NOVEMBER 2018 - pin-freunde.de
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24. NOVEMBER 2018
JETZT MITGLIED WERDEN
» KEIN
PIN
VERSTECKTER
BÖRSENSCHATZ
BLEIBT LANGE
UNENTDECKT, … «
FOCUS MONEY*
02.08.2017
Wir suchen Freunde wie Sie. Helfen Sie dabei, der Pinakothek der Moderne
und dem Museum Brandhorst zu größtmöglicher Aufmerksamkeit und
Lebendigkeit zu verhelfen!
WIR BIETEN:
• f reien Eintritt in die Pinakothek der Moderne, das Museum Brandhorst
sowie in alle Häuser der Bayerischen Staatsgemäldesammlungen
• Teilnahme an festlichen Previews und Ausstellungseröffnungen
• Teilnahme an der jährlichen PIN. Party
• K uratorenführungen durch aktuelle Ausstellungen in den Pinakotheken,
dem Museum Brandhorst und anderen Kunst- und Kulturinstitutionen
•A
telierbesuche, Künstlergespräche, Begegnungen mit Privatsammlern
und Galerierundgänge
• Vorträge zu aktuellen Fragen der zeitgenössischen Kunst
• Reisen zu wichtigen internationalen Kunstzentren
• e in lebendiges Netzwerk von ca. 900 Kunst- und Kulturliebhabern
» ABER MIT
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anspruchsvolle Wissenschaft, die Sachverstand und Erfahrung erfordert. Andererseits eine
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Leidenschaft, die Kreativität und Bereitschaft zum Hinterfragen verlangt. Mit beidem bewirken
wir für unsere Kunden seit über 40 Jahren nachweislich herausragende Performances.
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Alle veröffentlichten Angaben dienen ausschließlich Ihrer Information und stellen keine Anlageberatung oder sonstige Empfehlung dar. Aktienkurse können markt-, währungs- und einzelwertbedingt relativ
stark schwanken. Wertpapiere bieten keinen umfassenden Schutz gegen die Geldentwertung. Auszeichnungen, Ratings und Rankings sind keine Kauf- oder Verkaufsempfehlungen. Frühere Wertentwick-
lungen sind kein verlässlicher Indikator für die künftige Wertentwicklung. Weitere Informationen zu Chancen und Risiken finden Sie auf der Webseite www.dje.de. Der Verkaufsprospekt und weitere Infor-
mationen sind in deutscher Sprache kostenlos bei der DJE Investment S.A. oder unter www.dje.de erhältlich. Verwaltungsgesellschaft der Fonds ist die DJE Investment S.A. Vertriebsstelle ist die DJE Kapital AG.
* Focus Money 32/2017, S. 8, „Das Beste kaufen“
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GRUSSWORT
erfreuen und ein Ziel für Inspiration und Begegnung zu sein. Wir wollen das
Museum in der Zukunft immer mehr zu einem inklusiven Ort ausbauen, weil
wir glauben, dass Kunst, Design und Architektur schon immer eine wichtige
Rolle für die gesamte Gesellschaft gespielt haben und nachhaltig zu Bildung,
Verständigung und kulturellem Austausch beitragen.
Jedes Museum, das in diesem Sinne für die Gesellschaft erfolgreich wirken
will, braucht angeregte und anregende Förderer. Es braucht also Freunde
und Freundeskreise, die an dem gemeinsamen Auftrag mit den Kollegen
des Museums arbeiten. Der besondere Erfolg der Pinakothek der Moderne
verdankt sich in speziellem Maße der dauerhaften Unterstützung durch PIN.
Freunde der Pinakothek der Moderne e.V., ein Verein, der seit Jahrzehnten
nicht nur Ankäufe und Ausstellungen, sondern eben auch ganz intensiv das
Vermittlungsprogramm und viele weitere Aktivitäten tatkräftig unterstützt.
Damit wirkt PIN. wie eine starke Zusatzbatterie, die den Motor des Museums
dort weiter antreibt, wo er sonst mangels staatlicher Mittel oft vorzeitig zum
Erliegen käme. Von zentraler Bedeutung aber ist, dass die Mitglieder von PIN.,
der Beirat und der Vorstand neben den finanziellen Energieschüben immer
wieder neue Ideen mit einbringen, um die Wirksamkeit und Sichtbarkeit des
SEHR GEEHRTE GÄSTE DER PIN. PARTY,
Hauses auszubauen. Die lange, engagierte Zusammenarbeit mit den vier
Museen hat eine vertraute Basis geschaffen, um jenseits von Ausstellungen,
Ankäufen und Vermittlungsprogrammen grundsätzliche Perspektiven für
wir freuen uns auf Ihr Kommen! Dieser Abend ist, wie in jedem Jahr,
die Zukunft gemeinsam zu denken und zu entwickeln. Dafür danken wir als
ein Höhepunkt im Kalender unseres Museums, denn heute kommen
Direktoren im Namen aller unserer Mitarbeiter ebenso wie für die großzügige
wir zusammen, um gemeinsam die Erfolge der vergangenen Monate zu
Unterstützung von Ankäufen, Ausstellungen und Veranstaltungen.
feiern. Aber zugleich wollen wir dabei auch mit der Auktion eine wichtige
Grundlage für die vielen Projekte der Zukunft schaffen. Die Pinakothek
Wir hoffen, dass Sie an diesem Abend viel Freude haben und auch die
der Moderne ist und bleibt ein ganz einzigartiges Haus, und gemeinsam
Gelegenheit nutzen, um mit unseren Kollegen am Museum in Kontakt
mit der Sammlung Brandhorst kann es für sich in Anspruch nehmen,
zu treten. Vielleicht entwickeln sich damit auch wieder neue Ideen für
der stärkste Besuchermagnet am Kunstareal zu sein. Ihren anhaltenden
Förderungen, Aktivitäten, Begegnungen? In jedem Fall danken wir schon jetzt
Erfolg verdankt sie ihrer einzigartigen Konzeption: Vier Museen wirken hier
für Ihr Kommen, Ihre großartige Unterstützung und hoffen, Sie dann in den
gemeinsam unter einem Dach – Kunst, Design, Grafik und Architektur –,
nächsten Monaten bei vielen Ausstellungen und Veranstaltungen ganz oft
und die Perspektiven, die sich für die Besucher durch das Wechselspiel aus
wiederzusehen!
temporären Ausstellungen und permanenten Sammlungen öffnen, scheinen
damit beinahe unbegrenzt. Besonders über die zahllosen Führungen,
Vorträge, Workshops und Vermittlungsprogramme werden die Ideen und
Geschichten, die hinter den gezeigten Werken stehen, für ein breites
Publikum aktiviert und zu wiederkehrenden Besuchen angeregt. Das ist und
Andres Lepik
bleibt weiterhin eines unserer wichtigsten Ziele: für eine möglichst breit
Direktor
gefächerte Öffentlichkeit die unendlichen Ressourcen von Kunst und Kultur
Architekturmuseum der TU München
zu erschließen, zum gemeinsamen Nachdenken und Gespräch anzuregen, zu
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PROGRAMM
AB 19.00 UHR
TEMPORÄR 2
Vorbesichtigung der zu versteigernden Kunstwerke
IN DER ROTUNDE
Aperitif und Speisen zum Empfang
19.00 BIS CA. 24.00 UHR
IN DER ROTUNDE
Silent Auction
Leitung: Dr. Rupert Keim, Managing Partner KARL&FABER Kunstauktionen
20.00 UHR
IN DER ROTUNDE
Begrüßung
Dorothée Wahl, Vorsitzende PIN. Freunde der Pinakothek der Moderne e.V.
