MUSIK FEST BERLIN 4.9. 2019 - Berliner ...
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Berliner Festspiele # musikfestberlin
MUSIK
FEST In Zusammen
BERLIN
arbeit mit
der Stiftung
Berliner
Philharmoniker
4.9.
2019
Gastspiel: Frankfurt am Main
Ensemble Modern
Chorwerk Ruhr
Brad Lubman
Berliner Festspiele
Weitere Werke von
Olga Neuwirth
5.9. Do 20:00
Philharmonie 18.9. Mi 20:00
Kammermusiksaal
Modest Mussorgsky Olga Neuwirth
Eine Nacht auf dem kahlen Berge Aello – ballet mécanomorphe
op. posth. für Flöte solo, 2 gedämpfte Trompeten,
Streicherensemble, Synthesizer und
Louis Andriessen Schreibmaschine
The Only One
für Jazzsängerin und großes Orchester Gérard Grisey
Europäische Erstaufführung Quatre chants pour franchir le Seuil
für Sopran und 15 Instrumentalist*innen
Olga Neuwirth
…miramondo multiplo… Juliet Fraser Stimme
für Trompete und Orchester Emmanuel Pahud Flöte
Jean Sibelius Karajan-Akademie der
Symphonie Nr. 5 Es-Dur op. 82 Berliner Philharmoniker
Susanna Mälkki Leitung
Nora Fischer Stimme
Håkan Hardenberger Trompete
BBC Symphony Orchestra
Sakari Oramo Leitung
MUSIK
30.8.–
FEST
19.9.
2019 In Zusammen-
BERLIN
arbeit mit
der Stiftung
Berliner
Philharmoniker
Bildnachweise
S. 9 L
ouis Andriessen 2009 © Karoly Effenberg
S. 12 F
rancis Picabia, Totalisator, 1919,
Museo Nacional Centro de Arte, Reina Sofia
S. 14 P
iet Mondrian, Kompositon mit Linien, 1917,
Kröller-Müller Museum, Foto: Wikimedia Commons
S. 17 E
ugene Lux, Piet Mondrian und Gwen Lux mit Plattenspieler, 1934,
Foto: Netherlands Institute for Art History
S. 18 O
lga Neuwirth © Harald Hofmann
S. 19 E
dgard Varèse © Fred Plaut
S. 21 L
ouis Andriessen © Marco Borggreve
S. 22 H
ermann Kretschmar © Andreas Etter
Catherine Milliken © Wonge Bergmann
S. 23 N
orbert Ommer © Privat
S. 24 C
horwerk Ruhr © Pedro Malinows
Klaas Stok © Hans van der Woerd
S. 25 Ensemble Modern © Kathrin Schilling
S. 27 Brad Lubman © Peter Gerling
MUSIKFEST BERLIN 2019
Mittwoch
4. September
20:00 Uhr
Konzertprogramm S. 5
Besetzungen S. 6
Libretto – De Stijl S. 10
Martin Wilkening
Phantastische Räume S. 12
Komponist*innen S. 18
Interpret*innen S. 22
Musikfest Berlin 2019 im Radio und online S. 33
Musikfest Berlin 2019 Programmübersicht S. 34
Impressum S. 36
3
Bitte schalten Sie Ihr Mobiltelefon vor Beginn des Konzerts aus.
Bitte beachten Sie, dass Bild- und Tonaufnahmen
aus urheberrechtlichen Gründen nicht gestattet sind.
4
PROGRAMM
Gastspiel : Frankfurt am Main
Olga Neuwirth (*1968 )
locus...doublure...solus
für Klavier und Ensemble (2001)
Teil I – Teil VII
Edgard Varèse (1883 – 1965 )
Déserts
für 14 Blasinstrumente, Klavier, Schlagzeug und
3 Interpolationen für „electronically organized sound“
Mi, 4.9.
(1949 – 1954, rev. 1960/61)
20:00
Pause
Philharmonie
Louis Andriessen zu Ehren II
Louis Andriessen (*1939 )
Einführung 19:10 De Stijl
mit Martin Wilkening für vier Frauenstimmen, Sprecherin und großes Ensemble
aus dem Musiktheater De Materie 3. Teil (1985)
Südfoyer in der
Philharmonie
Hermann Kretzschmar Klavier
Catherine Milliken Sprecherin
Norbert Ommer Klangregie
Chorwerk Ruhr
Klaas Stok Einstudierung
Ensemble Modern
Brad Lubman Leitung
Eine Veranstaltung der Berliner Festspiele / Musikfest Berlin
Die Aufführungen „Louis Andriessen zu Ehren I–III“ am 2., 4. und 5. September werden
unterstützt von der Ernst von Siemens Musikstiftung und der Aventis Foundation
5
BESETZUNGEN
Olga Neuwirth
locus …doublure … solus
für Klavier und Ensemble
2 Flöten (1. auch Piccolo)
1 Oboe
2 Klarinetten in B (1. auch Klarinette in Es)
1 Bassklarinette
1 Fagott (auch Kontrafagott)
1 Horn in F (auch diatonische Mundharmonika in d – Hohner MS)
1 Trompete in C (auch Kleine Trompete in Hoch-B)
1 Tenorposaune (auch chromatische Mundharmonika in C – Hohner 10, No. 253C)
Tuba in C (auch diatonische Mundharmonika in es – Hohner MS)
Schlagzeug (2 Spieler*innen)
Spieler*in I:
Metallfeder (groß), Xylophon, Kleine Trommel, Crotales / Fingerzymbeln,
2 Gongs, 2 Kuhglocken, Tamtam (groß), Triangel (medium), Tamburin,
Steeldrum, Donnerblech (dünn)
Spieler*in II:
Stahlfeder (medium), Vibraphon, Glockenspiel, Set Crotales / Fingerzymbeln,
2 Gongs, 2 Kuhglocken, Tamtam (medium), Röhrenglocken, Chimes,
Steeldrum, Donnerblech (dünn)
1 Sampler (Sound A: elektrisches Klavier; Sound B: Celesta)
Solo-Klavier
1 Violine I, 1 Violine II, 1 Viola, 1 Violoncello,
1 fünfsaitiger Kontrabass (auch diatonische Mundharmonika in Cis – Hohner MS)
Entstehungszeit: 2001, Auftragswerk der Klangspuren Schwaz,
Thomas Larcher gewidmet.
Uraufführung: Am 8. September 2001 in Schwaz mit Thomas Larcher am Klavier
und der Birmingham Contemporary Music Group unter der Leitung von
Pierre André Valade.
6BESETZUNGEN
Edgard Varèse
Déserts
2 Flöten (beide auch Piccolo)
2 Klarinetten in B (1. auch Bassklarinette)
2 Hörner
3 Trompeten (1. in D, 2. und 3. in C)
3 Posaunen
1 Basstuba
1 Kontrabasstuba
Klavier
Schlagzeug (5 Spieler*innen)
Schlagzeuger*in I:
4 Pauken (mit Pedalen), Vibraphon, 2 hängende Becken (hoch und tief),
kleine Trommel, Claves
Schlagzeuger*in II:
Glockenspiel, Snare Drum, Field Drum, Kleine Trommel, 2 Pauken oder Tomtoms,
2 hängende Becken (hoch und tief), Kuhglocke, Tamburin
Schlagzeuger*in III:
2 Große Trommeln (mittel und tief) mit angehängten Becken, Field drum,
Kleine Trommel, Kuhglocke, Guiro, Claves, Tamburin, Röhrenglocken
Schlagzeuger*in IV:
Vibraphon, 3 Gongs (hoch, mittel, tief), 2 Lathes, Guiro, Tamburin
Schlagzeuger*in V:
Xylophon, 3 Chinesische Holzblocks, 3 Holztrommeln (Dragon Heads),
Guiro, Claves, 2 Maracas
2 Magnettonbänder mit „electronically organized sound“, zweikanalig und stereo
Entstehungszeit: 1950 – 1954, rev. 1960/61, Red Heller gewidmet.
