überhöhung fanden. Indianerin dem indianischen Rivalen unterliegen.
Seine Bilder variierten mehrfach den Moment Spektakuläre Naturszenen, wie ein Meeres-
des Aufbruchs einer festlichen Gesellschaft nach turm oder ein Vulkanausbruch, die in Rameaus
Kythera, der Insel der Venus. Spiegelungen Werk durch die Eigenwilligkeit der eingesetzten
zwischen Kunst und Leben waren so populär, dass Mittel ebenso Aufsehen wie Widerspruch erregten,
etwa das bald nach Rameaus Stück zum ersten kommen in einer rein instrumentalen Suiten-
Mal von Europäern betretene und mit Staunen zusammenstellung nicht vor, da sie in größere
wegen seiner vermeintlichen Freizügigkeit Szenen eingebettet sind, die auch Vokalpartien
beschriebene Tahiti zunächst den Namen Neu- enthalten. Ungewöhnliche harmonische Wendun-
Kythera erhielt. Mythologie und Utopie fanden gen oder kontrapunktische Feinheiten finden sich
plötzlich einen realen Ort. In diesem Kontext aber sowohl in den schlichtesten Tänzen als auch
propagierte Rousseau seine Vorstellung vom in der großen Chaconne, die das Werk beschließt,
„Edlen Wilden“, die auf Europa ausstrahlen sollte, wenn die französischen Krieger und die Indianer
während andererseits der europäische Kapitalis- inmitten einer pastoralen Szenerie ihren neu
mus seinen Wirkungsbereich in die Kolonien gewonnenen Frieden feiern. Auch die Völker
ausdehnte. Das Alltagsgespräch über „Les Indes“ Asiens oder Amerikas tanzen hier die Gavotte,
war bestimmt von finanzieller Spekulation und Loure, Menuett oder eben die Chaconne. Mit einer
Hartherzigkeit. Dass etwa Rameau selbst ernsthaft Ausnahme. Vor der Chaconne steht der Tanz der
vorschlug, seinen eigenen Verwandten, den durch großen Friedenspfeife in Form eines Rondos, für
Diderots Erzählung als Rameaus Neffen verewig- das Rameau auf sein Klavierstück Les Sauvages
ten Sonderling, der durch freches Verhalten in (Die Wilden) zurückgriff, das er zehn Jahre früher
der Öffentlichkeit straffällig geworden war, als komponiert hatte. Dieses wiederum geht auf seine
Sträfling in die Kolonien zu deportieren, ist eine Beobachtung eines Tanzes zurück, den zwei nach
bezeichnende Fußnote zur Realität, die den Paris gebrachte Indianer aus Louisianna dort
idealisierten und erotisierten Exotismus dieser vorgeführt hatten. Rameau imitiert allerdings
Zeit umgab. keinen exotischen Musikstil – „wild“ daran ist
allenfalls das hartnäckig festgehaltene rhythmi-
Les Indes Galantes entspricht in seiner Anlage der sche Muster des Rondothemas. So ist zumindest
typischen Form eines Opéra ballets. Vier in sich die Musik des ganzen Werkes bis in solche Spuren
abgeschlossene Handlungen werden zusammen- fremdkultureller Erfahrung doch der Ausdruck
gestellt. Sie sind nicht durch Raum, Zeit oder einer kulturellen Haltung, die sich selbst als uni-
Charaktere verbunden, sondern durch ein gemein- versalistisch verstand.
sames Thema, das in einem Prolog genauer
umrissen wird. Hier konkurrieren die Göttinnen Expressive Utopien
der Liebe und des Krieges um ihr Gefolge unter der
Jugend Europas. Dass deren Repräsentanten Was Schönheit in der Musik sei, darüber wurde zur
genau aus Frankreich, Polen, Spanien und Italien Zeit Rameaus gerne gestritten. Man versuchte vor
kommen, geht auf das aktuelle Kriegsgeschehen allem, sie von der Nähe zu vermuteten Naturgeset-
um die polnische Erbfolge zurück, in das Frank- zen und von der Wirkung her zu bestimmen, von
reich und das Haus Habsburg verwickelt waren. der Fähigkeit, Vergnügen zu bereiten. Für Rameau
Amoretten werden in die Welten der „Beiden lag dieses Potential vor allem in der Harmonik.