Prof. Dr. Bernhard Maaz, Generaldirektor der Bayerischen Staatsgemäldesammlungen
20.15 UHR
IN DER ROTUNDE
Beginn der Live Auction
Auktionatorin: Lydia Fenet, Senior Vice President, International Director of Strategic Partnerships,
CHRISTIE‘S New York
AB 21.45 UHR
IN DER ROTUNDE UND IM WINTERGARTEN
Design by Bureau Borsche Beginn des Dinners
AB 22.00 UHR
IN DER ROTUNDE
Musik und Tanz mit DJ David Kelly & Sängerin Rayla Sunshine
AB 22.30 UHR
Nachspeisen- und Käsebuffet
AB 23.00 UHR
legero united | con-tempus.eu unterstützt die Pinakothek der Moderne, das Museum Späteinlass
Brandhorst und PIN. Freunde der Pinakothek der Moderne e.V. seit vielen Jahren.
Auch 2018 - als Förderer der Ausstellung Friedrich von Borries. Politics of Design, AB CA. 24.00 UHR
Design of Politics in der Neuen Sammlung - The Design Museum.
Ende der Silent Auction
www.con-tempus.eu Plattform zur Förderung zeitgenössischer Kunst Mitternachtsimbiss
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MENÜ
CHAMPAGNER UND SPEISEN
ZUM EMPFANG
Verschiedene Antipasti
*
Velouté von der Brunnenkresse mit Thymianschaum und Chili
Quiche mit Wurzelgemüse und karamellisiertem Radicchio
Kalbsröllchen mit Zwetschge und Rauke
Heimischer Hirsch mit Trüffelcrème
Sous-vide gegarter Saibling mit Gincrème
*
Waldpilzrisotto mit Pfifferlingen
*
Sushi Buffet – Sushibar
Austern Buffet – Frische Paradies
WALKING DINNER UND BUFFET
NACH DER AUKTION
Gebratene Garnele mit buntem Wurzelgemüse und Wildkräutersalat
Rinderfilet vom bayerischen Wiesenrind und Kräuter-Kartoffelmousseline
Kalbfleischpflanzerl mit cremigem Kartoffelpüree und Barolojus
Heimischer Zander mit Gurkensalat und Meerrettichschaum
*
Rote Grütze mit hausgemachtem Vanilleeis
Lebkuchenmousse mit Gewürzananas und tasmanischem Bergpfeffer
U.V. M. Luftiger Kaiserschmarrn mit Apfel- und Sauerkirschkompott
*
Eis – Ballabeni Icecream
Pralinen – Konditorei Münchner Freiheit
Kaffee – BARESTA caffè espresso mercato
Käse – Tölzer Kasladen
NACH MITTERNACHT
Mini-Schnitzel mit bayerischem Kartoffelsalat
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INFO
BENEFIZAUKTION FÜR DIE PINAKOTHEK DER MODERNE
UND DAS MUSEUM BRANDHORST
SAMSTAG, 24. NOVEMBER 2018
Pinakothek der Moderne
Barer Straße 40
80333 München
PLUSPUNKTE DER BENEFIZAUKTION
- Für die Benefizauktion werden keine Aufgelder erhoben.
- Die in Deutschland anfallende Umsatzsteuer bzw. Einfuhrumsatzsteuer ist bereits
im Zuschlagspreis enthalten.*
Alle Spendenerlöse fließen in die Förderung von Anliegen, Ausstellungen oder
Projekten der Bayerischen Staatsgemäldesammlungen, der Staatlichen
Graphischen Sammlung München, der Neuen Sammlung – The Design Museum
Munich, des Architekturmuseums der TU München und des Museums Brandhorst.
VORBESICHTIGUNG DER LOSE
ab Samstag, 10. November 2018
Dienstag bis Sonntag, 10.00 - 18.00 Uhr, Donnerstag, 10.00 - 20.00 Uhr,
in der Pinakothek der Moderne
EXPERTENFÜHRUNGEN
Samstag, 17. November 2018, 16.00 Uhr
Dienstag, 20. November 2018, 18.30 Uhr
Donnerstag, 22. November 2018, 18.30 Uhr
Bei Interesse bitten wir um Anmeldung unter
Tel. +49 (0)89.189 30 95-0
per E-Mail: party@pin-freunde.de
KATALOG ONLINE
www.pin-freunde.de
www.karlundfaber.de/kaufen/auktionen/pin-benefizauktion/
*N
ur bei Zuschlägen, die über ein Online-Gebot erfolgen, fällt eine
zusätzliche Gebühr an (3 % zzgl. der ggf. jeweils anfallenden USt.)
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SO STEIGERN SIE MIT
LET’S PARTY FOR ART
Sie haben bereits vorab die Möglichkeit, telefonisch, schriftlich oder online Gebote
auf die Lose der Auktion zu hinterlegen bzw. sich zu registrieren.
Die Auktion am Festabend übernehmen Lydia Fenet, Senior Vice President,
Global Director of Strategic Partnerships, CHRISTIE’S New York, und
Dr. Rupert Keim, Managing Partner KARL&FABER Kunstauktionen.
TELEFONISCHE UND ONLINE - GEBOTE
SCHRIFTLICHE GEBOTE
Bitte melden Sie telefonische oder Online-Gebote für alle Lose können von
schriftliche Gebote bis Samstag, 10. November 2018, bis Freitag,
Freitag, 23. November 2018, um 17.00 Uhr 23. November 2018, 17.00 Uhr abgegeben
bei CHRISTIE‘S in München an. werden unter www.karlundfaber.de/
kaufen/auktionen/pin-benefizauktion/
CHRISTIE’S
supports Marie Christine Gräfin Huyn Zudem kann dort auf die Lose
Türkenstraße 16 1–30 während der Live Auction am
80333 München 24. November 2018, ab 20.15 Uhr
Tel.: + 49 (0)89. 2420 96 80 online in Echtzeit mitgeboten werden.
Fax: + 49 (0)89. 2420 96 88
E-Mail: mhuyn@christies.com Bei Zuschlägen, die über ein Online-Gebot
erfolgen, fällt eine zusätzliche Gebühr an
Für Ihre schriftlichen Gebote (per Fax (3 % zzgl. ggf. anfallender USt.).
oder postalisch) nutzen Sie bitte das
beiliegende Bieterformular.
Bitte beachten Sie, dass Gebote, die per
E-Mail eingehen, erst gültig sind, wenn Sie
dafür eine Bestätigung erhalten haben.
BEZAHLUNG UND ABHOLUNG
Wir bitten um Bezahlung der ersteigerten Kunstwerke bis Freitag, 07.12.2018.
Für alle Werke besteht nach der Auktion eine Lagermöglichkeit bis einschließlich
Donnerstag, 20.12.2018.
Christie’s München
Türkenstrasse 16
Einen Abholtermin können Sie in diesem Zeitraum unter +49 (0)89.189 30 95-0 oder
80333 München per E-Mail an party@pin-freunde.de vereinbaren.
+49 (0) 89 2420 9680
Bitte beachten Sie, dass der Versicherungsschutz mit Abholung, spätestens aber mit
dem 20.12.2018, erlischt und nach diesem Datum Lager- und Transportkosten anfallen.