Uraufführung: Am 2. Dezember 1954 in Paris im Théâtre des Champs-Elysées
durch das Orchestre National de France unter der Leitung von Hermann
Scherchen. Diese Aufführung war die erste stereophone Direktübertragung
im Radio in Frankreich auf der Basis von Frequenzmodulation dar.
7BESETZUNGEN
Louis Andriessen
De Stijl
für vier Frauenstimmen, Sprecherin und großes Ensemble
aus dem Musiktheater De Materie 3. Teil
3 Flöten
2 Altsaxofone in Es (2. auch Baritonsaxofon in Es)
2 Tenorsaxofone in B
Baritonsaxofon in Es
4 Trompeten in C
4 Posaunen
4 Frauenstimmen
1 Sprecherin
2 Klaviere (2. elektrisches Klavier)
Synthesizer
1 Klavier (upright hinter dem Publikum)
Schlagzeug (2 Spieler *innen)
2 Drum Sets: Hi-Hat, Becken, Syndrums, Snare Drum, Bass Drum
Vibraphone (einschließlich bis zum viergestrichenen c‘‘‘‘)
Glockenspiel (ad lib.)
Metall und Schwermetall (z.B. 4 Autostoßstangen)
4 – 5 Gongs
2 Elektrische Gitarren
Bassgitarre
Entstehungszeit: 1985
Uraufführung: Am 9. Juni 1985 im Paradiso, Amsterdam durch
das Ensemble Kaalslag unter der Leitung von Reinbert de Leeuw.
89
LIBRETTO
Louis Andriessen
De Stijl
Chorus The line of a perfect circle is not perfection of the first order.
The line of a perfect circle is perfect as a line. But it is not perfect
without limitations, it is not perfect as an unending line,
it is not perfection of the first order, it is not the perfect line.
The perfect straight line is “the” perfect line.
Why?
Because it is the only perfection of the first order. Likewise its ray,
the perfect eternal ray, is perfection of the first order.
The perfect eternal ray is also “the” perfect ray. For only it is as ray
a perfection of the first order.
The cross-figure
The figure which objectifies the concept of this pair of perfections
of the first order, is the figure of the perfect right-angledness:
or, in other words, the cross-figure. This is the figure that represents
a ray-and-line reduced to perfection of the first order.
It characterises the relationship between perfections of the first
order as a perfect right-angled relationship, a “cross” relationship.
The figure is actually “open”.
10LIBRETTO
Rezitatorin In those days Piet Mondriaan sent a message that he was in
Holland and that he could not return to Paris. Mrs Hannaert
invited him to stay and when one afternoon I came around, he was
sitting with her at table. He made a strange impression upon me,
because of his hesitating way of speaking and the nervous
twitching of his mouth. In the summer of 1915 he stayed in Laren
and rented a small atelier in the Noolsestreet. In the evenings we
would go to Hamdorf, because Piet loved dancing. Whenever he
made a date (preferable with a very young girl) he was noticeably
good-humoured. He danced with a straight back, looking upwards
as he made his “stylised” dance steps. The artists in Laren soon
began to call him the “dancing Madonna”!
One afternoon in ’29 I was with him in Paris and met the Hoyacks
in his atelier. After a while, without saying anything, he put on a
small gramophone (which stood as a black spot on a small white
table under a painting of which it seemed to be the extension) and
began quietly and stiffly, with Madame Hoyack, to step around the
atelier. I invited him to dine with me as we used to do in the old
days. Walking on the Boulevard Raspail, suddenly I had the feeling
that he had shrunk. It was a strange sensation. In the metro we
said goodbye; when we heard the whistle, he placed his hand on
my arm and embraced me. I saw him slowly walking to the exit,
his head slightly to one side, lost in himself, solitary, and alone.
This was our last meeting.
Chorus “cross” relationship.
A
This figure is really “open”.
We can prolong it on any side as long as we wish without changing
its essential character, and however far we prolong this figure,
it never attains a perimeter, it never becomes “closed” thereby, it is
thereby totally and utterly boundless: it excludes all boundaries.
Because this figure is born from itself in our conception, it
characterizes the concept of perfect opposites of the first order, as
a concept of the essential “open”, the actual and real “unbounded”.
(Übersetzung vom Niederländischen ins Englische von Tim Coleman
©Copyright 1994 by Boosey & Hawkes Music Publishers Limited
Mit freundlicher Genehmigung Boosey & Hawkes Bote & Bock, Berlin)
Fragments from Dr M.H.J. Schoenmakers “Beginselen der beeldende wiskunde”
(The basic principles of expressive mathematics), C.A.J. van Dishoeck, Bussum 1916
Fragments from Maaike van Domselaer-Middlekoop, Herinneringen aan Mondriaan
(Memories of Mondrian), Maastaf 1959/1960
11ESSAY
Phantastische Räume
12ESSAY
erfundene Welten schrieb, denen er mit äußerster
Genauigkeit den Schein des Wirklichen verlieh.
Exakte Beschreibungen phantastischer Apparate
und weit verzweigte historisch-mythische Er
läuterungen seltsamer Objekte kennzeichnen
sein Werk. Zu dessen ausufernden Kombinatorik
gehören auch Sprachspiele, weswegen die
deutschen Übersetzungen, die es gleichwohl gibt,
nur einen begrenzten Eindruck seiner Eigenartig-
keit vermitteln können.
Locus solus erschien 1914. Der einzige / einsame
Ort ist hier der Name eines verwunschenen Parks,
dessen Besitzer – Gelehrter, Zauberer und Herr-
scher einer Welt des Wunderbaren – eine Gruppe
Parallele Wirklichkeiten – von Besuchern durch seinen Garten führt. In
Olga Neuwirth sieben Stationen, den sieben Weltwundern
nachgebildet, werden vielfach verschachtelte
Geschichten von Wiederauferstehungen, afrikani-
Ein Kunstwerk steht nicht nur in Beziehung zur schen Fetischen und absurden Apparaturen
Wirklichkeit, sondern auch zu anderen Werken erzählt. Auch Musik spielt eine Rolle, es gibt
der Kunst. Die beiden neueren Stücke des heutigen Erzählungen von der heilenden Kraft des Gesangs
Programms verweisen schon in ihren Titeln auf und von klingenden Tarotkarten, in deren Innerem
Referenzen zu Werken der Literatur und der eingeschlossene Insekten durch ihre Bewegungen
Malerei, die auf sehr unterschiedliche Weise für mikroskopisch kleine Instrumente in Schwingun-
die Entstehung der Kompositionen wichtig waren. gen versetzen. Olga Neuwirth hat über das hermeti-
Durch den Titel locus … doublure … solus sche Universum von Locus solus gesagt: „Mich
verknüpft Olga Neuwirth ihre Komposition mit fasziniert an dieser Traumvegetation aus unend-
dem Roman Locus solus von Raymond Roussel. lich scheinenden Episoden, in die man hineingezo-
Auch das in der Mitte eingeschobene Wort besitzt gen wird, das Versucht-Enzyklopädische und die
eine Beziehung zu Roussel, dessen erstes Buch Suche nach dem verlorenen Augenblick, den man
die Verserzählung La doublure war. Im Theater unbedingt zurückholen möchte; auch Roussels
bezeichnet dieser Ausdruck die Zweitbesetzung, Wunsch, sich durch Sprachvariationen eine nicht
im Film ein Double, bei Kleidungsstücken meint real existierende Wirklichkeit zu schaffen, um sich
er das Innenfutter. Olga Neuwirth scheint in ihrer selbst und seine Umgebung neu zu definieren.“
Namensgebung mit all diesen Bedeutungen zu Die Komposition erzählt nicht den Inhalt des
spielen. Ihr Stück ist wie ein klingendes Double des Romans nach, aber sie lässt sich auf dessen
Romans, dem Soloklavier wird als Schatten ein schöpferische Verfahren beziehen und dessen
Sampler mit Klavier- und Celesta-Sounds zur Seite Ästhetik einer neu definierten Wirklichkeit.