Indien“ gesandt, um zu erkunden, wie es dort um Doch Rousseau und die meisten seiner Zeitgenos-
die Liebe steht. Und so entfalten sich vier Liebes- sen verspotteten dies als gelehrte Spekulationen
10ESSAY
über die „Physik der Töne“. Gerade in der Musik ersten Phase ertönen inmitten einer sehr zurück-
scheint die Diskussion über Schönheit bis heute genommenen, aus minimalistischen Nuancen
eine viel entscheidendere Bedeutung zu haben als entwickelten, fremdartig sich artikulierenden
in den anderen Künsten. Das hängt ebenso mit Klangwelt Zeichen des Alarms – angedeutet in den
ihrem hohen Abstraktionsgrad zusammen, mit leisen, lang gehaltenen Flatterzungen-Tönen der
unserer Verarbeitung von Höreindrücken, wie auch Trompete („starr“ lautet die Spielanweisung in der
mit der extremen Funktionalisierung von Musik Partitur) und fortgesetzt durch zwei elektrisch
durch die Gesellschaft. Musik scheint besonders betriebene Klingelspiele. Daraus entwickelt sich
dazu geeignet, abzulenken und innere wie äußere eine erste, durch schnelle Repetitionen und
Widersprüche zuzudecken. Hier setzt der Schön- Figurationen angetriebene Steigerung. Nach zwei
heitsbegriff an, den Helmut Lachenmann vertritt. Generalpausen zerfällt diese Bewegung wieder,
Kunst, Musik muss sich, um überhaupt wieder eine das Klangbild dünnt sich aus, die Musik tastet sich
nicht verdinglichte Erfahrung von Schönheit zu wie im Dunkeln voran. Lachenmann zitiert in
ermöglichen, dem „Sog der Anpassung“ entziehen, dieser stagnierenden zweiten Phase das schon von
sich ihrer selbst bewusst werden. „Schönheit“, Schönberg in programmatischer Absicht aufge-
schreibt Lachenmann 1984, zur Zeit der Entste- nommene Lied Ach, du lieber Augustin. Alles ist
hung von Mouvement (– vor der Erstarrung), „das weg, und diese Erfahrung von Verlust wird selbst
ist die Erfahrung der Selbstbetäubung oder des zur Gestalt. Für den Hörer ist das Zitat nicht
Erwachens. Schönheit, das ist Ruhekissen oder hörbar, vom Lied bleibt nur der Rhythmus, wie in
Nadelkissen … Der Weg zum Glückserlebnis des Zeitlupe gestreckt, in der Textur verborgen, aber
Schönen führt durch das – wie auch immer gleichzeitig den Musiker*innen selbst durch die
verdrängte oder akzeptierte – Angsterlebnis des Textworte angezeigt und als durch die Instrumente
Schönen, nämlich durch die Frage an den Men- wandernde Hauptstimme markiert. Diese Phase,
schen, ob und wieweit er bereit und fähig ist, Aug in der die Musik gleichsam ins Innerste blickt, wird
in Aug mit seinem Widerspruch zu leben und im beendet durch einen auffällig raumgreifenden
Bewusstsein dieses Widerspruchs wachsam zu Glissando-Tremolo-Aufstieg des Cellos und
bleiben gegenüber dem, was er ausrichtet und mündet dann in die dritte Phase. Sie bildet in
anrichtet.“ beschleunigter Bewegung ein zweites großes
Ein Erwachen aus der Selbstbetäubung, das Steigerungsfeld aus, dessen Heftigkeit schon an
ist letztlich die Erfahrung, die Franz Kafka in der entfesselter Raserei streift, bevor die Musik in
Erzählung D ie Verwandlung seinen Helden Gregor einer schattenhaften, aber überraschend tonalen
Samsa machen und ausführlich analysieren lässt. Kadenz sich verabschiedet.
Lachenmann bezieht seine Komposition zwar
nicht explizit, aber doch in deutlicher Anspielung Flucht in die halbwilde Natur
auf Kafkas Text. Bei ihm ist es kein anekdotischer
Held, sondern die gefährdete Phantasie selbst, Schon für den jungen Hector Berlioz, der sich an
um deren Erwachen es geht. In seinem kurzen der inneren Zerrissenheit von Lord Byrons Childe
Werkkommentar beschreibt Lachenmann die Harold berauschte, war Italien das Sehnsuchts-
starken Bewegungsimpulse des Stückes als land, in dem er dereinst seinen Anfällen von
„Pseudo-Aktivität“, die „jene innere Erstarrung innerer Abwesenheit, seinem „Spleen“ zu ent
anzeigt, die der äußeren vorangeht. (Die Phantasie, kommen hoffte. Als er dann von 1831 bis 1832, als
die vor empfundener Bedrohung alle expressiven Preisträger des französischen Rom-Stipendiums,
Utopien aufgibt und wie ein Käfer, auf dem Rücken tatsächlich dort lebte, schlug seine frühere
zappelnd, erworbene Mechanismen im Leerlauf Sehnsucht schnell in Desillusionierung um.
weiter betätigt, deren Anatomie und zugleich Geplagt von erneutem Lebensüberdruss flüchtet
deren Vergeblichkeit erkennend und in solchem er aus Rom in die halbwilde Natur, findet musika
Erkennen Neuanfänge suchend.)“ lische Freuden fern des kaum existierenden
Dieses „Suchen nach Neuanfängen“ scheint Musiklebens allenfalls in den gesungenen
sich in drei Phasen zu vollziehen. Sie liegen samt Begrüßungsrufen und Straßengesängen des
Einleitung, Überleitungen und Epilog auch der Alltags, die er auch aufzeichnet; er kultiviert sich
dreiteiligen Form des Stückes zugrunde. In der ein wenig als Abenteurer, erwirbt sich so einen
11ESSAY
Ruf, der bald bis nach Hause dringt, und den er Der letzte Satz aber zeigt zunächst ein ganz
später selbstironisch verteidigt, wenn er schreibt, anderes Verhältnis zwischen Solist und Orchester.
„dass eine leichte Aureole von Verbrechen, seit Zwar bleibt auch hier Harold in der Räuberhöhle
Byron sie in Mode gebracht, etwas zu Vornehmes ein Fremder. Aber die Gegenüberstellung zweier
ist, um sie nicht sorgsam zu hüten“. Welten geschieht nicht mehr zwischen dem
Byrons Epos Childe Harold’s Pilgrimage unveränderten Solo-Thema und dem Orchester.
lieferte übrigens nicht die direkte Vorlage für Der wilde Schwung der feiernden Räuber wird
Berlioz‘ Komposition, obwohl sich diese natürlich immer wieder unterbrochen durch Erinnerungs-
auf dessen düsteren Helden bezieht. Das zeigen passagen an die vorausgegangenen Sätze, Selbst-
schon ganz deutlich die Titel, die jedem Satz als zitate des Orchesterparts, die auch von Berlioz
eine szenische Einführung vorangestellt sind. in der Partitur ausdrücklich als Zitate bezeichnet
Szenen, wie die in Berlioz‘ Musik bezeichneten, sind, und jetzt von der Viola und dem Orchester
finden sich bei Byron nicht. Berlioz hat also dessen zum ersten Mal gemeinsam gespielt werden.
