Artothek Steiermark 2019 Kunst aus dem Museum für zu Hause
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Neue Galerie Graz Artothek Steiermark 2019 Kunst aus dem Museum für zu Hause 08. 11. – 01. 12. 2019 Neue Galerie Graz, Universalmuseum Joanneum Joanneumsviertel, 8010 Graz T +43–316/8017-9100, Dienstag–Sonntag, 10–17 Uhr joanneumsviertel@museum-joanneum.at, www.neuegaleriegraz.at
Sehr geehrte Damen und Herren! Seit 2016 richtet die Neue Galerie Graz nunmehr jeweils im Herbst eine Artothek ein. Einige Wochen lang präsentiert sie auch in diesem Jahr eine Ausstellung mit einer Auswahl von Kunstwerken aus dem Museumsbestand, die das Publikum anschließend für zehn Monate gegen eine geringe Leihgebühr entlehnen kann. So wird interessierten Menschen die Möglichkeit geboten, sich über einen längeren Zeitraum hinweg mit qualitativ hochstehender Kunst auseinanderzusetzen, die sonst nur im Museum zu erleben ist. Originalwerke temporär im privaten Umfeld zu beherbergen, gibt allen Interessierten die Gelegenheit zu intensiver Begegnung mit der bildenden Kunst. Darüber hinaus ist die Artothek auch ein Beitrag zu einem meiner großen kulturpolitischen Anliegen: die Verbindung zwischen den Steirerinnen und Steirern und den Kulturinstitutionen unseres Landes weiter zu stärken und zu intensivieren. In der Hoffnung, dass Sie dieser tägliche Umgang mit Kunst im eigenen unmittelbaren Umfeld auch neugierig machen wird, weitere Ausstellungen im Museum zu besuchen, lade ich Sie herzlich ein, dieses Angebot anzunehmen und sich Ihr Kunstwerk auf Zeit mit nach Hause zu nehmen. Christopher Drexler Landesrat für Kultur, Gesundheit, Pflege und Personal
Artothek Steiermark – Kunst aus dem Museum für zu Hause Möglichkeit auch weiterentwickelt werden. Dazu braucht es Urteilsvermögen,
Qualitätsbewusstsein und vor allem Offenheit nicht nur in Bezug auf
Nun ist die alljährliche Präsentation von Kunstwerken, die für ein interessiertes künstlerische Formulierungen. Das Museum als Institution, die sich genau
Publikum zur privaten Entlehnung bereitgestellt werden, fast schon zur mit diesen Fragen befasst, kann hier impulsgebend und als Korrektiv wirken.
Tradition geworden. Erneut wurden aus der Sammlung der Neuen Galerie Verunsicherte Kunstkonsumentinnen und -konsumenten, Kunstbetrachter/
Graz am Universalmuseum Joanneum Gemälde und Skulpturen ausgewählt, innen und Kunstliebhaber/innen werden solcherart unterstützt. Mit der Artothek
mit denen man sich im Rahmen der Artothek Steiermark zehn Monate lang Steiermark soll auch die Problematik vermindert werden, dass Kunst stets mit
zu Hause intensiv beschäftigen kann. Die Zusammenstellung der Werke folgt einer monetären Besserstellung zu tun haben muss. Die Kunst wie das Museum
dabei einerseits der Struktur der Museumssammlung, andererseits will man werden hier zu etwas sehr Niederschwelligem. Trotzdem bleibt die Möglichkeit
den Interessierten eine möglichst große Bandbreite an internationalen und der geistigen Auseinandersetzung gleichermaßen bestehen, so wie die Dimension
heimischen, an älteren und jüngeren, an prominenten und (noch) unbekannteren des visuellen Genießens eine neue Qualität erfährt.
Künstlerinnen und Künstlern bieten. In Zeiten der allgemeinen visuellen Flut ist eine derartige Aktivität des Museums
Auch die künstlerischen Richtungen sind historisch wie inhaltlich breit gestreut: durchaus als Taktik der Verlangsamung, der Entschleunigung zu begreifen. Nicht
Die expressive, gegenständliche Gestaltung ist etwa durch die Gemälde von Beginn- oder Öffnungszeiten bzw. aufzusuchende Orte sind bestimmend für den
Richard Larsen oder Werner Augustiner vertreten, während die Bilder von Walter Kunstgenuss, sondern der eigene Wohnbereich wird gleichsam zum Museum und
Eckert, Friedrich Ehrbar, Bernhard Eisendle und Gerhard Lojen unterschiedliche bietet auch im gesellschaftlichen Zusammenhang eine reizvolle Perspektive.