gestellt, und der Klangkosmos ruft durch Ver Neuwirth übernimmt aus dem Roman die Folge
fremdungen die Aura des bisher Geheimen, Ver- von sieben Episoden. Deren Anordnung hat sie
borgenen hervor. Schon dadurch besitzt Neuwirths jedoch nur für die Rahmenteile festgelegt. Diese
Musik eine Nähe zu Raymond Roussel, über sind motivisch verbunden durch eine kurze,
dessen phantastisch-präzise Parallelwelten gravitätisch schreitende Fanfare, die mit ihrer
Marcel Duchamp sagte: „Der Grund, warum ich schwankenden Dynamik und der schrägen
ihn bewunderte, war, dass er etwas produzierte, Intonation etwas Surreales besitzt. Die feste
was ich nie gesehen hatte.“ Tonhöhenorientierung wird irritiert durch die
Roussel lebte von 1877 bis 1933. Bewundert Umstimmung der Bratsche und des Samplers:
wurde er auch von den Surrealisten, obwohl er Während das Streichinstrument um 60 Cent (einen
seinem Selbstverständnis nach eher in der guten Viertelton) höher zu stimmen ist, spielt
Tradition von Jules Verne für ein bürgerliches der Sampler, der zwischen Klavier- und Celesta
Publikum seine literarischen Expeditionen in klängen wechselt, um 60 Cent tiefer.
13ESSAY
Spiegelungen –
Edgard Varèse
Die fünf Binnensätze unterscheiden sich An einen einsamen Ort führen auch Edgard
deutlich in der Atmosphäre. So steht einem trance- Varèses Déserts. Landschaftliche oder geographi-
artigen Stück, dessen um sich selbst kreisende sche Begriffe tauchen mehrfach unter den Titeln
Klänge an eine Glasharmonika erinnern, ein seiner Kompositionen auf, immer in biografischem
dunkler schwerer Marsch gegenüber, mit Cluster- Bezug. Bourgogne hieß das verschollene Früh-
Schlägen des Solo-Klaviers und alarmistischen werk des in Burgund geborenen Komponisten, das
Fanfaren der Blechbläser. In dem Satz, der nach durch Vermittlung von Richard Strauss 1910 in
Neuwirths Vorschlag an sechster Stelle steht, Berlin aufgeführt worden war. Nach der Über
erscheint nach einem Klangfeld repetierter siedlung nach New York entstand 1918 – 1922
pianissimo-Figuren dann auch eine regelrechte Amériques, das mit seiner alles Bisherige über
kleine Kadenz des Klaviers, das hier theatralisch bietenden Orchesterbesetzung die Ankunft in der
das Wort ergreift. In eigentümlich traumhafter Neuen Welt feierte. Seine in den zwanziger und
Verzerrung verarbeitet die Komposition so typische frühen dreißiger Jahren in New York in schneller
Formeln des Solokonzerts, auch am Anfang, wo Folge entstandenen Stücke wurden zunächst vor
die ersten Anläufe des Solo-Instruments jeweils allem als exzentrisch aufgenommen, heute bilden
von blockhaften Floskeln der Bläser unterbrochen sie den Inbegriff urbaner Musik. Es dominieren
werden, die wie Beifall oder anfeuernde Bläser und Schlagzeug, die Streicher treten zurück.
Zwischenrufe klingen. Man kann dabei an Mozart- Varèses Musik ist undogmatisch, offen, sinnlich,
Konzerte denken, an dialogisierende Gesangs- ziemlich schrill und voller akustischer Schocks,
stile in der Nachfolge des Gospel, oder auch an dabei aber auf überlegene Weise konstruiert.
die staunenden Besucher in Roussels „Einsamem Der Blick, den Varèse dann zu Beginn der
Ort“ – ihre präzise unwirklich-wirkliche Gestalt fünfziger Jahre mit Déserts auf sein Land wirft,
erhalten solche Gesten jedoch in Olga Neuwirths erfolgt von der Peripherie her, der Wüstenland-
„doublure“. schaft im Süden der Vereinigten Staaten. Wie bei
14ESSAY
Amériques setzt Varèse auch in Déserts die topo- Magie und Frische. Zudem herrscht trotz des
grafische Bestimmung in den Plural. Das löst die statischen Nebeneinanders ein hoher Grad von
Bindung an einen bestimmten Ort wieder auf und Vermittlung. Für den ersten Tonbandeinschub
es verleiht dem imaginierten Raum gleichzeitig bearbeitete Varèse vor allem von ihm aufgenom-
auch Züge einer abstrakteren, geistigen Land- mene Fabrikgeräusche. Im zweiten Teil dominiert
schaft, für Varèse ein Raum der Selbsterkenntnis: der Klang verfremdeter Schlaginstrumente, der
„Für mich ist Wüsten ein stark evokatives Wort. dritte bringt eine Mischung von beidem. Dazu
Es beschwört Raum, Einsamkeit, Loslösung. Mir kommen auch im Studio erzeugte Klänge, die
bedeuten die Wüsten nicht nur Wüsten von Sand, durch Glissandi einen weiten Raum erschließen
Seen, Bergen und Schnee, von äußerem Raum, und man hört auch ein fernes Echo jener Sirenen,
von öden Straßen der Städte, nicht nur jene des die der Komponist in Amériques zum ersten Mal
Natürlichen entblößten Ansichten, die den verwendet hatte und die bald darauf zu einem
Eindruck von Kahlheit und Ferne hervorrufen, Markenzeichen seiner Musik wurden. Das alles
sondern auch den weiten inneren Raum des führt zu einer Totalität klanglicher Repräsentation
Bewusstseins, in den kein Teleskop hineinreicht, von innerer und äußerer Welt, ein Ziel, das Varèse
eine Welt des Geheimnisses und der wesenhaften während der Vorarbeiten zu Déserts so beschrieb:
Einsamkeit.“ „Ich möchte alles aufnehmen, das menschlich ist,
Déserts ist Varèses letztes vollendetes Orches- vom Ursprünglichen bis zu den fernsten Bereichen
terwerk. Es entstand zwischen 1950 und 1952, der Wissenschaft.“
danach arbeitete der Komponist noch bis 1954 an
der Tonbandmusik, die in drei Abschnitten in das
Stück eingeblendet wird. Seit 1934 hatte Varèse Ein Bild in Musik malen –
kein Werk mehr fertiggestellt, obwohl er sich mit Louis Andriessen
mehreren großangelegten Projekten beschäftigte,
an denen auch namhafte Schriftsteller wie Antonin In einer strengeren Weise als bei Olga
Artaud, Julio Cortázar oder André Malraux beteiligt Neuwirth bezieht sich auch Louis Andriessens
waren. In gewissem Sinne kann man Déserts als De Stijl auf eine künstlerische Vorlage in einem
ein Konzentrat dieser unvollendeten Arbeiten anderen Medium. Der Titel erinnert an die nieder-
sehen, die sich weltumspannend mit Ursprungs- ländische Künstlergruppe gleichen Namens, die
wie Zukunftsmythen beschäftigten und von der sich 1918 mit einem Manifest formierte. Ihr
Auseinandersetzung mit indianischen Kulturen heute berühmtestes Mitglied war der Maler Piet
ihren Ausgang nahmen. Mondrian. Eines seiner beispielhaften Bilder aus
In diesem Zusammenhang hielt sich Varèse der Phase äußerster Reduktion ist die Komposition
seit 1936 mehrmals in Santa Fe auf, der im 17. Jahr- mit Rot, Gelb und Blau von 1927, die Andriessen als
hundert gegründeten Wüstenstadt im Süden der konkrete Vorlage für die zeitliche und klangliche
USA (New Mexico). Disposition seines Stückes benutzte. Aus den
Die Déserts könnten nach dem Willen des Außenmaßen in Millimeter gewann er die Gesamt-
Komponisten auch als reines Orchesterstück Zahl der Viertelnoten (2400). Die Zahl der Farben
gespielt werden. Damit ginge ihnen jedoch eine (die drei Grundfarben und zwei unterschiedliche
wesentliche Dimension verloren, nämlich die des Grautöne) bestimmte die Zahl der Klangschichten:
gespiegelten Raumes. Wie eine Antiphonie, ein 1. Saxophone, 2. Posaunen und elektrische
Wechselgesang, antworten die drei Einschübe Gitarren, 3. vier Sängerinnen, Trompeten und
vom Tonband auf die Klänge, die auf der Bühne Flöten, 4. Bass-Gitarren und zwei Klaviere, 5. ein
von dem Orchester produziert werden. Varèse war hinter dem Publikum platziertes Klavier. Das
mit seinem Stück 1954 der erste, der das Gegen Schlagzeug wird in freier Zuordnung eingesetzt.