Dichtung in seinem eigenen Medium, der Musik, Wenn sich diese Erinnerungen auflösen in der
fortgesetzt. reinen Gegenwart der Räuberorgie, zieht sich die
Der Kampf gegen das innere Abwesend-Sein, Bratsche wiederum völlig ins Verstummen zurück.
der Hector in Italien ganz real plagte, hinterließ Erst kurz vor Schluss, wenn auf harmonisch
auch seine Spuren in Harold en Italie. Dabei gelingt schwankendem Grund die Streicher mit einer
Berlioz das Kunststück, eben jener Abwesenheit, herbeizitierten Variante des Pilgerthemas für kurze
als Diskrepanz zwischen innerem und äußerem Zeit die laute Feier in die Ferne rücken lassen,
Geschehen, auf ganz eigenartige Weise, durch die schaltet sich auch die Solobratsche noch einmal
Disposition des Solo-Parts, musikalischen Aus- ein: ein paar Seufzer und, mit plötzlicher Emphase,
druck zu verschaffen. Niccolò Paganini, der, wie eine Kadenz in den wilden Schluss hinein, der
jedenfalls Berlioz behauptete, das Werk in Auftrag dann den Solopart völlig in sich aufsaugt. Ein, wie
gegeben hatte aber nicht spielen wollte, soll er in seinen Memoiren schrieb, „erstaunliches
entsetzt gewesen sein über den vor allem durch Orchester“ für dieses schwere Stück fand der
Pausen geprägten Solopart (was einen kaum ständig reisende Berlioz 1843 in Braunschweig,
weniger großen Virtuosen, August Wilhelm Ernst, und er machte den Musikern, die sich für ihn und
aber nicht daran hinderte, zu Berlioz‘ Zeiten immer seine feurige Musik ins Zeug legten wie keine
wieder in diese seltsame Solorolle zu schlüpfen). anderen, ein ebenso feuriges Kompliment:
In den ersten drei Sätzen dieser „Symphonie mit „Sie sind großartig! Wunderbar! Ich danke Ihnen,
Solobratsche“ tritt der Solist oder die Solistin meine Herren! Sie sind vollendete Räuber!“
jeweils zuerst in einer deutlich abgesetzten Gegen-
position zum Geschehen im Orchester auf, mit Martin Wilkening
dem selben, unveränderten und wie unbeteiligt
wirkenden Thema von eher zurückhaltendem
Ausdruck: In langen Notenwerten, rhythmisch
wenig profiliert, fast gerüsthaft, wirkt es eher wie
eine Mittelstimme. Am deutlichsten wird solche
Ambivalenz des Geschehens in den beiden
Mittelsätzen, wo das Orchester Musik über Musik
inszeniert: den vom vierfachen piano bis zum forte
und wieder zurück vorbeiziehenden Pilgergesang
mit den einfallenden statischen Imitationen von
Glocken in Harfe und Horn (2. Satz) und die von
Berlioz aufgeschnappte Serenade eines abruzzi-
schen Liebhabers, die mit ihren spontan und
irregulär wirkenden Taktwiederholungen über die
Stränge jeder von einem Rom-Stipendiaten dieser Martin Wilkening, Berlin, geboren 1959 in Hannover,
studierte Musik und Literaturwissenschaft in Berlin.
Zeit erwarteten Klassizität schlägt (3. Satz). Er schreibt als freier Autor Musikkritiken und Konzert
einführungen und arbeitet für das Goethe-Institut.
12ESSAY
13BIOGRAFIEN – KOMPONISTEN
handelt, in denen er dem Instrument mit virtuosen
Spieltechniken ganz neue Wirkungen abgewann
und in neue Ausdrucksregionen vorstieß.
Schon in dieser Phase fühlte sich Rameau
zur Oper hingezogen. Nach einem zusammen mit
Voltaire verfolgten, aber letztlich gescheiterten
Projekt brachte er 1733 die Tragédie lyrique
Hippolyte et Arcie auf die Bühne. Dieses neuartig
konzipierte Werk markiert einen Wendepunkt
in Rameaus Schaffen, in dem nun Bühnenwerke
Jean-Philippe von der Oper bis zum Ballett immer klarer den
Mittelpunkt bildeten. In einer am Musiktheater
Rameau stark interessierten, debattierfreudigen Öffent
N
lichkeit lösten Rameaus Werke immer wieder
ur ganz wenige Musiker haben sowohl Kontroversen aus und gaben Anlass für lebhafte
als Komponisten wie als Theoretiker eine Diskussionen und Auseinandersetzungen über
vergleichbare Bedeutung wie Jean- ästhetische Fragen. Sein zweites Hauptinteresse
Philippe Rameau (1683 – 1764). Als Theoretiker in dieser Phase galt der Musiktheorie bis hin zu
legte er die Fundamente zum Verständnis der ihren physikalischen Fundamenten. Rameau
tonalen Musik. Zentrale, geschichtlich inzwischen tauschte sich mit zahlreichen Philosophen und
vielfach abgewandelte Begriffe der Musiktheorie Naturwissenschaftlern aus und veröffentlichte
wie Tonika, Dominante und Subdominante gehen umfangreiche Schriften. Von König Ludwig XV.
auf Rameaus in zahlreichen Schriften nieder mit einer jährlichen Pension bedacht und
gelegte Lehre zurück. Der Komponist Rameau ist vielfach geehrt starb Rameau mit 81 Jahren als
für seine virtuose und vielfältige Cembalomusik wohlhabender Künstler.
und als zentraler Meister der Tragédie lyrique, der
französischen Sonderform der Oper, bekannt, die
allerdings im deutschen Sprachraum seltener
aufgeführt werden als in Frankreich. Nicht zuletzt
ist Rameau mit seinen ungemein farbigen Klang-
erfindungen einer der großen Neuerer in der Ge-
schichte der Instrumentation und des Orchester-
klangs.