Auction | Private Sales | christies.com
17KÜNSTLERINDEX
IN DER AUKTION 2018 VERTRETENE KÜNSTLERINNEN UND KÜNSTLER
TO BREAK THE RULES, Jean Marie Appriou 46
¸ š 48
Jānis Avotin
LOS 13
LOS 14
Hans-Jörg Mayer 103
Mathieu Mercier 42
LOS
LOS
44
11
YOU MUST FIRST MASTER Caroline Mesquita 105 LOS 46
THEM. John Baldessari 60
Eva Beuys 88
LOS
LOS
19
32
Matthias Meyer 82
Kaspar Müller 26
LOS
LOS
30
4
Jonathan Bragdon 89 LOS 33 Thomas Müller 22 LOS 2
Geta Brǎtescu 40 LOS 10
Matti Braun 36 LOS 8 Warren Neidich 106 LOS 47
Tatjana Busch 68 LOS 23
André Butzer 84 LOS 31 Albert Oehlen 78 LOS 28
Louisa Clement 90 LOS 34 Moritz Partenheimer 108 LOS 49
Catalin Pislaru 107 LOS 48
NEUERÖFFNUNG Alexander Deubl 92
Thea Djordjadze 94
LOS 35
LOS 36
Émilie Pitoiset 110
Florian Pumhösl 38
LOS
LOS
51
9
AUDEMARS PIGUET HOUSE Andreana Dobreva 95 LOS 37
MÜNCHEN Tim Eitel 64 LOS 21
Bernd Ribbeck 109
Ed Ruscha 58
LOS 50
LOS 18
MAXIMILIANSTRASSE 35
Olafur Eliasson 30 LOS 5
Jeff Elrod 80 LOS 29 SEO 66 LOS 22
EINGANG C Cécile B. Evans 70 LOS 24 Slavs and Tatars 74
Kiki Smith 52, 111
LOS
LOS
26
16 & 52
TEL. +49 89 2620493 00 Roland Fischer 44 LOS 12 Katja Strunz 24 LOS 3
Sylvie Fleury 20 LOS 1
Max Frintrop 96 LOS 38 Wolfgang Tillmans 72 LOS 25
Gerrit Frohne-Brinkmann 98 LOS 40 Philipp Timischl 112 LOS 53
Isabelle Tondre 113 LOS 54
Isa Genzken 54 LOS 17 Panos Tsagaris 114 LOS 55
Calla Henkel & Max Pitegoff 97 LOS 39 Wolfram Ullrich 116 LOS 56
Alicia Henry 100 LOS 41 Amalia Ulman 118 LOS 58
Albert Hien 101 LOS 42
Veronika Hilger 102 LOS 43 Mia Florentine Weiss 117 LOS 57
Herbert Hinteregger 34 LOS 7 James White 62 LOS 20
Benedikt Hipp 104 LOS 45
Youjin Yi 120 LOS 59
Alex Katz 50 LOS 15
+49 611 34 175 25 | AUDEMARSPIGUET.COM
Annette Kelm 76 LOS 27 Natalia Załuska 121 LOS 60
Daniel Knorr 32 LOS 6
ROYAL OAK
CHRONOGRAPH
AUS ROSÉGOLD
19LOS 1 SYLVIE FLEURY * 1961 in Genf/Schweiz lebt und arbeitet ebenda CUDDLY PAINTING ( RED), 2017 Kunstfell auf Leinwand 25 x 25 cm Signiert auf der Rückseite Galeriepreis inkl. EUSt.: € 9.600,- Eingeliefert von Karma International, Zürich/Los Angeles Courtesy Sylvie Fleury Sylvie Fleury gehört zu den bekanntesten Künstlerinnen unserer Zeit. Ihr Witz und ihr kritischer Blick auf das Konsumverhalten unserer Zeit haben ihr weltweit Anerkennung verschafft. Fleury ist bekannt für ihre Inszenierungen des Glamours, der Mode und von Luxusartikeln. Wirken ihre Werke auf den ersten Blick wie eine Affirmation der Konsumgesellschaft und ihrer Wertmaßstäbe, so trifft man bei näherer Betrachtung immer auch auf eine subtile Kommentierung des schönen Scheins. Die glatte Oberflächenästhetik ihrer Werke erweist sich beim zweiten Blick als brüchig und stellt den Wert der Konsumikonen in Frage, sei es der vergoldete Einkaufswagen oder eine Marmorskulptur unförmiger Winterstiefel. Fleurys Œuvre verweist auf die künstlerischen Ästhetiken von Pop- und Minimal-Art, ohne sich in einer „Kunst über Kunst“ zu erschöpfen. Wohl keine Künstlerin hat je zuvor in einer so unbefangenen Weise den Gedanken von Marcel Duchamps Readymade mit Warhols Affirmation der Warenwelt vereint. Ihre männlichen Künstlerkollegen entwaffnet Fleury, indem sie mit deren Kunst spielt: Andy Warhols Brillo-Boxen ersetzt sie durch SlimFast- Verpackungsschachteln, sie deckt frappierende Gemeinsamkeiten von Joseph Kosuths Textkunst mit Werbeslogans auf und ironisiert mit dem hier angebotenen „Cuddly Painting (red)“ eine Ikone der abstrakten Kunst: das schwarze Quadrat von Malewitsch. Selbstbewusst und nicht ohne Stilisierung ihrer eigenen Persönlichkeit positioniert sich Sylvie Fleury so zwischen Feminismus und Markenfetischismus. Allein in München war Sylvie Fleury 2016 mit einer großen Einzelausstellung in der Villa Stuck und 2010 im Kubus des Lenbachhauses zu sehen. Weitere Einzelausstellungen zeigten u.a. das Palais de l’Athénée, Genf; der Salon 94 Bowery, New York, und das CAC/Centre de Arte Contemporaneo, Malaga. Ihre Werke sind in zahlreichen Sammlungen vertreten, darunter Daimler Contemporary, Berlin; Foundation Louis Vuitton, Paris; Migros Museum, Zürich, und Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Wien. 20 21
LOS 2 THOMAS MÜLLER * 1959 in Frankfurt a.M. lebt und arbeitet in Stuttgart OHNE TITEL, 2018 Kugelschreiber auf Fabriano-Bütten 196 x 140 cm Signiert und datiert auf der Rückseite Galeriepreis inkl. MwSt.: € 21.000,- Eingeliefert von Florian Sundheimer Kunsthandel, München Courtesy Thomas Müller Als einer der wenigen zeitgenössischen Künstler, die sich fast ausschließlich der Zeichnung widmen, nimmt Thomas Müller eine singuläre Position auf dem aktuellen Kunstmarkt ein. Seine Zeichnungen sind ästhetische Versuchsanordnungen; das Blatt ist sein mediales und formales Experimentierfeld. Seine Kunst gleicht einer Suchbewegung im offenen Raum. Es ist die Linie, deren Spannkraft und energetisches Potenzial sich der Künstler zu eigen macht, um das Weiß des Blattes zu aktivieren und dem Bild Lebendigkeit zu verleihen. Für das inszenierte Wechselspiel der Kräfte sind die ausgestalteten Partien ebenso wichtig wie die Leerstellen, denn erst sie bieten den Resonanzraum für den Dialog der Formen. Trotz ihres figurativen und erzählerischen Moments verweisen Müllers Zeichnungen nicht auf etwas Außerbildliches. Stattdessen erheben sie den Zeichenakt zum alleinigen Thema, sodass – wie der Kurator Andreas Schalhorn es ausdrückt – „man angehalten ist, zu sehen, was man sieht.“ Das monumentale Format des vorliegenden Blattes verführt den Betrachter, nicht nur das Motiv als Ganzes, sondern auch den Verlauf der einzelnen Linien als energievolle Bewegung wahrzunehmen. Obwohl jede Zeichnung bei Müller für sich steht, gruppiert er in Ausstellungen seine Werke oft zu mehrteiligen Tableaus. Im Zusammenwirken der Bilder ergibt sich so ein bedeutungsvolles Geflecht von Bezügen. Müller entwickelt seinen Zeichenstil kontinuierlich weiter – kein Werk ist abgeschlossen, keine Serie beendet. Der in Frankfurt geborene Künstler war Artist in Residence bei der von Donald Judd gegründeten Chinati Foundation, Marfa. Seine Werke sind in zahlreichen Sammlungen vertreten, darunter die der Kunsthalle Hamburg; der Staatsgalerie Stuttgart; Staatlichen Graphischen Sammlung, München, und des Centre Pompidou, Paris. Sean Scully lud Thomas Müller Anfang 2018 zu einer gemeinsamen Ausstellung in seinem New Yorker Atelier ein. 22 23