einander von instrumentalen Klängen und solchen Aus den Flächenmaßen der einzelnen Felder
vom Tonband künstlerisch fruchtbar machte. leitete Andriessen dann den Zeit-Umfang der
Gerade dadurch, dass zwischen beiden Ebenen einzelnen Abschnitte ab, wobei aber die Klang-
keine eigentliche Interaktion stattfindet und dass schichten selbständig gemischt werden, so dass
manches, was ihm damals faszinierend erschien, nicht etwa ein Feld / ein Abschnitt nur von einer
heute leicht naiv anmutet, entsteht eine besondere Klanggruppe realisiert wird. Andriessen „liest“
15ESSAY
dabei das Bild im Uhrzeigersinn, und er sagte Satz, mit vibratoloser, mikrofonverstärkter Stimme
selbst, er habe seinen „eigenen Mondrian in Musik die theoretische Begründung der Perfektion
gemalt“. rechtwinklig sich kreuzender Linien vor, die der
In einer beabsichtigten Paradoxie erscheint mit Mondrian befreundete Philosoph M. H. J.
jedoch die sinnlich wahrnehmbare Seite seiner Schoenmakers 1916 verfasste. Und eine Sprecherin
Musik fern von der Askese und Strenge, die erzählt wie plaudernd, aber in exakt notierter
Mondrians Bild bestimmt. Ihr dominierendes Rhythmik, von ihren Erinnerungen an Mondrian,
Element ist eine rhythmisch hart geschnittene, tanzend in seinem Pariser Atelier, als sie ihn zum
rastlos treibende 14-taktige Basslinie. Andriessen letzten Mal sah. Die Komposition wird so zur
sieht in ihr das Äquivalent der breiten schwarzen Schnittstelle von Biografie, ästhetischem Essay,
Linien, die Mondrians Bild gliedern und gleich multimedialem Hintergrund sowie musikalischer
zeitig ins Unendliche öffnen. Dieser Bass wird Konstruktion und Expression. Die unterschied
gleich zu Beginn von Klavier und E-Bass vorge- lichen Ebenen erhellen sich gegenseitig und jede
stellt und bildet mit seinen 57 Wiederholungen das einzelne gewinnt im Licht der anderen neuen Sinn.
Fundament einer Art Passacaglia, er wird aber
auch selbst variiert und nach allen Regeln des Martin Wilkening
Kontrapunkts durchgeführt. Der mitschwingende
Tanzmusik-Charakter bricht später durch in einer
eingeschobenen Boogie-Woogie-Episode des
rückwärtig aufgestellten Zimmerklaviers.
Andriessen wurde oft sein unkritisches Ver-
hältnis zu dem verwendeten Material, vor allem
der Boogie-Woogie-Musik, in De Stijl vorgeworfen.
Dabei kann man sein Verfahren gerade durch
den Bezug auf Mondrian dialektisch verstehen.
Denn so wie dieser nach eigenen Worten die „reine
Realität“ hinter den „eitlen Formen“ abbilden
wollte, so erkannte er auch den kompensato
rischen Charakter von Kunst, der gleichzeitig
wie ein Appell wirken kann. 1931 schrieb er: „Kunst
ist so lange Ersatz, als es dem Leben an Schönheit
mangelt, sie wird in dem Maße verschwinden, in
dem das Leben Gleichgewicht gewinnt.“
Andriessen fordert die „Schönheit des Lebens“ mit
Nachdruck ein. Und Mondrian selbst hat nach
seiner 1940 erfolgten Emigration in die USA zwei
Bilder gemalt, die er Boogie-Woogie nannte. Auch
sie benutzen die gitterartige Grundstruktur sich
rechtwinklig kreuzender Linien, diese werden aber
beweglich und kleinteilig aufgelockert durch eine
mosaikartige Rhythmisierung und Farbigkeit der
Streifen. Assoziativ, vom Hören her, scheint
Andriessens Musik ihnen näher zu stehen, als der
asketischen Strenge des früheren Bildes, das die
Daten zur Konstruktion lieferte.
Andriessens Stück bildet konzeptuell den
dritten Teil seines Musiktheater-Werkes De
Materie. Die beiden Texte, die er in De Stijl verwen-
det, stehen in einem spannungsvollen Gegensatz Martin Wilkening, Berlin, geboren 1959 in Hannover,
studierte Musik und Literaturwissenschaft in Berlin.
zu dem harten, agitatorischen Tonfall der Musik. Er schreibt als freier Autor Musikkritiken und Konzert
Vier Sängerinnen tragen im strikt homophonen einführungen und arbeitet für das Goethe-Institut.
16ESSAY
17BIOGRAFIEN – KOMPONIST*INNEN
Neuwirth lässt sich oft von anglo-amerikani-
schen Kulturen inspirieren, so zum Beispiel in
ihrem 2003 uraufgeführten Musiktheater Lost
Highway nach David Lynchs gleichnamigem Film.
Dieser Neuproduktion der English National Opera
im Young Vic wurde 2009 der South Bank Show
Award verliehen. Seit ihrer Teenagerzeit inter
essiert sich Olga Neuwirth für Wissenschaft,
Olga Architektur, Literatur, Film und Bildende Kunst.
Daher lässt sie in vielen ihrer Stücke seit den
Neuwirth frühen 1990er Jahren Ensemble, Elektronik und
O
Videoeinspielungen zu einem genreübergreifen-
lga Neuwirth wurde 1968 in Graz den visuellen und akustischen Sinnerlebnis
(Österreich) geboren. Ab dem siebten verschmelzen. Dafür gilt sie in der sogenannten
Lebensjahr hatte sie Trompetenunterricht. Neuen-Musik-Szene als Pionierin. Aus diesem
1986 studierte sie am San Francisco Conservatory vielfältigen Interesse heraus entstanden auch
of Music und am San Francisco Art College verschiedene Klanginstallationen, Ausstellungen,
Malerei und Film. In Wien führte sie ihre Studien Theater- und Filmmusiken, die mit der Einladung
an der Hochschule für Musik und darstellende zur documenta 12 in Kassel ihren Höhepunkt
Kunst sowie am Elektroakustischen Institut weiter. fanden. Sie hat auch immer wieder mit der
Wesentliche Anregungen erhielt sie durch die Experimental-Jazz- sowie der Improvisation-Szene
Begegnungen mit Adriana Hölszky, Tristan Murail kollaboriert, so unter anderem mit Robyn
und Luigi Nono. 1991 wurde Olga Neuwirth mit Schulkowsky, David Moss und Burkhard Stangl.
ihren beiden Mini-Opern nach Texten von Elfriede 2006 und 2009 entstanden zwei Solokonzerte:
Jelinek mit nur 22 Jahren das erste Mal inter ein Trompetenkonzert für Håkan Hardenberger
national bekannt. und ein Violakonzert für Antoine Tamestit.
1998 wurde sie im Rahmen der Reihe Next Olga Neuwirth erhielt verschiedene nationale
Generation bei den Salzburger Festspielen in zwei und internationale Preise, unter anderem im Jahr
Porträtkonzerten vorgestellt. Im darauffolgenden 2010 den Großen Österreichischen Staatspreis.
Jahr kam ihr erstes abendfüllendes Musik Olga Neuwirth lebte in San Francisco, New York,
theater Bählamms Fest – mit einem Libretto der Prag, Paris, Venedig, Triest, Wien und Berlin.