Aspekte der Abstraktion bringen. Beide Strömungen wiederum stehen in starkem Der soziale Austausch im eigenen Haus wird so zu etwas Besonderem, vielleicht
Kontrast zu den rational-konstruktiven Objekten von Walter Kaitna oder Ugo La fällt auch das eine oder andere Mal ein Satz zur Kunst ganz allgemein oder zum
Pietra. Der „Neuen Malerei“, die sich in der Sammlung der Neuen Galerie Graz mit geliehenen Kunstwerk im Speziellen. Einen derartigen Demokratisierungsprozess
umfangreichen Beständen qualitativ hochwertig repräsentiert findet, sind die einzuleiten, ist für das Museum auch deswegen wünschenswert, weil es dadurch
Bilder von Gunter Damisch, Johannes Deutsch, Angela Flois und Alfred Klinkan näher an sein Publikum herankommt und ihm die Bedürfnisse, Wünsche und
zuzurechnen. Das Bild von ABLEO hingegen, die Fotodrucke von Bazon Brock Ansichten seiner Besucher/innen nähergebracht werden. Formen der Kunst
oder die Bildserie von Helga Knöbl könnte man bei aller Unterschiedlichkeit unter im öffentlichen Raum – auch im medialen Raum – leisten Ähnliches, aber auf
dem Überbegriff einer konzeptionellen Kunst erfassen. Überlegungen zu Bild, völlig unterschiedliche Art und Weise. Die Artothek konfrontiert nicht mit dem
Objekt und Skulptur finden sich in den Arbeiten von Róza El-Hassan, Dominique einen und ausschließlichen Kunstwerk, sondern erweitert die Partizipation um
Figarella, Stefan Glettler und Heribert Michl umgesetzt. den Bereich der subjektiven Selektion. Die Möglichkeiten für die Connaiseuse,
Die Idee von Artotheken ist nicht neu. Seit dem 19. Jahrhundert wurden den Connaisseur sind in der Artothek der Neuen Galerie Graz ebenfalls in
sie, zunächst meist im Verbund mit Bibliotheken oder Buchhandlungen, hohem Maße gegeben, sind doch sehr qualitätsvolle und prominente Werke zur
mit der Intention eingerichtet, die Bildung zu befördern. Die repräsentative Auswahl gestellt. Bereits getätigte eigene Sammelaktivitäten lassen sich so
Ausstattung von Privaträumen stand dabei durchaus im Hintergrund. Vielmehr auch temporär ergänzen bzw. um wesentliche Aspekte erweitern. Die Anregung
sollten die Artotheken zu einem intensiven Verständnis für Kunst bei einem zu geben, sich eines Tages selber ein derartiges Kunstwerk zu kaufen, sollte die
breiten Publikum beitragen und dieses fördern. Heute bieten Museen, Artothek auch zu leisten imstande sein. Das Museum hat es sich grundsätzlich
Galerien, Offspaces, Auktionshäuser und diverse andere Präsentationsorte zur Aufgabe gemacht, seinem Publikum die Welt zu zeigen. Die Welt durch die
wie Wirtschaftsunternehmen, Kanzleien oder gastronomisch-touristische Kunst zu zeigen, mag andere Sichtweisen auf die Realität ermöglichen, ja sogar
Betriebe (von Hotels bis zu Thermalbädern) eine nahezu überreiche fördern. Die Artothek ermöglicht es allen Interessierten, das Museum nicht nur
Palette an Möglichkeiten sowohl zur Präsentation als auch zur Rezeption geistig bereichert, mit Erkenntnissen gut ausgestattet, sondern auch mit dem
unterschiedlicher Formulierungen von Kunst bzw. Nichtkunst. Grundsätzlich Kunstwerk unter dem Arm zu verlassen.
soll der kreative Anteil einer bzw. eines jeden von uns gefördert und nach Gudrun Danzer, Günther Holler-Schuster, Peter Peer
ABLEO (Carmine Limatola) Die Anfänge des süditalienischen Künstlers, der in seiner Heimatstadt Salerno
auch als Ausstellungskurator und Kulturpublizist hervorgetreten ist, liegen im
Umfeld der Arte Povera (dieser Begriff, der „arme Kunst“ bedeutet, wurde 1967
Plein Air, 1980
von dem italienischen Kunstkritiker und Kurator Germano Celant für eine Kunst
Öl auf Jute
aus „armen“, also sozusagen gewöhnlichen Materialien geprägt) und seines
50 × 50 cm
Künstlerkollegen Michelangelo Pistoletto. Das Werk von ABLEO kann man der
Inv.-Nr. I/1928
nachkonzeptuellen Malerei zurechnen.