LOS 3 KATJA STRUNZ * 1970 in Ottweiler lebt und arbeitet in Berlin EINFALL DER MÖGLICHKEIT, 2018 Pulp Painting 93,5 x 110,5 cm Signiert auf der Rückseite Galeriepreis inkl. MwSt.: € 22.000,- Eingeliefert von Katja Strunz Courtesy Contemporary Fine Arts, Berlin Katja Strunz beschäftigt sich in ihren Arbeiten mit räumlichen und zeitlichen Strukturen. Die Faltung und der Fall sind dabei die zentralen, abstrakten Dynamiken, die sie entwickelt hat, um diese Raum-Zeit- Beziehung in einer universellen Sprache auszudrücken. Sie manifestiert sich dreidimensional in ihren skulpturalen Arbeiten und Installationen und zweidimensional in ihren Papierarbeiten, wie den Collagen und Pulp Paintings. Zu letzteren zählt auch die (hier angebotene) Arbeit „Einfall der Möglichkeit“. Die Pulp-Painting-Technik folgt der alten asiatischen Tradition der Papierherstellung: Der Untergrund wird in Handarbeit aus Manilahanf und Maulbeerbaum hergestellt. Die bunten Papierteile darauf sind aus Baumwollstoffen wie z.B. recycelter Kleidung gefertigt. Durch die Vergangenheit, die das Material in sich trägt, verdichten sich Raum, Zeit und Geschichte; neue Formstrukturen entstehen, die eine Fülle von weiteren Konstellationen in sich bergen. Schon früh bediente sich Strunz der Collage als einer Technik zur Entwicklung ihrer Kompositionen. Nicht nur unterschiedliche Papiersorten, auch Holz und Metall werden nach diesem Prinzip von ihr zusammengefügt. Bezugnehmend auf die Raum-und-Zeit-Theorie des französischen Philosophen Paul Virilio sowie Gilles Deleuzes Denkmodell der „Falte“ entwickelt Strunz komplexe, künstlerische Reflexionen, die sie unter dem Titel „Unfolding Process“ zusammenfasst. Über ihr enges Verhältnis zum Konstruktivismus sagt Strunz: „Meine Arbeit nimmt Bezug auf den historischen Konstruktivismus. Dieses Einbeziehen der Historie verstehe ich an sich als konstruktivistischen Akt.“ Neben Einzelausstellungen u.a. in der Berlinischen Galerie, dem Saarlandmuseum Saarbrücken, dem Camden Arts Centre, London, und dem Museum Haus Esters, Krefeld, hat sie an Gruppenausstellungen im Centre Pompidou, Paris; dem Migros Museum, Zürich, und dem mumok, Wien, teilgenommen. 2019 sind Einzelausstellungen im Haus am Waldsee, Berlin, und im Indianapolis Museum of Contemporary Art geplant. 24 25
KASPAR MÜLLER
LOS 4
* 1983 in Schaffhausen/Schweiz
lebt und arbeitet in Berlin
UNTITLED, 2016
10 mundgeblasene Glaskugeln, Seil
Die Arbeit ist auf eine Raumhöhe von max. 4 Meter angelegt.
Sie kann auch an beiden Enden unter der Decke befestigt werden.
Dimension variabel
Unikat
Zertifikat mit Signatur
Galeriepreis inkl. MwSt.: € 23.800,-
Eingeliefert von Privatsammlung
Courtesy Kaspar Müller und Société, Berlin
Kaspar Müllers Werk hat viele unterschiedliche Gesichter. Wie
Quecksilber entzieht es sich der Kategorisierung. Der Zusammenhang
zwischen seinen Fotografien, Gemälden, Readymades, Leuchtern oder
Glasarbeiten, die er oft gemeinsam ausstellt, ist nicht leicht zu erfassen.
In der Tradition Marcel Duchamps, Jasper Johns, Rauschenbergs oder
Picassos kombiniert er Gefundenes mit Gemachtem, alte Fahrräder
mit mundgeblasenen Glasobjekten, bemalte Metalltonnen mit Nippes
vom Flohmarkt. Mundgeblasene Glaskugeln kommen in seinem Werk
immer wieder vor. Zumeist sind sie auf lange Seile aufgefädelt und
werden von dicken Knoten an ihrer Position gehalten. Wie Perlenketten
mäandern sie durch die Räume, mal senkrecht von der Decke
hängend, mal entlang der Wände installiert. Matt oder transparent und
in unterschiedlichen Farben ausgeführt, erinnern sie an Himmelskörper
in ihrer Umlaufbahn oder an gigantische Weihnachtskugeln. Ohne
jeden offensichtlichen Nutzen wirken sie zunächst vor allem dekorativ,
ein l’art pour l’art, nicht mehr und nicht weniger. Gleichzeitig aber
haben sie eine befremdlich intensive, poetische Ausstrahlung. Eine
mundgeblasene Kugel ist auf perfekte Weise unperfekt. Sie will
vollkommen sein und ist es doch nie. Geschaffen mit der Energie des
menschlichen Atems, hält sie immer das schöpferische Individuum,
dessen Können sie sich verdankt, präsent. Die Glaskugeln laden
Gegenstände, die in ihrer Nähe platziert sind, mit neuer Bedeutung
auf. Ihre Schönheit strahlt auf ihre Umgebung ab und verändert den
Blick auf das vermeintlich Alltägliche.
Müller hatte neben zahlreichen Galerieausstellungen
Einzelpräsentationen in folgenden Institutionen: der Kunsthalle Bern;
dem Kunsthaus Zürich; dem Centre d’Art Contemporain, Lausanne;
der Kunsthalle Zürich und im Museum Bellpark, Kriens.
26 27LOS 5 OLAFUR ELIASSON * 1967 in Kopenhagen/Dänemark lebt und arbeitet in Berlin GLACIAL CURRENTS ( BLACK, BLUE), 2018 Aquarell, Tusche und Bleistift auf Papier 140,5 x 140,5 cm 152,5 x 152,5 x 8 cm, gerahmt Unikat Signiert auf der Vorderseite Galeriepreis inkl. MwSt.: € 70.000,- Eingeliefert von Olafur Eliasson Courtesy neugerriemschneider, Berlin Der dänische Künstler isländischer Herkunft Olafur Eliasson zählt zweifellos zu den bedeutendsten Künstlern der Gegenwart. Mit seinen Großprojekten begeistert er wie kein Zweiter Menschen weltweit, auch außerhalb der Museen. Die Zeichenkunst nimmt einen zentralen Stellenwert in seinem alle Medien umfassenden und Naturphänomene wie Wasser, Eis und Licht einbeziehenden Werk ein. Die Arbeit „Glacial currents (black, blue)“ stammt aus einer der jüngsten Werkgruppen des Künstlers, die er eigens für die große Präsentation seines zeichnerischen Œuvres in der Pinakothek der Moderne 2018 schuf. Es handelt sich um eine Serie von großformatigen Aquarellen, in denen neben dem exakt kalkulierten Verhältnis von Pigmenten, Tusche und schmelzendem Gletschereis der Zufall eine zentrale Rolle spielt. So entsteht in der Idealform des Kreises ein geradezu poetisches Farbenspiel in unzähligen Grau- und Blautönen, dessen Farbigkeit und Erscheinungsform nicht nur aus schmelzendem Eis entstanden sind, sondern auch an Eis selbst erinnern. Auch in früheren Arbeiten, etwa seinen Installationen „Your waste of time“ 2006 in der Galerie neugerriemschneider in Berlin und „Ice Watch“ anlässlich des Weltklimagipfels 2015 in Paris, verwendete Eliasson Gletschereis, um den Klimawandel und die damit einhergehenden Veränderungen in das Erfahrungsfeld des Betrachters zu rücken. Mit dem schmelzenden Eis führt er uns eindrücklich die fragile Schönheit unseres blauen Planeten vor Augen. Zwischen Eliasson und der Stadt München besteht schon lange eine besondere Verbindung: Bereits seit 2003 ist „Sphere“ in den Fünf Höfen installiert. 