Nobelpreisträgerin Elfriede Jelinek nach Leonora Sie ist seit 2006 Mitglied der Berliner Akade-
Carrington, in einem Bühnenbild der Brothers mie der Künste und seit 2013 Mitglied der
Quay – bei den Wiener Festwochen zur Urauf Bayerischen Akademie der Schönen Künste in
führung. München. Einige ihrer Werke sind bei den Labels
Ihr für Pierre Boulez und das London Sym Kairos und col legno erhältlich.
phony Orchestra geschriebenes Werk Clinamen / 2012 gab es die Premieren von gleich zwei
Nodus war nach der Londoner Uraufführung im neuen Musiktheaterwerken: The Outcast nach
Jahr 2000 in einer weltweiten Tournee zu hören. Leben und Werk von Herman Melville und Ameri-
2002 war sie composer-in-residence bei den can Lulu, eine Neuinterpretation von Alban Bergs
Luzerner Festwochen, wo sie auch das Remixen Lulu. Letztere war 2013 in einer Neuproduktion
ihrer Musik durch DJ Spooky auf das Programm in Bregenz, Edinburgh und London zu hören.
setzte. Masaot / Clocks without Hands, geschrieben für die
Wiener Philharmoniker, wurde im Mai 2015 in
Köln unter Daniel Harding uraufgeführt. Nach
Aufführungen in Wien und Luxemburg dirigierte
es Valery Gergiev in der Carnegie Hall.
18BIOGRAFIEN – KOMPONIST*INNEN
Le Encantadas o le avventure nel mare delle
meraviglie für sechs Ensemblegruppen und (Live-)
Elektronik ist ein gemeinsamer Auftrag von
Ensemble intercontemporain, Cité de la musique,
Festival d‘Automne à Paris, Donaueschinger
Musiktage, IRCAM, Lucerne Festival und dem
Wiener Konzerthaus und fand auch beim Holland
Festival große Beachtung. 2017 wurde das Werk
bei den Festivals Musica in Straßburg und bei
Wien Modern aufgeführt. Das Schlagzeug
konzert Trurliade – Zone Zero ist ein Auftrag der
Roche Commissions und wurde beim Lucerne
Festival unter der Leitung von Susanna Mälkki
mit Victor Hanna uraufgeführt, wo Olga Neuwirth
2016 als composer-in-residence im Zentrum stand.
Weitere Aufführungen erfolgten beim Musikfest
Berlin und bei Wien Modern. Im Februar 2018
wurde das neue Flötenkonzert Aello – ballet
mécanomorphe vom Swedish Chamber Orchestra
und Claire Chase (Flöte) uraufgeführt.
Am 4. August 2018 feierte Olga Neuwirth ihren
50. Geburtstag. Die internationale Musikwelt
würdigte die Komponistin zu diesem Anlass mit
zahlreichen Konzerthighlights. Dazu zählen die
Uraufführung der revidierten Fassung des Music-
stallation-Theaters mit Video The Outcast sowie
die Uraufführung von Neuwirths Live-Vertonung
Edgard
des frisch restaurierten Stummfilms Die Stadt Varèse
I
ohne Juden bei Wien Modern, die Deutschland
premieren beider Werke in der Elbphilharmonie n seiner radikalen Suche nach neuen Klängen
in Hamburg und die UK-Erstaufführung von ist Edgard Varèse eine der Leitfiguren der neuen
Aello – ballet mécanomorphe bei den BBC Proms, Musik. Sein überliefertes Schaffen ist schmal,
gefolgt von fünf weiteren Interpretationen des vieles ging verloren oder blieb unvollendet. In den
Werks in fünf verschiedenen Ländern. In Arbeit abgeschlossenen Werken geht es um die Ent
ist ihre neue Oper Orlando, die Ende 2019 an der faltung von Klang – also nicht um Melodien,
Wiener Staatsoper Premiere feiert. Themen oder Formen. Stattdessen arbeitet Varèse
mit weit gespannten, scharf dissonanten Klang-
komplexen von einer eigentümlichen Statik, die
gleichsam wie eine sich drehende Skulptur aus
verschiedenen Blickwinkeln heraus betrachtet
werden. Fast alle Stücke gehen von einem sehr
einprägsamen, oft signalartigen Anfangsmotiv aus,
das mehrfach wiederkehrt. Seine Musik ist von
rhythmischer Komplexität gekennzeichnet und
von der großen Bedeutung, die dem Schlagzeug
zukommt. Varèse war denn auch einer der ersten
Komponisten, die ein reines Schlagzeugstück
19BIOGRAFIEN – KOMPONIST*INNEN
geschaffen haben. Nicht zuletzt war Edgard Varèse
auch ein Pionier der elektronischen Musik.
Varèses Leben war unstet. Häufig zog er um,
lebte abwechselnd in Europa und in den Vereinig-
ten Staaten und war viel auf Reisen. Geboren
wurde Edgard Varèse am 21. Dezember 1883 in
Paris. Als er neun Jahre alt war, zog die Familie
nach Turin, wo Varèse um 1900 Unterricht in
Musiktheorie erhielt. Gegen den Willen des Vaters,
der für ihn ein naturwissenschaftliches Studium
und eine Laufbahn im Wirtschaftsleben vorge
sehen hatte, kehrte er im Sommer 1904 selbst
ständig nach Paris zurück. Er nahm Studien an der
Schola Cantorum und am Conservatoire auf,
beendete diese jedoch nicht, und zog im November
1907 nach Berlin. Hier kam es zu einem regen Premiere gehabt. Ionisation wurde zum größten
Gedankenaustausch mit Ferruccio Busoni, dessen Erfolg Varèses, vielfach aufgeführt und bereits 1934
Schriften Varèse beeindruckt hatten, und, vermit- unter Beteiligung des Komponisten auf Schallplatte
telt durch Richard Strauss, auch zur Uraufführung eingespielt.
einer symphonischen Dichtung Varèses, die er Mitte der dreißiger Jahre trat ein entscheidender
später aber vernichtete. Seine anderen Frühwerke Bruch in Varèses Leben ein. Mangels Förderung
wurden 1919 bei einem Lagerhausbrand zerstört. musste er jahrelang verfolgte Experimente mit den
Nach einem erfolglosen Versuch, sich in Paris als Möglichkeiten elektronischer Musik abbrechen.
Dirigent zu etablieren, schiffte sich Varèse Ende Frustriert zerstörte er weite Teile eines begonnenen
1915 nach New York ein. Hier machte er sich als Stückes. Lange Zeit konnte Varèse daraufhin keine
Dirigent und Organisator des Musiklebens einen Komposition mehr beenden. Nach dem Ende des
Namen und hier fand er auch zu eigenem Schaffen. Zweiten Weltkriegs nahm das Interesse an seinen
1918 entstand sein Orchesterwerk Amériques, Werken allmählich zu und Varèse widmete sich
das zunächst unaufgeführt blieb. Zwischen 1922 wieder einem neuen Stück, Déserts, in dem auf
und 1925 brachte er dann aber etwa im Jahres- Tonband aufgenommene Klänge mit für Ensemble
rhythmus vier neue Werke für verschieden geschriebenen Teilen verbunden sind. Das letzte
besetzte Kammerensembles zur Uraufführung. große Projekt Varèses war die elektronische Kompo-
1926 und 1927 hob Leopold Stokowski in Philadel- sition Poème eléctronique für den spektakulären
phia die beiden großen Orchesterwerke Amériques Philips Pavillon auf der Weltausstellung in Brüssel
und Arcana aus der Taufe. Beflügelt von diesen 1958. Der Komponist starb am 6. November 1962
Erfolgen begab sich Varèse 1928 nach Paris, um in New York.
sich und sein Schaffen auch in Europa durch
setzen. Letztlich zerschlugen sich aber alle seine
Vorhaben und Pläne, sodass er im Sommer 1933
nach New York zurückkehrte. Hier hatte kurz zuvor
schon Ionisation für die ganz neuartige Besetzung
mit einem reinen Schlagzeugensemble seine
20BIOGRAFIEN – KOMPONIST*INNEN
Nach kompositorischen Anfängen im Zeichen des
politischen Protests und der Polemik gegen die
Routine des Konzertbetriebs gelang ihm 1976
mit De Staat für Frauenstimmen und ein großes
Bläserensemble der internationale Durchbruch als
eine der gewichtigen Stimmen der zeitgenössi-
schen Musik. In dem mehrfach ausgezeichneten
und in aller Welt nachgespielten Werk setzt sich
Andriessen musikalisch mit einem Grundlagentext
der abendländischen Philosophie und Staatslehre
auseinander, Platons Politeia.