Rameaus schöpferisches Leben zerfällt grob
gesehen in zwei Teile. Als Sohn eines Organisten
in Dijon, dem Zentrum der Bourgogne in Zentral-
frankreich, war ihm früh eine kirchenmusikalische
Laufbahn vorgezeichnet. Mit sechzehn Jahren
hatte Rameau seine erste Stelle als Assistent
seines Vaters und bis in die 1730er Jahre bekleidete
er zahlreiche Organistenämter in Dijon, Clermont-
Ferrand, Paris und anderswo, ohne sich irgendwo
dauerhaft niederzulassen. Die längste Zeit in
dieser Phase verbrachte Rameau aber offenbar im
Wesentlichen ohne feste Organistenstelle in Paris.
Von 1722 an veröffentliche er hier mehrere Samm-
lungen von Cembalostücken (Pièces de clavecin),
wobei es sich teils um Tanzsätze, teils um mit
charakteristischen Titeln versehene Genrestücke
14BIOGRAFIEN – KOMPONISTEN
Gegen Ende der 1960er Jahre gelangte
Lachenmann zu einem unverwechselbaren
eigenen Stil. Sein Schaffen gründet auf einem
tiefen, von Nono geweckten Misstrauen gegenüber
konventionell „schönen“ Klängen. Diese stehen
zum einen in Verdacht, zu einem bloß sinnlichen,
oberflächlichen Genuss einzuladen und dabei
vom wahren Gehalt großer Kunst abzulenken.
Zum anderen können sie vom Komponisten
keineswegs als neutrales Material genutzt werden,
sondern sind geschichtlich vorgeprägt und in
gewisser Weise verbraucht. Dieses Misstrauen
Lachenmanns erstreckte sich bald gegen jeden
konventionell erzeugten Ton überhaupt. An seine
Stelle tritt in den Werken der von ihm sogenann-
Helmut ten Musique concrète instrumentale ein ganzer
Kosmos von Geräuschen, der kompositorisch
Lachenmann gestaltet und in verblüffendem Reichtum differen-
M
ziert wird.
it einer sich über mehr als 50 Jahre Es macht Lachenmanns Größe als Komponist
erstreckenden Schaffensgeschichte ist aus, dass er bei diesem Ansatz nicht stehen
Helmut Lachenmann inzwischen ein geblieben ist. Von den späten 1970er Jahren an
Nestor der neuen Musik. Lachenmann wurde finden sich in seinen Werken zunehmend
1935 in Stuttgart geboren, wo er von 1955 bis 1958 wieder unverfremdete Klänge, die mit höchster
auch Musik studierte. Entscheidend für seine Bedachtsamkeit eingesetzt werden. Gleichzeitig
kompositorische Entwicklung war die Begegnung erreichte er in seiner Auseinandersetzung mit
mit Luigi Nono bei den Internationalen Ferien der musikalischen Tradition eine neue Stufe und
kursen für Neue Musik in Darmstadt 1957, die bezog in neuer, direkterer Weise historisch
damals das Zentrum der Avantgardemusik geprägte Charaktere und Zitate in seine Klang
bildeten. Lachenmann folgte Nono von 1958 bis landschaften mit ein. Als ein Höhepunkt auf
1960 als Privatschüler nach Venedig. Im Kompo diesem Weg gilt die zwischen 1990 und 1996
sitionsunterricht drang Nono darauf, die Grund entstandene Oper Das Mädchen mit den Schwefel-
lagen der Musik radikal in Frage zu stellen. Nach hölzern. Mit dem im letzten Jahr bei der musica
dieser Studienzeit lebte Lachenmann bis 1973 viva – Konzertreihe des Bayerischen Rundfunks
als freischaffender Pianist und Komponist in durch das Symphonieorchester des Bayerischen
München und übernahm später Professuren in Rundfunks unter der Leitung von Peter Eötvös
Hannover und von 1981 bis 1999 in Stuttgart. Als uraufgeführten großen Orchesterwerk My Melodies
ungemein reflektierter Künstler hat Lachenmann hat sich Lachenmann auf seine Weise auch den
zahlreiche Texte verfasst, die in umfangreichen Klang des romantischen Orchesters erobert.
Bänden mit Schriften und Korrespondenzen
zugänglich sind und zu den Schlüsseltexten der
Musik unserer Zeit zählen.
15BIOGRAFIEN – KOMPONISTEN
musikalischem Erzählen angesiedelt. Mit neuartig
konzipierten symphonischen Werken wie Harold
en Italie und Roméo et Juliette oder auch dem
Hector Requiem hatte er durchaus Erfolge. Seine litera-
risch ambitionierte Künstleroper Benvenuto
Berlioz Cellini, die quer zur konventionellen Operndrama-
D
turgie steht, fiel dagegen geradezu spektakulär
ie Entdeckung der Klangfarbe als eigen- durch und brachte es nur auf drei Vorstellungen.
ständiges, zentrales Gestaltungsmittel ist Letztlich gelang es Berlioz insbesondere in Paris
wohl die wichtigste Neuerung im Schaffen nicht, sich als Musiker wirklich durchzusetzen,
von Hector Berlioz (1803 – 1869). Seine besondere und so blieb er zeitlebens auf die Einkünfte
klangliche Imaginationskraft führte ihn fast aus Brotberufen als Journalist – der glänzend zu
schon automatisch zur Orchestermusik, die er schreiben vermochte – und als Bibliothekar
nicht nur durch seine Werke, sondern auch durch angewiesen. Hinzu kam ab 1835 eine Tätigkeit als
seine Abhandlung zur Instrumentation tiefgreifend Dirigent, wobei Berlioz vor allem als Anwalt
beeinflusst hat. In der Überarbeitung durch eigener Kompositionen auftrat.