2004 schuf er für die hiesige Niederlassung der KPMG eine nicht endende Treppe in Doppelhelix-Form: „Umschreibung“. 2005 realisierte er ein Glasfenster für das Probengebäude der Bayerischen Staatsoper am Marstallplatz. 2013 schließlich wurde die große Lichtskulptur „Wirbelwerk“ im Foyer des Neubaus des Lenbachhauses installiert. Zu den Institutionen, in denen Eliasson in den letzten Jahren Projekte realisierte, zählen das Schloss von Versailles; die Langen Foundation, Neuss; das Moderna Museet, Stockholm; das Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk; das K20, Düsseldorf; das Lentos Kunstmuseum, Linz, und die Tate Modern, London. 30 31
LOS 6 DANIEL KNORR * 1968 in Bukarest/Rumänien lebt und arbeitet in Berlin DEPRESSION ELEVATIONS, INDUSTRIAL TV SKYLIGHT TURQUOISE, 2018 UV-geschützter, pigmentierter Polyethan-Guss 41 x 41 x 10 cm Unikat Zertifikat mit Signatur Galeriepreis inkl. MwSt.: € 16.700,- Eingeliefert von Daniel Knorr Courtesy Galerie Meyer Riegger, Berlin/Karlsruhe und Galerie nächst St. Stephan, Wien Im vergangenen Jahr wurde Knorr mit seinen Installationen in Athen und Kassel zu einem der meist beachteten Teilnehmer der documenta 14. Er selbst bezeichnet seine im weitesten Sinne bildhauerischen Arbeiten als „Materialisierungen“ von Beobachtungen. Im Jahr 2013 begann Knorr die Serie „Depression Elevations“, in der er Abgüsse von Unebenheiten in Straßen anfertigt. Die Formen der Skulpturen geben Hinweise auf die Straßenoberfläche und ihre Abnutzung durch den Menschen. Es entstehen Zeugnisse, die die Geschichte des Entstehungsortes in sich tragen und Assoziationen zum Fundort freisetzen. Dieses Konzept erweitert Knorr in seiner neuen Serie „Depression Elevations Industrials“, in der er durch Naturereignisse gezeichnete, industrielle Objekte als Gussformen benutzt. Für die vorliegende Arbeit „Industrial TV Skylight turquoise“ verwendete er eine Fensterhaube, die der Hurrikan Irma wohl von einem Wohnwagen abriss und durch die Straßen Miamis fegte, bis sie in den Händen des Künstlers landete. Das Ergebnis ist ein smaragdartig leuchtendes Wandobjekt, das diesen kaputten, ausgedienten Gegenstand für die Ewigkeit konserviert und damit zum Zeitzeugen des Hurrikans werden lässt. Wie der Bildschirm eines alten Schwarz-Weiß-Fernsehers der 1960er-Jahre knüpft die Arbeit formal auch an die damals entstandene Bewegung des Minimalismus an. Neben seiner Teilnahme an der documenta 14 war Knorr 2017 auch in der Hannoveraner Überblicksausstellung „Made in Germany“ vertreten. Zudem richtete ihm die Pinakothek der Moderne, München, eine Einzelschau aus. In den letzten Jahren waren seine Arbeiten u.a. im Fridericianum, Kassel; im Skulpturenpark, Berlin; in der Kunsthalle Basel; im Lenbachhaus, München, und im Kunstverein Hamburg zu sehen. 2005 gestaltete er den rumänischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Der Künstler hat unlängst ein Studio in Hongkong aufgemacht. Gerade bereitet er eine große Ausstellung in der Republik Korea vor. 32 33
HERBERT HINTEREGGER
LOS 7
* 1970 in Kirchberg in Tirol/Österreich
lebt und arbeitet in Kitzbühel und Wien/Österreich
UNTITLED ( NIGHT_PATH IN THE CLIFFS
NEAR BOLUS HEAD), 2012/2018
Kugelschreiberfarbe und Schleifpapier auf Leinwand,
Grundierungsfarbe auf Holz
168 x 170 x 13,5 cm
Signiert und datiert auf der Rückseite
Galeriepreis inkl. MwSt.: € 18.600,-
Eingeliefert von Galerie Georg Kargl Fine Arts, Wien
Courtesy Studio Herbert Hinteregger
Ursprünglich wollte Herbert Hinteregger Schriftsteller werden,
entschied sich jedoch für ein Studium der Malerei an der Akademie
der bildenden Künste Wien. Seit den 1990er-Jahren nutzt er für seine
Bilder Kugelschreiberfarbe, die er im zeitaufwendigen Verfahren
des Austropfens der Kugelschreiberminen gewinnt. Die Farbe wird
mit einem sehr feinen Pinsel aufgetragen, sodass eine metallisch
glänzende, opake Oberfläche entsteht. Hinteregger trägt die Farbe
auf verschiedenen Stoffen wie Leinen, Tüll, Jeans und Brokat auf.
Die unterschiedlichen Eigenschaften der Stoffe stellen den Künstler
stets vor neue Herausforderungen. In jüngeren Arbeiten ergänzt
Hinteregger die Farbstreifen durch Sand, den er selbst an Stränden
sammelt und auf die Bildfläche aufträgt. Hinteregger hat sich bewusst
für einen entschleunigten Malprozess entschieden, den er mit geradezu
obsessiver Konsequenz verfolgt. Die leeren Kugelschreiberhüllen
verwendet er weiter für Installationen, in denen er ganze Räume mit
einer Art Overall-Pattern überzieht. Die Kugelschreiberhüllen stellen
somit eine Verbindung zwischen seinen raumbezogenen Arbeiten
und seinen Bildern her und werden gemeinsam mit ihnen in einem
Installationskontext präsentiert. Hintereggers konzeptueller Ansatz
verbindet ihn mit Künstlern der New York School wie Ad Reinhardt
und Agnes Martin, durch die räumlich-installative Praxis erforscht er
allerdings neue Dimensionen von Malerei.
Hintereggers Arbeiten waren in zahlreichen Ausstellungen zu sehen,
u.a. im 104 Centquatre, Paris; dem Taxispalais, Innsbruck; dem
Kunstverein Heilbronn; der Kunsthalle Krems; dem Vasarely Museum
Budapest; dem mumok, Wien. 2019 sind Ausstellungen u.a. im Museum
Haus Konstruktiv, Zürich, und im Kunstverein Rosenheim geplant. Seine
Arbeiten sind in zahlreichen institutionellen Sammlungen vertreten
u.a. des Museum Belvedere, Wien; der Jumex Collection, Mexiko-Stadt;
der Neuen Galerie, Graz; des Oberösterreichischen Landesmuseums,
Linz, sowie international in vielen Privatsammlungen.