In seinem umfangreichen, vielfältigen Œuvre,
das auch sechs musikdramatische Werke umfasst,
hat sich Louis Andriessen von ganz verschieden-
artigen Quellen von der Antike bis zu den abstrak-
ten Gemälden Piet Mondriaans anregen lassen
und dabei immer wieder philosophisch geprägte
Louis Begriffe thematisiert. So geht es in dem Bühnen-
werk De Materie (1985 – 1988), dessen vier Teile
Andriessen auch separat aufführbar sind, um das Verhältnis
N
zwischen Geist und Materie und in dem Werk
ur all zu leicht ordnet man den nieder zyklus Trilog y of the Last Day um Sterblichkeit und
ländischen Komponisten Louis Andriessen Tod. Louis Andriessen hat in mehreren Projekten
( * 1939) in die Strömung der Minimal mit Künstler*innen und Regisseur*innen wie
Music ein. Von vielen, vor allem amerikanischen Robert Wilson und Hal Hartley zusammen-
Kolleg*innen dieser Stilrichtung unterscheidet er gearbeitet. Besonders produktiv war in den 1990er
sich aber durch eine weniger gefällige, wider Jahren die künstlerische Partnerschaft mit dem
borstigere, dabei unmittelbar zugängliche Ton- Regisseur Peter Greenaway, der unter anderem
sprache. Andriessens Musik zielt nicht auf die das Libretto zu Andriessens Oper Writing to
Üppigkeit des spätromantischen Orchesters, Vermeer (1997 – 1998) verfasste.
sondern ist vielmehr von dem gehärteten Klang
der Musik Strawinskys beeinflusst und hat zudem
auch deutliche Impulse vom Jazz erhalten. Der
Komponist hat eine Reihe großer Orchesterwerke
geschaffen, in denen er zum Beispiel auch E-Gitar-
ren und Drum Sets einsetzt, wie zuletzt in dem im
Oktober 2018 als Auftragswerk des New York
Philharmonic uraufgeführten Stück Agamemnon.
Er bevorzugt aber kleinere Kammermusikbeset-
zungen, wobei insgesamt Werke für Singstimme
einen breiten Raum einnehmen.
Louis Andriessen wurde 1939 in eine musika
lische Familie hineingeboren. Sowohl sein Vater
Hendrik ( 1892 – 1981 ) als auch sein jüngerer Bruder
Juriaan ( 1925 – 1996 ) sind profilierte Komponisten.
Andriessen studierte unter anderem bei seinem
Vater, dann bei Kees van Baaren am Konser
vatorium von Den Haag und bei Luciano Berio.
21BIOGRAFIEN – INTERPRET*INNEN
Hermann
Kretzschmar
H
ermann Kretzschmar studierte zunächst
Schulmusik und Germanistik sowie im
Anschluss Klavier bei Bernhard Ebert in
Hannover. 1985 wurde er Mitglied des Ensemble
Modern, arbeitet dort als Solist und Kammer
Catherine
musiker. 1994 gründete er gemeinsam mit Milliken
C
Catherine Milliken und Dietmar Wiesner HCD
Productions. HCD veröffentlichte die CDs Migra atherine Milliken wurde in Brisbane
tions (Werke von Paul Bowles), Surface Tension (Australien) geboren und studierte Oboe
(Werke von Howard Skempton) und die Hör und Klavier zunächst in ihrem Heimatland
stücke Denotation Babel (Prix Italia 1999), Cosmic Australien, anschließend in Europa bei Heinz
Memos nach Italo Calvino und Die Blüte des Holliger und Maurice Bourgue. Sie war Gründungs-
nackten Körpers (Raoul Schrott, 2011). Seit 2001 mitglied des Frankfurter Ensemble Modern und
realisierte Kretzschmar unter anderem folgende bis 2007 dort ständiges Mitglied. Ihre Arbeit war
Hörstücke: Zur Zeit-revisited (2001/2003), John und ist geprägt durch die enge Zusammenarbeit
Cages Stufen (2002), Strahlungen (2004; Hörspiel mit Künstler*innen wie György Ligeti, Karlheinz
des Monats Mai), Harmonies of Paradise (2006), Stockhausen, Pierre Boulez, Fred Frith und Frank
Doktor Faustus (2007), Arnold auf dem schönen Zappa. Außerdem gründete sie zusammen mit
Berg (2009), Der Tod in Rom (2009), Het Witte Dietmar Wiesner und Hermann Kretzschmar die
Kind (2010), Kuno Kohns Capriccio (2011), Sound- Komponistengruppe HCD Productions.
cuts Wasserkuppe (2011) und Superpslam (2016). Seit 1990 komponiert sie auch eigene Musik-
2016 erschien bei Hörbuch Hamburg der Roman theater-, Instrumental- und Kammermusikwerke,
Manhattan Transfer nach John Dos Passos, den Hörspiele, Installationen, Theater- und Film-
Kretzschmar zusammen mit Leonhard Koppel- musik. Auftragswerke sind unter anderem für das
mann bearbeitete, 2017 im belleville Verlag seine Londoner Southbank Centre, die Staatsoper
beiden frühen Hörstücke Zur Zeit-revisited Berlin, die Neuen Vocalsolisten, das Ensemble
und John Cages Stufen (mit den Stimmen von Resonanz und die musica viva – Konzertreihe des
Walter Zimmermann, Frederic Rzewski, Hans Bayerischen Rundfunks entstanden. Dort wurde
Zender und Dieter Schnebel). Auf seiner Porträt- ihr Orchesterwerk Earth Plays vom Symphonie
CD bei Ensemble Modern Medien veröffentlichte orchester des Bayerischen Rundfunks 2015
er Knotts Klavier (Werke 1991 – 2007). uraufgeführt. Ihre Arbeiten wurden mehrfach
durch Preise ausgezeichnet. So erhielt sie unter
anderem den Prix Marulić für ihr Radiostück New
Looks, den Prix Italia für das Hörspiel Bunyah
zusammen mit Dietmar Wiesner und den Austra-
lian Art Music Award 2016 für das Orchester-
stück Earth Plays. 2017 war sie Finalistin beim
Mario Merz Prize und dem Paul Lowin Preis für
ein Orchesterwerk.
22BIOGRAFIEN – INTERPRET*INNEN
sowie mit der WDR Big Band als Tonmeister.