Richard Strauss stellt sie ein viel genutztes Im Laufe der 1840er Jahre wandelte sich
Standardwerk auf diesem Gebiet dar, ohne das Berlioz‘ Position im Musikleben. Im Vergleich mit
die Entwicklung des modernen Orchesters nicht jüngeren Komponisten wie Liszt und Wagner, die
denkbar wäre. ihm künstlerisch in Vielem verpflichtet waren,
Berlioz hat sein Leben rückschauend als einen wirkte der ehemalige Revolutionär Berlioz nach
„unwahrscheinlichen Roman“ empfunden. In der gerade konservativ. Die Oper Les Troyens, das
Tat verlief es in einem abenteuerlichen Auf und Ab zentrale Projekt seines späteren Schaffens, konnte
zwischen heftigen Liebesaffären, großen Erfolgen Berlioz zu Lebzeiten nicht seinen Vorstellungen
und beruflichen Desastern, fast durchweg begleitet entsprechend auf die Bühne bringen. Eine stark
von finanziellen Sorgen. Der Komponist stammt gekürzte Fassung wurde aber 1863 zu einem
aus einem kleinen Ort am Fuße der französischen großen Erfolg. In den 1860er Jahren fühlte sich
Alpen und sollte eigentlich Arzt werden – wie sein Berlioz zunehmend isoliert und verlor sich in
Vater. Das halbherzig betriebene Medizinstudium depressiver Resignation. Er starb kurz nach der
gab Berlioz jedoch 1826 auf, um sich ganz der Rückkehr von einer Konzertreise in Russland am
Musik zu widmen. 1830 schuf er dann sein 8. März 1869 in Paris.
Meisterwerk, die Symphonie fantastique, die im
Dezember desselben Jahres uraufgeführt wurde. In
dieser Symphonie wischt Berlioz zahlreiche, zuvor
für unantastbar gehaltene Gattungskonventionen
beiseite und führt eine gleichsam dichterische,
erzählende Gestaltungsweise von enormer
Anschaulichkeit und dramatischer Schlagkraft in
die Musik ein.
Nach der Symphonie fantastique erhielt Berlioz
eine Reihe ehrenvoller Kompositionsaufträge.
Seine künstlerischen Konzeptionen blieben dabei
im Grenzbereich zwischen absoluter Musik und
16BIOGRAFIEN – INTERPRET*INNEN
sowie mit Pierre-Laurent Aimard und Adam
Walker) und im Duorezital mit den Pianisten
Cédric Tiberghien, Dénes Várjon und Thomas
Hoppe.
Tabea Zimmermann hat das Interesse vieler
zeitgenössischer Komponisten für die Bratsche
geweckt und zahlreiche neue Werke in das
Konzert- und Kammermusikrepertoire eingeführt.
Das Hindemith-Jahr 2013 nahm Tabea Zimmer-
mann als Anlass, bei myrios classics eine hoch
gelobte Gesamteinspielung aller Bratschenwerke
von Paul Hindemith vorzulegen. Insgesamt
Tabea dokumentieren rund 50 CDs ihr musikalisches
Schaffen.
Zimmermann Tabea Zimmermann erhielt im Alter von drei
T
Jahren ihren ersten Bratschenunterricht. An ihre
abea Zimmermann gehört zu den belieb Ausbildung bei Ulrich Koch an der Musikhoch-
testen und renommiertesten Interpret*- schule Freiburg schloss sich ein kurzes, intensives
innen unserer Zeit. Zuhörer*innen und Studium bei Sandor Végh am Mozarteum in
musikalische Partner*innen schätzen an ihr Salzburg an. Seit 2002 ist sie Professorin an der
sowohl ihr tiefes musikalisches Verständnis und Hochschule für Musik Hanns Eisler in Berlin.
die Natürlichkeit ihres Spiels als auch ihre charis-
matische Persönlichkeit. Dass sie heute als welt-
weit führende Bratschistin gilt, gründet nicht nur
in ihrer außergewöhnlichen Begabung, sondern Les Siècles
I
ebenso in der frühen und intensiven Förderung
durch ihre Eltern, der umfassenden Ausbildung m Sommer 2003 von François-Xavier Roth
durch exzellente Lehrer und dem unermüdlichen gegründet, besteht Les Siècles aus heraus
Enthusiasmus, mit dem sie ihr Verständnis der ragenden jungen Musiker*innen aus den besten
Werke und ihre Liebe zur Musik ihrem Publikum französischen Ensembles. Roth war es grund
vermittelt. Auch in der Arbeit mit Orchestern sätzlich ein Anliegen, dass sein Orchester nicht nur
orientiert sie sich stets an ihrem kammermusika- dem Repertoire, sondern auch der Konzertform
lisch geprägten Ideal, bei dem die künstlerische selbst mit neuen Ideen begegnet.