34 35LOS 8 MATTI BRAUN * 1968 in Berlin lebt und arbeitet in Köln UNTITLED, 2016 Seide, Textilfarbe, pulverbeschichtetes Aluminium 130,6 x 100,6 cm Signiert auf der Rückseite Galeriepreis inkl. MwSt.: € 36.000,- Eingeliefert von Matti Braun Courtesy Esther Schipper, Berlin Es geht eine geradezu hypnotische Intensität von den Seidenbildern Matti Brauns aus. Der nahtlose Farbverlauf sowie der Seidenglanz, der die Farben stets in unterschiedlichen Nuancen zum Schimmern und Leuchten bringt, wecken eine unmittelbare Neugierde darauf, wie die Farbmodulationen entstehen. Der komplexe Herstellungsprozess wurzelt in Brauns Erforschung und Aneignung traditioneller Techniken der Textilproduktion, die oft aus einem religiösen oder rituellen Kontext stammen. Im Gegensatz zu früheren Serien enthalten seine neueren Werke jedoch keine offensichtlichen Verweise auf ihre ursprünglichen Quellen. Es besteht eine spürbare Spannung zwischen dem einfach Anmutenden und der Komplexität der Konzepte, denen sich die Arbeiten verdanken. Braun untersucht in seinem Werk die unerwarteten, oft wenig bekannten Auswirkungen kulturübergreifender Dynamiken und macht Muster künstlerischer Migrationsbewegungen und kultureller Missverständnisse sichtbar. Seine Arbeiten thematisieren die Tatsache, dass einem Gegenstand nie nur eine einzige Bedeutung zugewiesen werden kann, sondern unsere Wahrnehmung immer auch von unserer persönlichen und der kulturellen Geschichte geprägt ist. Die Referenzen seiner Werke sind nie illustrativ oder didaktisch, sondern machen die kulturelle Flugbahn eines Objekts und die Mechanismen einer gegenseitigen Bestäubung unterschiedlicher Kulturen sichtbar. So ist Matti Brauns Arbeit geprägt von einer ständigen Verhandlung zwischen konkreten Bezügen und allgemeinen Anspielungen, zwischen poetischer Vergänglichkeit und viszeraler Unmittelbarkeit. Im Oktober 2018 eröffnete Matti Brauns Einzelpräsentation im Rubin Museum, New York. Er war mit Einzelausstellungen u.a. im Kunstverein Heilbronn; dem Kunstverein Braunschweig; Kunstmuseum Liechtenstein, Vaduz, sowie im Museum Ludwig, Köln, und im Museion, Bozen, zu sehen. Seine Arbeiten sind u.a. in der Bundeskunstsammlung, der Kadist Foundation, Paris, und dem Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen, vertreten. 36 37
LOS 9 FLORIAN PUMHÖSL * 1971 in Wien/Österreich lebt und arbeitet ebenda UNTITLED RELIEF, 2018 Gips 33 x 28 x 3 cm Signiert auf der Rückseite Galeriepreis inkl. MwSt.: € 23.800,- Eingeliefert von Florian Pumhösl Courtesy Galerie Buchholz, Berlin/Köln Installationen, Bilder, Reliefs und Filme – Florian Pumhösls künstlerische Arbeit umfasst viele Gattungen. Trotzdem bildet die Bildhauerei den Ausgangspunkt für seine Auseinandersetzung mit Objekt, Abbild und Raum. Pumhösl knüpft bewusst an Konzepte und die visuelle Sprache der Moderne an. Er baut auf den visuellen Konzepten der Avantgarde auf. Dabei wird das verwendete Formenvokabular in seinen seriell angelegten Werken auf ein minimales Gerüst reduziert. Monochromie, geometrische Wiederholungen und binäre Strukturen wie die Gegenüberstellung von positiv und negativ, vertikal und horizontal spielen dabei eine bedeutende Rolle. Statt reiner Referenz und einem Vorgehen wie in der Appropriation Art bewegt sich Pumhösl bewusst innerhalb eines abstrakten Kanons aus unterschiedlichen Kontexten und Epochen. Seinen Arbeiten geht eine intensive Recherche voraus. Pumhösl greift auf historische Referenzen zurück und nimmt beispielsweise auf japanische Kimonomotive aus dem 17. Jahrhundert, Druckverfahren aus dem 19. Jahrhundert oder die Formenvielfalt von Dachziegeln Bezug. Seine Arbeiten sind visuelle Übersetzungsprozesse, in denen er der Entwicklung einer abstrakten Formensprache in diversen Kulturen nachspürt. Häufig stehen seine Werke visuell in einer symbiotischen Beziehung zu ihrer Ausstellungsumgebung. Die Ausstellung stellt als sogenannte „Verräumlichung“ seiner Arbeit einen wichtigen Aspekt seines Schaffens dar. Er war mit Einzelausstellungen im Kunsthaus Bregenz; dem Art Institute of Chicago; dem mumok, Wien, und in der Kunsthalle St. Gallen zu sehen. Seit 2018 ist Pumhösl Professor für Bildhauerei an der Akademie der Bildenden Künste München. Seine Klasse gewann den Preis des Akademievereins zur Jahresausstellung 2018. Pumhösls Arbeiten befinden sich in vielen internationalen öffentlichen und privaten Sammlungen u.a. in der Tate Modern, London; des Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid; des Macba, Barcelona; des MOCA, Los Angeles; der Pinault Collection; des Museum Ludwig, Köln; der Generali Foundation, Wien/Salzburg, und des Museums Brandhorst, München. 38 39
LOS 10 GETA BRǍTESCU * 1926 in Ploieşti/Rumänien † 2018 in Bukarest/Rumänien SPIEL DER FORMEN, 2014 Collage auf Papier 45,9 x 28,9 cm 51,8 x 34,8 x 3,8 cm, gerahmt Zertifikat Galeriepreis inkl. EUSt.: € 21.400,- Eingeliefert von Hauser & Wirth und Marian Ivan Gallery Spätestens seit der letzten Biennale von Venedig, wo Geta Brǎtescu mit einem aufsehenerregenden Pavillon ihr Land repräsentierte, galt sie als Grande Dame der rumänischen Konzeptkunst. Bereits unter sozialistischer Diktatur schuf sie abstrakte Werke, die der damaligen Staatskunst entgegenstanden. Der internationale Durchbruch kam erst vor wenigen Jahren. Im Sommer dieses Jahres ist Brǎtescu im Alter von 92 Jahren gestorben. Sie hinterlässt ein vielfältiges Werk, das sich keiner Stilrichtung zuordnen lässt. Es umfasst Zeichnungen, experimentelle Filme, Collagen aus Stoff und Papier, Grafiken, Fotografien, Performances, Objekte und Rauminstallationen. Es gibt sowohl abstrakte als auch gegenständliche Werke, manche Arbeiten sind kleinteilig, andere raumgreifend. Ihre farbenfrohen Papiercollagen bezeichnet sie als „Zeichnen mit der Schere“, ihre Stoffarbeiten als „Zeichnen mit der Nähmaschine“. Brǎtescus Werke faszinieren mit der sinnlichen Materialität des Stoffes, der Beweglichkeit des Fadens und der Unendlichkeit der Linie. Die Künstlerin löst die Linie aus der Fläche, möchte sie in ihrer körperlichen Bewegung durch den Raum erfahrbar machen. Ebenso experimentiert sie mit der Form des Kreises, in dem sich Farben und Formen stets in neuen Konstellationen begegnen. Ihr Vorgehen ist mehr vom ernsten Spiel als von Regeln geprägt und zeigt, was Imagination und Handwerk vermögen. Fragen nach menschlicher Identität, Weiblichkeit, Erinnerung und Geschichte stehen im Mittelpunkt ihrer Kunst. Zu sehen ist dies beispielsweise in der Serie „Hypostase de Medea“, für die Brǎtescu alte Stoffe ihrer Mutter verwendete, die sie nach deren Tod entdeckte. Ihre Werke waren zuletzt u.a. auf der documenta 14; der Biennale von Venedig; dem Museum voor Schone Kunsten, Gent, und der Tate Liverpool zu sehen. Zudem widmete die Hamburger Kunsthalle Geta Brǎtescu 2016 eine umfassende Retrospektive. Aktuell sind Brǎtescus Arbeiten in einer Einzelausstellung im Neuen Berliner Kunstverein zu sehen. Im Frühling 2019 zeigt Hauser & Wirth in London eine Einzelausstellung. 40 41
MATHIEU MERCIER
LOS 11
* 1970 in Cornflans-Sainte-Honorine/Frankreich
lebt und arbeitet in Paris/Frankreich
STELTON BLEU, 2012
Mixed Media und Objekte
50 x 105,9 x 26 cm
Unikat
Zertifikat mit Signatur
Galeriepreis inkl. MwSt.: € 18.000,-
Eingeliefert von Mathieu Mercier
Courtesy Galerie Lange + Pult, Zürich
Die Arbeiten des Franzosen Mathieu Mercier bewegen sich zwischen
Kunst und Alltagskultur. Er nutzt maschinengefertigte Teile, Lampen,
Möbel oder Museumssockel, um Begriffe der westlichen Kultur
des 20. Jahrhunderts im Spannungsfeld von Architektur, Design
und bildender Kunst zu reflektieren. Gezielt greift er dabei auf die
künstlerische Avantgarde zurück. Mercier verknüpft die epochalen
Gesten Marcel Duchamps mit Piet Mondrians Bildfindungsstrategien.