Als Sounddesigner und Klangregisseur hat sich
Norbert Ommer bei Uraufführungen von Frank
Zappa (The Yellow Shark, Greggery Peccary &
Other Persuasions), Heiner Goebbels (Surrogate
Cities, Schwarz auf Weiss, Industry and Idleness,
Eislermaterial, Walden und Landschaft mit ent-
fernten Verwandten), Steve Reich (Proverb, City
Life, Three Tales und You are), Michael Brecker
(Some Skunk Funk), Patti Austin (Avant Gershwin),
Joe Zawinul (Brown Street), Michael Gordon
(Decasia, Shelter) und Ryuichi Sakamoto zusam-
Von 2005 – 2012 war sie Leiterin des Education- men mit Carsten Nicolai (utp_) auch international
Programms der Berliner Philharmoniker. Zuletzt einen Namen gemacht. Im November 2002 wurde
hat sie partizipative Projekte für das Umculo Cape Norbert Ommer mit dem Goldenen Bobby ausge-
Festival (Südafrika), das Future Labo Tohoku zeichnet, der erstmals vom Verband Deutscher
(Japan), die Berliner Philharmoniker und das Tonmeister für herausragende Sounddesign- und
Festival Klangspuren Schwaz entwickelt und Klangregie-Leistungen verliehen wurde. Im
durchgeführt. Von 2018 – 2020 wird sie Associate Oktober 2004 erhielt er gemeinsam mit dem
Composer beim Adelaide Symphony Orchestra Ensemble Modern den Preis ECHO KLASSIK. 2003
sein. beginnt eine regelmäßige Zusammenarbeit mit den
Cathy Milliken lebt als freischaffende Kom Berliner Philharmonikern unter der Leitung von Sir
ponistin, Oboistin, Creative Director und Beraterin Simon Rattle. Darüber hinaus ist er seit Dezember
für Education-Programme in Berlin. 2003 als Dozent für Klangregie bei der Internatio-
nalen Ensemble Modern Akademie und der
Hochschule für Musik und Darstellende Kunst
Frankfurt am Main tätig und leitet seit 2005
Seminare für Sounddesign bei Tokyo Wonder Site
und den Klangspuren Schwaz.
Norbert Chorwerk
Ommer Ruhr
N C
orbert Ommer studierte Klavier und HORWERK RUHR zählt zu den bedeu
Klarinette in Köln und im Anschluss daran tendsten Kammerchören in Deutschland.
Musik und Nachrichtentechnik an der Das 1999 gegründete Ensemble entwickelte
Robert Schumann Hochschule Düsseldorf, wo er sich zu einer festen Säule der Vokalkunst im
sein Examen als Diplom Bild- und Toningenieur deutschsprachigen Raum. Die außerordentliche
abschloss. Bereits während seines Studiums Qualität des Chores ist es, den speziellen Anforde-
war er als freier Tonmeister für Rundfunk und rungen solistischer Besetzungen ebenso gerecht zu
Fernsehen tätig. Seit 1990 verbindet ihn eine werden wie eine perfekte Verschmelzung des
regelmäßige Zusammenarbeit mit dem Ensemble Ensembles im Chorklang zu erreichen. Im Novem-
Modern – seit 1997 ist er dort Gesellschafter – ber 2011 hat der mehrfach ausgezeichnete Dirigent
23BIOGRAFIEN – INTERPRET*INNEN
Florian Helgath die Künstlerische Leitung über-
nommen. Er sieht den Schwerpunkt seiner Arbeit
darin, neue Chormusik in Bezug auf traditionelle
Musikformen zu beleuchten und somit für die
Zuhörer*innen vor dem Hintergrund der reichen
Musikgeschichte neu wirken zu lassen.
CHORWERK RUHR hat sich als eines der
hochwertigen künstlerischen Markenzeichen der
Metropolregion Ruhr und als einer der Spitzen
chöre Deutschlands etabliert. Seit der Gründung
fanden Konzerte mit Musik aus allen Epochen bis
zur Gegenwart statt – in Zusammenarbeit mit
namhaften Dirigent*innen wie Kent Nagano,
Sylvain Cambreling, Rupert Huber, Emilio
Pomàrico, Peter Rundel und Hans Zender. In
Konzerten mit Orchestern wie den Berliner
Philharmonikern, Concerto Köln, Ensemble
Resonanz, l’arte del mondo, Ensemble Modern,
den Bochumer Symphonikern und dem Sym-
phonieorchester des Bayerischen Rundfunks
begeistert CHORWERK RUHR immer wieder sein
Publikum und erntet herausragende Kritiken.
Klaas
Häufige Aufnahmen durch WDR und DLF und die Stok
K
Teilnahme an nationalen sowie internationalen
Musikfestivals spiegeln die Beliebtheit des laas Stok übernahm mit der Saison 2018/19
Ensembles wider. Alljährlich kooperiert CHOR- als Chefdirigent die Künstlerische Leitung
WERK RUHR in besonderer Form mit der Ruhr des NDR Chores. Stilistische Vielfalt und
triennale. ein Repertoire von der Renaissance bis zur zeit-
CHORWERK RUHR ist ein Bestandteil der genössischen Musik zeichnen dabei Stoks Arbeit
Kultur Ruhr GmbH, gefördert durch das Ministe- aus. Der niederländische Dirigent und Organist
rium für Kultur und Wissenschaft des Landes arbeitet mit zahlreichen hochkarätigen Chören
Nordrhein-Westfalen. und Ensembles zusammen. Seit 2015 trägt er die
musikalische Verantwortung für den Nieder
ländischen Rundfunkchor Groot Omroepkoor.
Außerdem verbindet Stok eine intensive langjähri-
ge Zusammenarbeit mit dem Niederländischen
Kammerchor. Mit beiden Ensembles verwirklichte
er maßstabsetzende Konzertprogramme und
Einspielungen.
24BIOGRAFIEN – INTERPRET*INNEN
Ensemble
Modern
S
Klaas Stok widmete sich besonders der Pflege der eit seiner Gründung 1980 zählt das
Musik von Johann Sebastian Bach. So leitete er an der Ensemble Modern (EM) zu den führenden
Nederlandse Reisopera eine Bühnenproduktion der Ensembles für Neue Musik. Zurzeit vereint
Johannes-Passion. Und seine Aufführungen der es 18 Solist*innen aus neun Nationen, deren
Matthäus-Passion in der Bergkerk von Deventer fanden Herkunft den kulturellen Hintergrund dieser
auch durch die besondere, kreuzförmige Aufstellung Formation bildet. Das in Frankfurt am Main
von Chören und Orchestern große Beachtung. beheimatete Ensemble Modern ist bekannt für
Neben seiner Tätigkeit als Chorleiter bei seinen seine einzigartige Arbeits- und Organisations
eigenen Chören dirigierte Klaas Stok Ensembles wie zum weise: Es gibt keinen Künstlerischen Leiter;
Beispiel das Collegium Vocale Gent, Musicatreize, Projekte, Koproduktionen und finanzielle Belange
Cappella Amsterdam und den National Chamber Choir werden gemeinsam entschieden und getragen.
of Ireland. Erfolgreiche Gastdirigate führten ihn darüber Seine unverwechselbare programmatische
hinaus in jüngster Zeit zu den Chören von SWR, BR und Bandbreite umfasst Musiktheater, Tanz- und
NDR sowie zum Vlaams Radiokoor. Videoprojekte, Kammermusik, Ensemble- und
Klaas Stok wurde in Deventer geboren. Er studierte Orchesterkonzerte. Tourneen und Gastspiele
an den Konservatorien in Arnhem, Den Haag und führen das Ensemble Modern regelmäßig in etwa
Rotterdam Dirigieren, Orgel, Cembalo und Improvisation. 100 Konzerten pro Jahr zu den renommiertesten
Als Organist gewann er mehrere Preise für Improvisation Festivals – unter anderem Salzburger Festspiele,
und Interpretation bei nationalen und internationalen Bregenzer Festspiele, Wien Modern, Festival
Wettbewerben. Er ist Organist an der berühmte Stadtorgel d‘Automne à Paris, Holland Festival, Klangspuren
zu Zutphen. Schwaz, Berliner Festspiele, Ruhrtriennale,
musica viva – Konzertreihe des Bayerischen
Rundfunks – sowie herausragenden Spielstätten
weltweit wie unter anderem Wigmore Hall, Cité
de la Musique, Tokyo Wonder Site, Koninklijk
Concertgebouw in Amsterdam, Elbphilharmonie,
Kölner Philharmonie, Konzerthaus Berlin,
Festspielhaus Baden-Baden, Alte Oper Frankfurt,
Oper Frankfurt und Philharmonie Berlin.