Integrität im Vordergrund steht. Dem Orchester steht eine umfangreiche
Als Solistin arbeitet sie regelmäßig mit den Sammlung von historischen Instrumenten aus der
weltweit bedeutendsten Orchestern wie den Ber- Zeit des Barocks, der Klassik, der Romantik und
liner Philharmonikern, dem Orchestre de Paris, der Moderne zur Verfügung. Entsprechend um-
dem London Symphony Orchestra, dem Israel fassend ist sein Repertoire. Les Siècles ist somit
Philharmonic Orchestra und der Tschechischen eines der wenigen Orchester, die jedes Stück des
Philharmonie. Tabea Zimmermann hat in den Repertoires auf den entsprechenden historischen
vergangenen Spielzeiten Residencies in Weimar, Instrumenten spielen können. Diese flexible und
Luxemburg, Hamburg, bei den Bamberger Sym historisch informierte Aufführungspraxis führt
phonikern, beim Ensemble Resonanz sowie bei zu einer außerordentlich kreativen Programm
der Frankfurter Museums-Gesellschaft gestaltet. gestaltung.
Kammermusikalische Auftritte stehen in Trio François-Xavier Roth und die Musiker von
besetzungen an (mit Jörg Widmann und Dénes Les Siècles haben sich seit ihrer Gründung mit
Várjon, mit Daniel Sepec und Jean-Guihen Queyras ihrer Konzeption des Orchesters im 21. Jahrhundert
17BIOGRAFIEN – INTERPRET*INNEN
im In- und Ausland einen Namen gemacht. Sein Victoire de la Musique Classique in Frankreich
umfassendes Profil wurde in den letzten Saisons mit Sabine Devieilhe und dem Album Mirages und
vergrößert. Les Siècles ist in der Region Hauts- mit Daphnis & Chloé den Gramophone Classical
de-France im Departement Aisne ansässig, ist Music Award. Die im Dezember 2018 erschienene
assoziierter künstlerischer Partner an der Cité de Debussy-CD wurde auf der Presto Classical-
la Musique de Soissons und gibt regelmäßig Website zur CD des Jahres gewählt. 2019 ist Les
Konzerte in Paris (Philharmonie, Opéra-Comique), Siècles erneut für die Auszeichnung des Orches-
Sénart, Nîmes, Amiens, Caen, Royaumont, La ters des Jahres bei den Gramophone Awards 2019
Côte-Saint-André, Aix-en-Provence und an in der engeren Auswahl.
anderen Orten wie London (BBC Proms, Royal Die Musiker von Les Siècles initiieren regel
Festival Hall), Amsterdam (Concertgebouw), mäßig verschiedene Bildungsprojekte in Schulen,
Berlin (Konzerthaus Berlin), Bremen, Brüssel Krankenhäusern, Altenheimen und Gefängnissen.
(Klara Festival), Bukarest ( Enescu Festival), Das Orchester ist Partner der Jeune Symphonie de
Wiesbaden, Köln, Luxemburg, Tokio, Essen und l‘Aisne, des Jeune Orchestre Européen Hector
vielen anderen Städten mehr. Berlioz und von Demos, einem musikalischen und
Seine Aufnahmen der drei Strawinsky-Ballette sozialen Bildungsprojekt in Hauts-de-France und
( L‘Oiseau de Feu, Petrouchka und Le Sacre du Île-de-France. Das Orchester ist auch einer der
Printemps ) erhielten den Jahrespreis 2015 der Initiatoren des Projekts Musik im Krankenhaus,
Deutschen Schallplatten Kritik und wurden in das im Rahmen des Trousseau-Krankenhauses
Holland mit dem Edison Klassiek ausgezeichnet. für Kinderhämatologie und -Onkologie in Paris
Seinee Debussy-CD wurde zur Sunday Times-CD und im Beauvais-Krankenhaus vorgeschlagen
des Jahres gewählt und als Editor’s Choice für wurde. Er gründete auch eine Ausbildungsresidenz
das BBC Music Magazine und für Gramophone in der Petite Bibliothèque Ronde de Clamart. Les
ausgewählt. Im März 2017 startete die Zusammen- Siècles ist auch der Erfinder und Hauptdarsteller
arbeit von Les Siècles mit harmonia mundi mit der TV-Show Presto, die Millionen von Zuschauern
der Aufnahme der gesamten Orchesterwerke von auf France 2 gesehen haben und die nun mit
Maurice Ravel. Die beiden ersten Aufnahmen Unterstützung von CNDP auf DVD veröffentlicht
( Daphnis & Chloé und Ma mère l’oye ) wurden vorliegt.
mehrfach ausgezeichnet. 2018 gewinnt es den
18BIOGRAFIEN – INTERPRET*INNEN
Gürzenich-Orchester setzt er weiterhin einen
Fokus auf den Komponisten Philippe Manoury,
den das Orchester mit einer Werk-Trilogie beauf-
tragt hat. Deren zweiter Teil, ein Flötenkonzert,
wird seine Uraufführung mit Emmanuel Pahud
feiern.
Als Chefdirigent des SWR Sinfonieorchesters
Baden-Baden & Freiburg (2011 – 2016) spielte Roth
François-Xavier mit dem Orchester alle symphonischen Dichtungen
von Richard Strauss ein. Seine Aufnahmen der
Roth drei Strawinsky-Ballette Der Feuervogel, Petrusch-
F
ka und Le Sacre du Printemps mit Les Siècles
rançois-Xavier Roth, 1971 in Paris geboren, fanden international großen Anklang; letztere
ist einer der vielseitigsten Dirigenten unserer wurde dabei mit einem Jahrespreis der Deutschen
Zeit. Seit 2015 leitet er als Generalmusik Schallplattenkritik ausgezeichnet. Für harmonia
direktor der Stadt Köln sowohl das Gürzenich- mundi nahmen Roth und Les Siècles einen kom-
Orchester als auch die Oper Köln. In der Spielzeit pletten Ravel-Zyklus auf, dessen erste Veröffent
2017 / 18 nahm er außerdem die Position als lichung, Daphnis et Chloé, als Editor’s Choice der
Principal Guest Conductor des London Symphony Zeitschrift Gramophone und als CD des Monats im
Orchestra auf. Magazin Rondo ausgezeichnet wurde.