Auffällig ist dabei Merciers unvoreingenommene Neugier auf die Welt,
seine nahezu dadaistische Lust, Alltagsgegenstände – ganz im Sinne
des Readymades – für sich nutzbar zu machen. Im Vertrauten lässt er
den Betrachter das Absurde und Widersinnige entdecken. Im Gegensatz
zur Pop-Art geht es Mercier jedoch nicht um den Kampf zwischen
Hoch- und Populärkultur. Mercier setzt seine gefundenen Gegenstände
durch sein Ordnungssystem in Bezug zu historischen Kunstformen
wie dem Suprematismus, Konstruktivismus oder der Abstraktion. Die
Referenz zu Ausdrucksformen der klassischen Moderne offenbart
sich auch in Werktiteln wie „Drum & Bass“: Der Name der Werkserie
bezeichnet eine besondere Spielart der Technomusik der 1990er-Jahre
und erinnert zugleich an Piet Mondrians Spätwerk „Broadway Boogie-
Woogie“.
2003 erhielt Mathieu Mercier den renommierten Prix Marcel Duchamp.
Er war mit einer großen Retrospektive im Musée d’Art Moderne de
la Ville de Paris und mit Einzelausstellungen u.a. in der Lokremise,
St. Gallen; der Villa Merkel, Esslingen, und der Kunsthalle Nürnberg
zu sehen. Seine Werke sind in renommierten Sammlungen, u.a. des
Städel Museums, Frankfurt; Daimler Contemporary, Berlin; dem FRAC
Lorraine, Metz, und des Centre Pompidou, Paris, vertreten.
42 43ROLAND FISCHER
LOS 12
* 1958 in Saarbrücken
lebt und arbeitet in Peking/China und München
TRANSHISTORICAL PLACES #02 ( RIO), 2018
C-Print Diasec
204 x 153 x 5 cm, gerahmt
Edition: 4/5
Signiert auf der Rückseite
Galeriepreis inkl. MwSt.: € 21.000,-
Eingeliefert von Roland Fischer
Courtesy Walter Storms Galerie, München
Als Erster unter den jungen deutschen Fotografen stellte Roland
Fischer von 1980 an großformatige Porträtaufnahmen aus und verhalf
dem sogenannten „Tableau“-Format damit zum Durchbruch. Mitte
der 1990er-Jahre begann Fischer, sich mit Architektur zu beschäftigen
und schuf „Gesichter des Urbanen“, wie Petra Giloy-Hirtz seine Cut-
Outs von Hochhausfassaden internationaler Finanzzentren nannte. Es
entstanden Serien wie die „Cathedrals“ und die „New Architectures“
– Vorläufer seiner neuen Reihe „Transhistorical Places“, aus der die
vorliegende Arbeit stammt. Von Beginn an experimentiert Fischer in
seinen Architekturbildern mit Kompositionstechniken, schafft durch
Fragmentierung und Montage eine Auflösung der Perspektive oder
eine Mehransichtigkeit des fotografierten Gegenstandes, ähnlich der
Vorgehensweise avantgardistischer Malerei.
In der Serie „Transhistorical Places“ überlagert Fischer brutalistische
Architektur mit Formelementen, die er überwiegend der Moderne
entnimmt. So entsteht ein abstraktes Bild, herausgelöst aus seinem
eigentlichen Kontext. Auf die jeweilige Identität des Ortes verweist nur
noch sein Titel. In „Transhistorical Places“ verschmelzen damit zwei
künstlerische Strömungen des 20. Jahrhunderts zu einem Ausdruck
unserer Gegenwart, die für den Künstler, wie er sagt, „mit gewissen
gesellschaftlichen und politischen Verheißungen verknüpft [sind], die
auch heute wieder eine bestimmte Aktualität haben.“
Fischers Arbeiten wurden weltweit bereits in 120 musealen bzw.
institutionellen Ausstellungen gezeigt, darunter mehr als 40
Einzelausstellungen wie der Pinakothek der Moderne in München oder
dem Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. Seine Werke sind in
zahlreichen internationalen Sammlungen vertreten, u.a. des Musée
d’Art Moderne de la Ville de Paris; der Pinakothek der Moderne,
München; dem Lenbachhaus, München; der Munich Re, München; der
Swiss Re, München; der FNAC, Paris, und des Musée d’Art Moderne,
Strasbourg.
44 45JEAN- MARIE APPRIOU
LOS 13
* 1986 in Brest/Frankreich,
lebt und arbeitet in Paris/Frankreich
FLY, 2017
Mundgeblasenes Glas
40 x 24 x 20 cm
Unikat
Galeriepreis inkl. MwSt.: € 11.200,-
Eingeliefert von CLEARING, New York/Brussels
Courtesy Jean-Marie Appriou
Als Alchemist wird der französische Künstler Jean-Marie Appriou
häufig bezeichnet. Anstatt sich einer Handwerkskunst zu verschreiben,
experimentiert er leidenschaftlich mit diversen Materialien und
beobachtet dabei deren Transformation in irdische und zugleich
traumähnliche Universen. Aluminium, Bronze, Keramik und wie im
vorliegenden Fall Glas zählen dabei zu den bevorzugten Materialien,
mit denen der Künstler intuitiv agiert. Die zahlreichen Fehlversuche
des Autodidakten stellen für ihn eine Möglichkeit dar, ein besseres
Verständnis für das Material zu gewinnen. So entstehen Menschen,
Tiere und fantastische Pflanzenwelten, die nicht nur den sogenannten
„Zauber der Kunst“ ausstellen, sondern mit ihren Spuren auf den
Herstellungsprozess und die künstlerische Manipulation selbst
verweisen. Über die Arbeit „Fly“ sagt Appriou: „Die Fliege ist aus
dem Atem des Glasbläsers geboren wie ein verpupptes Insekt aus
dem Feuer. Ihre Augen sind wie der Spiegel einer Hexe, in dem
der Betrachter die verzerrten Konturen seines Körpers erkennt. Ihre
Haare gleichen schwerelosen Wassertropfen und ihre Flügel sind wie
gemeißelte Glasfenster.“
Appriou verarbeitet unterschiedlichste Einflüsse in seinem Werk, von
der Mythologie über Popmusik bis hin zum Comic und der Science-
Fiction-Literatur. Kunsthistorische Vorbilder des Künstlers sind die
Malerei der Präraffaeliten, Pflanzen- und Mineralbilder von Arnold
Böcklin oder die Darstellungen von Frucht- und Blumenkörben von
Pierre Puvis de Chavannes.
Appriou ist dieses Jahr bei Eva Presenhuber, Zürich; CLEARING, Brüssel,
und in der Fondation Louis Vuitton, Paris zu sehen. Zuvor war er u.a.
auf der Biennale von Venedig und im Palais de Tokyo, Paris, vertreten.
Seine Werke sind Teil der Sammlungen des Musée d’Art Moderne de la
Ville de Paris; der Fondation Louis Vuitton, Paris; der Fondation Pinault,
Venedig; des Museo Jumex, Mexiko-Stadt; der Zabludowicz Collection,
London, und der Vanhaerents Art Collection, Brüssel.