In enger Zusammenarbeit mit Komponist*in-
nen, verbunden mit dem Ziel größtmöglicher
Authentizität, erarbeiten die Musiker*innen jedes
Jahr durchschnittlich 70 Werke neu, darunter
etwa 20 Uraufführungen. So entstanden außer
gewöhnliche und oftmals langjährige Zusammen-
25BIOGRAFIEN – INTERPRET*INNEN
Brad
Lubman
D
arbeiten wie unter anderem mit John Adams, er amerikanische Dirigent und Komponist
George Benjamin, Peter Eötvös, Heiner Goebbels, Brad Lubman hat durch seine Vielseitigkeit,
Hans Werner Henze, Mauricio Kagel, György seine eindrucksvolle Technik und seine
Kurtág, Helmut Lachenmann, György Ligeti, einfühlsamen Interpretationen in den letzten
Benedict Mason, Karlheinz Stockhausen, Steve beiden Jahrzehnten weltweit Anerkennung erlangt.
Reich oder Frank Zappa. Äußerst gefragt bei den großen Orchestern in
Neben seinen vielfachen Konzertaktivitäten Europa und den USA, hat er mit namhaften
präsentiert das Ensemble Modern die Ergebnisse Klangkörpern kontinuierliche Partnerschaften
seiner Arbeit auch in regelmäßigen Radio- und aufgebaut, so mit den Symphonieorchestern des
CD-Produktionen, die vielfach ausgezeichnet Bayerischen Rundfunks und dem Münchner
wurden. Fast 40 der insgesamt etwa 150 CD- Rundfunkorchester, den Orchestern des NDR und
Produktionen erschienen im eigenen Label des WDR sowie dem Deutschen Symphonie-
Ensemble Modern Medien. 2003 wurde das Orchester Berlin. Neben seiner regen Tätigkeit in
Ensemble Modern von der Kulturstiftung des Deutschland ist er mit einem umfangreichen
Bundes zu einem „Leuchtturm“ zeitgenössischer Repertoire, das von der Klassik bis zur neuesten
Kultur in Deutschland erklärt. Mit der im gleichen Orchestermusik reicht, häufiger Gast bei interna-
Jahr gegründeten Internationalen Ensemble tional bedeutenden Orchestern wie dem Royal
Modern Akademie (IEMA) fördert das Ensemble Concertgebouw Orchestra, dem Orchestre Phil-
Modern in unterschiedlichsten Programmen harmonique de Radio France, dem Los Angeles
wie einem Masterstudiengang, Meisterkursen, Philharmonic, dem Orchestra del Maggio Musicale
Kompositionsseminaren sowie Education- Fiorentino, dem Orquestra Simfònica de Barcelona
Projekten junge Nachwuchskünstler*innen. und dem Shanghai Symphony Orchestra. Außer-
dem arbeitete er mit einigen der wichtigsten
Das Ensemble Modern wird gefördert durch die europäischen und amerikanischen Ensembles für
Kulturstiftung des Bundes, die Stadt Frankfurt
sowie über die Deutsche Ensemble Akademie e. V.,
Neue Musik, darunter das Ensemble Modern, die
durch das Hessische Ministerium für Wissenschaft London Sinfonietta, das Klangforum Wien, das
und Kunst und die GVL. Ensemble Musikfabrik, das Ensemble Resonanz,
Die Musikerinnen und Musiker des Ensemble Modern
danken der Aventis Foundation für die die Los Angeles Philharmonic New Music Group
Finanzierung eines Sitzes in ihrem Ensemble. und Steve Reich and Musicians.
hr2-kultur – Kulturpartner des Ensemble Modern
Brad Lubman ist Künstlerischer und Musika
lischer Leiter des von ihm mitgegründeten
Ensemble Signal für zeitgenössische Musik. Mit
dem in New York ansässigen Ensemble entstanden
mehrere Aufnahmen; die jüngste Einspielung für
harmonia mundi mit Steve Reichs Music for 18
26MUSIKER*INNEN DES ENSEMBLE MODERN
Dietmar Wiesner Flöte, Piccolo
Delphine Roche Flöte, Piccolo
Jonathan Weiss Flöte
Christian Hommel Oboe
Jaan Bossier Klarinetten
Udo Grimm Klarinette,
Bassklarinette, Tenorsaxofon
Lutz Koppetsch Altsaxofon
Martijne van Dijk Saxofon
Asagi Ito Klarinette, Tenorsaxofon
Adrian Tully Baritonsaxofon
Lucas Rößner Fagott, Kontraforte
Musicians wurde mit dem Diapason d’Or ausge- Saar Berger Horn
zeichnet und erschien in den Billboard Classical Catherine Eisele Horn
Crossover Charts. Als Professor für Dirigieren ist Sava Stoianov Trompete
Brad Lubman an der Eastman School of Music Valentín Garvie Trompete
der University of Rochester (New York) tätig. Nenad Markovic Trompete
Außerdem unterrichtet er als Dozent beim Bang- Stoian Stoianov Trompete
on-a-Can Sommerinstitut. Aufnahmen von Brad Uwe Dierksen Posaune
Lubman sind erschienen bei den Labels harmonia Carlo Eisenmann Posaune
mundi, Nonesuch, AEON, BMG/RCA, Kairos, Till Künkler Posaune
Mode, NEOS und Cantaloupe. Jeroen Mentens Posaune
Rubén Durá de Lamo Tuba
Jozsef Juhasz Tuba
Ueli Wiget Klavier
Hermann Kretzschmar Klavier
Pavlin Petrov Nechev Klavier
Yumi Olsson Kimachi Klavier
David Haller Schlagzeug
Rumi Ogawa Schlagzeug
Mervyn Groot Schlagzeug
Mathias Lachenmayr Schlagzeug
Špela Mastnak Schlagzeug
Yuka Ohta Schlagzeug
Sven Pollkötter Schlagzeug
Stefan Rapp Schlagzeug
Slavik Stakhov Schlagzeug
Galdric Subirana Schlagzeug
Christopher Brandt E-Bass
Raphael Ophaus E-Gitarre
Josef Mücksch E-Gitarre
Jagdish Mistry Violine
Giorgos Panagiotidis Violine
Megumi Kasakawa Viola
Eva Böcker Violoncello
Paul Cannon Kontrabass
Norbert Ommer Klangregie
2728
29
30
31
32
Das Musikfest Berlin 2019
im Radio und online
Deutschlandfunk Kultur – Die Sendetermine
3.9. Di 20:03 Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam Aufzeichnung vom 2.9.
5.9. Do 20:03 BBC Symphony Orchestra Live-Übertragung
7.9. Sa 19:05 Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin Aufzeichnung vom 1.9.
8.9. So 20:03 Berliner Philharmoniker Live-Übertragung
13.9. Fr 20:03 Münchner Philharmoniker Aufzeichnung vom 10.9.
15.9. So 15:05 „Quartett der Kritiker“ Aufzeichnung vom 31.8.
15.9. So 20:03 Junge Deutsche Philharmonie Aufzeichnung vom 15.9.
17.9. Di 20:03 Israel Philharmonic Orchestra Aufzeichnung vom 16.9.
wird als Studioproduktion
21.9. Sa 22:00 Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin La Roue in Ausschnitten gesendet
24.9. Di 20:03 IPPNW–Benefizkonzert Aufzeichnung vom 22.9.
26.9. Do 20:03 Ensemble Musikfabrik Aufzeichnung vom 8.9.
Deutschlandfunk Kultur ist in Berlin über 89,6 MHz, Kabel 97,50, bundesweit über Satellit,
DAB+ und über Livestream auf deutschlandfunkkultur.de zu empfangen.
rbbKultur – Die Sendetermine
6.9. Fr 20:04 Konzerthausorchester Berlin Live-Übertragung
21.9. Sa 20:04 Berliner Philharmoniker Aufzeichnung vom 12. / 13. / 14.9.
6.10. So 20:04 Les Siècles Aufzeichnung vom 15.9.
rbbKultur ist in Berlin über 92,4 MHz, Kabel 95,35, digital und über Livestream auf
rbbkultur.de zu empfangen.
Digital Concert Hall – Die Sendetermine
8.9. So 20:00 Berliner Philharmoniker Live-Übertragung
14.9. Sa 19:00 Berliner Philharmoniker Live-Übertragung
digitalconcerthall.com
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