Geschätzt für seine einfallsreichen und un- Neue Zuhörer*innen zu gewinnen ist essen
gewöhnlichen Konzertprogramme, seine präg tieller Bestandteil der Arbeit von François-Xavier
nante Herangehensweise und Überzeugungskraft, Roth. Gemeinsam mit dem Festival Berlioz und Les
arbeitet François-Xavier Roth mit führenden Or- Siècles gründete er das Jeune Orchestre Européen
chestern wie den Berliner Philharmonikern, der Hector Berlioz, eine einzigartige Orchesterakade-
Staatskapelle Berlin, dem Royal Concertgebouw mie mit ihrem eigenen Bestand an historischen
Orchestra Amsterdam, dem Boston Symphony Instrumenten. Darüber hinaus haben Roth und
Orchestra, den Münchner Philharmonikern und Les Siècles Presto ! ins Leben gerufen, eine Fern-
dem Tonhalle Orchester Zürich. sehserie für France 2, die allwöchentlich über
2003 gründete Roth das Orchester Les Siècles, drei Millionen Zuschauer erreicht. Das Jugend
mit dem er so innovative wie kontrastreiche programm des Gürzenich-Orchesters Ohrenauf !
Programme konzipiert und diese auf modernen wurde Anfang 2017 mit einem Junge Ohren Preis in
und historischen Instrumenten umsetzt. Mit Les der Kategorie Produktion ausgezeichnet.
Siècles ist er in Frankreich, Italien, Deutschland, Als ein unermüdlicher Kämpfer für zeitgenös-
den Niederlanden, Belgien, England und Japan sische Musik ist François-Xavier Roth Dirigent des
aufgetreten. Für Konzerte bei den BBC Proms und wegweisenden Panufnik-Komponistenprogramms
in der Alten Oper Frankfurt sowie mit den Tanz- des London Symphony Orchestra. Darüber hinaus
kompagnien Pina Bausch und Dominique Brun brachte Roth Werke von Yann Robin, Georg
empfanden Les Siècles und François-Xavier Roth Friedrich Haas und Simon Steen-Andersen zur
anlässlich des 100. Jahrestages der Uraufführung Uraufführung und arbeitete mit Komponisten wie
den Originalklang von Strawinskys Le Sacre du Pierre Boulez, Wolfgang Rihm, Jörg Widmann und
printemps nach. Helmut Lachenmann zusammen.
In seiner dritten Spielzeit an der Kölner Oper Für seine Verdienste als Musiker, Dirigent,
dirigierte François-Xavier Roth Neuproduktionen musikalischer Leiter und Lehrer wurde François-
von Wagners Tannhäuser sowie, aus Anlass Xavier Roth am 14. Juli 2017, dem französischen
des 100. Geburtstags des Kölner Komponisten, Nationalfeiertag, zum Ritter der französischen
Bernd Alois Zimmermanns Die Soldaten. Mit dem Ehrenlegion ernannt.
1920
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24
Das Musikfest Berlin 2019
im Radio und online
Deutschlandfunk Kultur – Die Sendetermine
3.9. Di 20:03 Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam Aufzeichnung vom 2.9.
5.9. Do 20:03 BBC Symphony Orchestra Live-Übertragung
7.9. Sa 19:05 Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin Aufzeichnung vom 1.9.
8.9. So 20:03 Berliner Philharmoniker Live-Übertragung
13.9. Fr 20:03 Münchner Philharmoniker Aufzeichnung vom 10.9.
15.9. So 15:05 „Quartett der Kritiker“ Aufzeichnung vom 31.8.
15.9. So 20:03 Junge Deutsche Philharmonie Aufzeichnung vom 15.9.
17.9. Di 20:03 Israel Philharmonic Orchestra Aufzeichnung vom 16.9.
wird als Studioproduktion
21.9. Sa 22:00 Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin La Roue in Ausschnitten gesendet
24.9. Di 20:03 IPPNW–Benefizkonzert Aufzeichnung vom 22.9.
26.9. Do 20:03 Ensemble Musikfabrik Aufzeichnung vom 8.9.
Deutschlandfunk Kultur ist in Berlin über 89,6 MHz, Kabel 97,50, bundesweit über Satellit,
DAB+ und über Livestream auf deutschlandfunkkultur.de zu empfangen.
rbbKultur – Die Sendetermine
6.9. Fr 20:04 Konzerthausorchester Berlin Live-Übertragung
21.9. Sa 20:04 Berliner Philharmoniker Aufzeichnung vom 12. / 13. / 14.9.
6.10. So 20:04 Les Siècles Aufzeichnung vom 15.9.
rbbKultur ist in Berlin über 92,4 MHz, Kabel 95,35, digital und über Livestream auf
rbbkultur.de zu empfangen.