46 47JĀNIS AVOTI¸N Š
LOS 14
* 1981 in Riga/Lettland
lebt und arbeitet ebenda
CONVERSATION, 2016
Öl auf Leinwand
35,5 x 158 cm
Signiert auf der Rückseite
Galeriepreis inkl. MwSt.: € 14.000,-
Eingeliefert von Galerie Rüdiger Schöttle, München
¸š
Courtesy Jānis Avotin
¸ š gehört zu den bekanntesten Künstlern, die aus der lebendigen
Jānis Avotin fast durchsichtigen Farbschichten als ephemere Wahrnehmung dar. Wie viele
Kunstszene in Riga hervorgegangen sind. Alte Fotografien und Propagandamaterial osteuropäische Maler setzt er sich mit der Bedeutung des kollektiven Gedächtnisses
aus der Sowjetära sind die Quellen seiner wie schwebend wirkenden Malerei. Seine zur Rolle der ehemaligen Sowjetunion auseinander. Dabei schafft er eine poetische
Arbeiten strahlen eine kontemplative Stimmung aus. In vielschichtiger Ölmalerei Malerei, die zwischen träumerischer Stimmung und verschwommener Andeutung
zeigt Avotin¸ š isolierte Gestalten, die sich fast aufzulösen scheinen. Geisterhaft des Unbewussten divergiert.
und mysteriös wirken die Figuren, deren Umfeld kaum Detaillierung erfährt. Die 2016 erhielt Avotin¸ š den Prix Jean-François Prat. Seine Arbeiten sind u.a. in der
vorliegende Arbeit „Conversation“ zeigt eine schemenhaft dargestellte Landschaft, Cranford Collection; der Hort Family Collection; der François Pinault Collection und
deren horizontale Mitte durch einen niedrigen Mauerverlauf markiert wird – oder der Sammlung zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland vertreten.
ist es ein langer Steg, der über einem stillen Wasser liegt? Auf diesem Element lässt 2008 hatte er eine Einzelausstellung in der Stadtgalerie Schwaz, in deren Zuge
sich eine Silhouette ausmachen. Eine größere Figur hält eine kleine auf dem Arm. auch ein umfassender Katalog erschienen ist. 2019 werden seine Arbeiten in einer
Ähnlich wie bei einer vergilbten Fotografie aus längst vergangener Zeit liegt die Einzelausstellung in der Galerie Rüdiger Schöttle, München, gezeigt. Ferner wird
Interpretation der erkennbaren Umrisse und Linien beim Betrachter. Avotin ¸š Avotin¸ š von der Galerie Vera Munro, Hamburg, und der Galerie Vartai in Vilnius,
hinterfragt in seinen Arbeiten auch den Anspruch der Geschichtsforschung, Lettland, vertreten.
mittels Bildern Zeugnis abzulegen. Realität stellt Avotin ¸ š in seinen zarten,
48 49LOS 15 ALEX KATZ * 1927 in Brooklyn, New York/USA lebt in New York und Maine/USA JESSICA IN LEATHER JACKET, 2005 Kohle auf Papier 38,1 x 55,9 cm 60,2 x 82,4 cm, gerahmt Unikat Signiert auf der Vorderseite Galeriepreis inkl. MwSt.: € 25.000,- Eingeliefert als Schenkung an PIN. Freunde der Pinakothek der Moderne e.V. von Galerie Thaddaeus Ropac, London/Paris/Salzburg Alex Katz gilt als einer der Väter der Pop-Art und prägte als Hauptvertreter des Cool Painting ganze Generationen von Künstlern, wobei er in seinem Werk immer die Verbindung zu den großen historischen Protagonisten der amerikanischen Malerei wie Edward Hopper oder Georgia O’Keeffe bewahrte. Mit seiner an amerikanischen Billboards geschulten Ästhetik, dem Prinzip der Serialität und seinen von jeglicher Psychologie befreiten Menschendarstellungen wurde Katz zu einem der einflussreichsten Maler unserer Zeit. Einige seiner Werke auf Papier beziehen sich eng auf zeitlich später entstandene Gemälde, andere erfüllen wiederum durchaus den Anspruch von selbstständigen Zeichnungen. Diese Kohlezeichnung zeigt eine stehende junge Frau vor einem neutralen Hintergrund, die mit wachen Augen über ihre Schulter zurückschaut, als hielte etwas ihre Aufmerksamkeit gefangen. Die leicht gedrehte Haltung und der ausschnitthafte Charakter – die Figur ist unterhalb der Hüfte vom Bildrand abgeschnitten – steigern die besondere Spontaneität des Ausdrucks. Alex Katz’ Werk bezieht sich stets auf die unmittelbare Gegenwart und damit auf ephemere Erscheinungsformen wie Mode, Accessoires, Lebensstile, Mimik und Gestik. In seinen Zeichnungen manifestiert sich der klassische Anspruch der Kunst auf die adäquate Darstellung des Menschen in seiner jeweiligen Zeit. Mit gutem Recht kann man sie deshalb heute Gesellschaftsbilder nennen. Die Papierarbeit war von April bis Juli dieses Jahres in der ersten Ausstellung von Alex Katz in der Republik Korea mit dem Titel „Alex Katz Models and Dancers“ im Lotte Museum of Art in Seoul ausgestellt. Seine Werke befinden sich weltweit in den renommiertesten öffentlichen Sammlungen, z.B. im Metropolitan Museum of Art und im MoMA, New York; in der Neuen Nationalgalerie, Berlin; in der Tate Gallery, London, und im Museum Brandhorst, München. Letzteres widmet Alex Katz ab Dezember 2018 eine große Einzelausstellung mit Werken aus allen Schaffensphasen. 50 51
LOS 16 KIKI SMITH * 1954 in Nürnberg lebt und arbeitet in New York City/USA BOUQUET, 2017 ( MAYER’SCHE HOFKUNSTANSTALT, EDITION 17.0) Weißes Opalglas (mundgeblasen), schwarzer Siebdruck und farbige Handmalerei (keramische Schmelzfarben, gebrannt), partiell mit Mondgold und Blattsilber hinterlegt, mit traditionellem Bleirand, auf geschlämmter Ahornleiste 51 x 43 cm Unikat durch Handmalerei Edition: 1/10 + 2 AP Signiert auf der Vorderseite Galeriepreis inkl. MwSt.: € 33.300,- Eingeliefert von Mayer’sche Hofkunstanstalt, München Courtesy Kiki Smith Kiki Smith, Tochter des amerikanischen Bildhauers Tony Smith, entwickelt bereits seit über drei Jahrzehnten ein plastisches, zeichnerisches und druckgrafisches Werk, das sich intensiv mit der menschlichen Existenz auseinandersetzt. Die Fragilität des Lebens, Sexualität, Gender und Feminismus sind wiederkehrende Themen im Werk der Künstlerin. Dabei spielen auch weibliche Archetypen aus Religion, Mythologie und Folklore eine wichtige Rolle. In jüngeren Werken ist das Verhältnis von Mensch und Tier, Natur und Kosmos zunehmend ein zentrales Motiv. Ihr starkes Interesse an der Anatomie des Körpers ist insbesondere in ihren Plastiken präsent. Kiki Smith lässt sich von der Arbeit mit diversen Materialien inspirieren: Neben Bronze, Porzellan, Gips, Federn oder Bienenwachs ist Glas zu einem wichtigen Werkstoff der Künstlerin geworden. Die in Nürnberg geborene New Yorkerin kehrt daher regelmäßig zurück nach Bayern, um in der Mayer’schen Hofkunstanstalt auf Glas zu malen. Dort ist auch die Arbeit „Bouquet“ (2017) auf mundgeblasenem Echtantikglas entstanden. Sie ist ein Ausschnitt aus einem Glasbild, das 2017 auf der Biennale in Venedig präsentiert wurde. Petra Mayer, die gemeinsam mit ihrem Mann Michael Mayer in fünfter Generation die Mayer’sche Hofkunstanstalt leitet, saß für die Arbeit Modell. Der feine Pinselstrich, mit dem Smith die sacht auf den bunten Blumen ruhenden Hände skizziert, unterstreicht die Fragilität der Glasarbeit, die tanzende Schatten auf die Wand wirft, wenn das Licht sie streift. 2017 war Kiki Smith zum fünften Mal auf der Biennale von Venedig vertreten. In München zeigte dieses Jahr das Haus der Kunst die größte Kiki-Smith-Retrospektive in Europa, und die Galerie Barbara Gross widmete der amerikanischen Künstlerin die sechste Einzelausstellung. Ihre Werke sind in zahlreichen Sammlungen u.a. des Metropolitan Museum of Art, New York; des Solomon R. Guggenheim Museum, New York, und des Victoria and Albert Museum, London, vertreten. Siehe auch Los 52 52 53
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