Digital Concert Hall – Die Sendetermine
8.9. So 20:00 Berliner Philharmoniker Live-Übertragung
14.9. Sa 19:00 Berliner Philharmoniker Live-Übertragung
digitalconcerthall.com
25Programmübersicht
Fr 30.8. Philharmonie
21:00 Pierre-Laurent Aimard I
Ausstellungsfoyer
Sa 31.8. Kammermusiksaal
17:00 „Quartett der Kritiker“
Eröffnungskonzert
Orchestre Révolutionnaire et Romantique
Philharmonie Monteverdi Choir
19:00 Sir John Eliot Gardiner
So 1.9. Kammermusiksaal
11:00 Alexander Melnikov
Kinderchor der Staatsoper Unter den Linden
Rundfunkchor Berlin
Philharmonie Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin
18:00 Vladimir Jurowski
Mo 2.9. Philharmonie
20:00
Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam
Tugan Sokhiev
Di 3.9. Philharmonie
19:00
Japanisches Nō-Theater
Ensemble der Umewaka Kennōkai Foundation
Mi 4.9. Philharmonie
20:00
Ensemble Modern
Brad Lubman
Do 5.9. Philharmonie
20:00
BBC Symphony Orchestra
Sakari Oramo
Fr 6.9. Kammermusiksaal
20:00 Pierre-Laurent Aimard II
Konzerthaus Berlin Konzerthausorchester Berlin
20:00 Juraj Valčuha
Sa 7.9. Philharmonie
19:00
Berliner Philharmoniker
Peter Eötvös
So 8.9. Kammermusiksaal
17:00
Ensemble Musikfabrik
Peter Eötvös
(wie 7.9.)
Philharmonie Berliner Philharmoniker
20:00 Peter Eötvös
26Mo 9.9. Kammermusiksaal
20:00 Georg Nigl & Olga Pashchenko
Di 10.9. Philharmonie
20:00
Münchner Philharmoniker
Valery Gergiev
Mi 11.9. Philharmonie
20:00
London Symphony Orchestra
Sir Simon Rattle
Do 12.9. Kammermusiksaal
20:00
Pierre-Laurent Aimard III
& Yuko Kakuta
Rundfunkchor Berlin
Philharmonie Berliner Philharmoniker
20:00 Daniel Harding
(wie 12./ 14.9.) Rundfunkchor Berlin
Fr 13.9. Philharmonie
20:00
Berliner Philharmoniker
Daniel Harding
Film & Live Musik: La Roue
Sa 14.9. Konzerthaus Berlin
14:00 – 23:00
Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin
Frank Strobel
(wie 12./ 13.9.) Rundfunkchor Berlin
Philharmonie Berliner Philharmoniker
19:00 Daniel Harding
Jack Quartet
So 15.9. Philharmonie
11:00
Junge Deutsche Philharmonie
Jonathan Nott
Philharmonie Orchestre Les Siècles
20:00 François-Xavier Roth
Mo 16.9. Philharmonie
20:00
Israel Philharmonic Orchestra
Zubin Mehta
Di 17.9. Philharmonie
20:00
Orchester der Deutschen Oper Berlin
Donald Runnicles
Mi 18.9. Kammermusiksaal
20:00
Karajan-Akademie der Berliner Philharmoniker
Susanna Mälkki
Rundfunkchor Berlin
Do 19.9. Philharmonie
20:00
Deutsches Symphonie-Orchester Berlin
Robin Ticciati
So 22.9. Kammermusiksaal
16:00
IPPNW-Benefizkonzert
WuWei Trio
27IMPRESSUM
Musikfest Berlin Berliner Festspiele
Künstlerische Leitung Ein Geschäftsbereich der Studentische Mitarbeit
Dr. Winrich Hopp Kulturveranstaltungen des K
ommunikation
Bundes in Berlin GmbH Josip Jolić, Leonard Pelz
Organisation
Anke Buckentin (Leitung), Intendant Ticket Office
Anna Crespo Palomar, Dr. Thomas Oberender Ingo Franke (Leitung),
Ina Steffan Maike D ietrich, Simone Erlein, Frano
Kaufmännische Geschäftsführung Ivić, Torsten S ommer, Sibylle Steffen,
Charlotte Sieben Alexa Stümpke, Marc Völz
Abendprogramm
Vertrieb
Redaktion Uwe Krey
Leitung Kommunikation
Dr. Barbara Barthelmes Claudia Nola
Gebäudemanagement
Lektorat Ulrike Johnson (Leitung),
Grafik
Anke Buckentin Christine Berkenhoff, Frank Choschzick, Olaf Jüngling,
Anna Crespo Palomar Anna Busdiecker, Felix Ewers Georg Mikulla, Sven Reinisch
Thalia Hertel
Internetredaktion Hotelbüro
Gestaltung Cover Caroline Döring, Selina Kahle,
Frank Giesker, Jan Köhler
Christine Berkenhoff und Frauke Nissen
Anna Busdiecker Marketing
Anna-Maria Eigel, Gerlind Fichte, Logistik
Gestaltung Innenseiten I-Chin Liu (Leitung), Sven Altmann
Jan Heberlein, Michaela Mainberger
Christine Berkenhoff
nach einem Entwurf von Eps51 Presse Technische Leitung
Anna Lina Hinz, Patricia Hofmann, Matthias Schäfer
Herstellung
Svenja Kauer, Jasmin Takim,
medialis Offsetdruck GmbH, Berlin
Jennifer Wilkens Adresse
Berliner Festspiele
Stand: 31. Juli 2019 Schaperstraße 24,
Protokoll
Programm- und Besetzungs- 10719 Berlin
Gerhild Heyder
änderungen vorbehalten
Redaktion + 49 30 254 89 0
info@berlinerfestspiele.de
Dr. Barbara Barthelmes,
berlinerfestspiele.de
Andrea Berger, Anne Phillips-Krug,
Paul Rabe
Gefördert durch / Berliner Festspiele / Musikfest Berlin in Zusammenarbeit mit / in cooperation with
Funded by Stiftung Berliner Philharmoniker
Medienpartner / Media Partners
28musikfestberlin berlinerfestspiele blnfestspiele blog.berlinerfestspiele.de # musikfestberlin
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