Die hier präsentierte Arbeit Plein Air ist 1980 während der von der Neuen
Galerie Graz veranstalteten XV. Internationalen Malerwochen in der Steiermark
entstanden. ABLEO kombiniert darin Elemente der Malerei (das Bildgeviert
mit Rahmen, das Material und die Technik – Ölfarbe auf Jute) mit solchen der
visuellen Poesie (die Buchstaben und der sprachliche Begriff). Mit beiden nimmt
er auf die Tradition der Malerei, hier speziell der Landschaftsmalerei, Bezug,
ohne uns aber eine bestimmte oder auch eine idealisierte Landschaft vor Augen
zu führen. Das französische „en plein air“ bedeutet „im Freien“ und steht in
der Kunstgeschichte für den Beginn der realistischen bzw. der direkt vor Ort
geschaffenen Landschaftsmalerei. Der Begriff ist eng mit der Malerkolonie im
französischen Barbizon bei Paris verbunden, wo diese Form der Malerei in den
1830er-Jahren erfunden wurde. Die sogenannte „Schule von Barbizon“ gilt als
Vorläufer und Ursprung des Impressionismus. ABLEO wendet sich mit seinem
Gemälde an die Fantasie und Vorstellungskraft seines Publikums: Mit dem Blau
des Himmels und dem Schriftzug „PLEIN AIR“ lässt er uns an jede mögliche
Landschaft denken und an jedes mögliche Gemälde, das im Freien nach der
Natur entstanden ist oder entstehen könnte. (GD)
1944 geboren in Salerno, Italien
Studium am Istituto Statale d’Arte di Salerno
1969 Luci astratte, Libreria Einaudi, Salerno (solo)
1971 Pesi simulati, Galleria 2000, Bologna (solo)
1980 Riquadro, Galerie Insam, Wien (solo)
1980 XV. Internationale Malerwochen, Neue Galerie Graz
1991 Transitions, Christopher John Gallery, Santa Monica, California (solo)
2008 Viaggio in Italia, Neue Galerie Graz
2010 da Thanatos all’ideale, Parco Urbano ex Salid, Salerno (solo)
Lebt und arbeitet in Salerno
www.carminelimatola.com
Werner Augustiner Werner Augustiner hat in der österreichischen und steirischen Kunst der Jahre
nach dem Zweiten Weltkrieg eine besondere und eigenständige Position
inne. Geprägt durch die Meisterklasse von Rudolf Szyszkowitz an der Grazer
Blumenstillleben, 1958/59
Ortweinschule blieb er zeitlebens auch dessen Kunstidealen – im Wesentlichen
Öl auf Leinwand
der Gegenständlichkeit – treu. Augustiner war ein christlich-gläubiger Mensch,
90 × 70 cm
der jedoch der offiziellen Kirche kritisch gegenüberstand. Aus dieser Haltung
Inv.-Nr. I/1220
bezog er seine Auffassung von der Kunst und vom Künstler. Er sah die
künstlerische Begabung als etwas von Gott Gegebenes an, das den Künstler
dazu verpflichtet, seinem Talent zu folgen und „es rein zu erhalten“, wie er
selbst schrieb. Entsprechend führte er das Leben eines Bohemiens, vor allem
während seiner oftmaligen langen Aufenthalte in Süditalien und in Paris.
Stilistisch ist die Malerei Augustiners einem späten Expressionismus
zuzuordnen. Seine Vorbilder waren Vincent van Gogh und Henri Matisse bzw.
die französische Malergruppe der Fauves, für seine zahlreichen weiblichen Akte
unverkennbar auch Amadeo Modigliani. Das Blumenstillleben vom Ende der
1950er-Jahre zeichnet sich durch eine kontrastreiche, frische Farbigkeit aus.
Augustiner legt hier wenig Wert auf die detaillierte Ausführung oder Abbildung
seiner Gegenstände. Vielmehr scheinen die Gefäße, die Muschel, das Tuch und
die Blumen in schnellen Pinselzügen mit großer Sicherheit auf die Leinwand
gebracht worden zu sein. Entstanden ist ein farbenfrohes, fröhliches Gemälde,
das den Betrachterinnen und Betrachtern die Freude an der Vielfalt und
Schönheit der bunten Blüten zu vermitteln imstande ist. (GD)
1922 geboren in Graz
1936–1940 Kunstgewerbeschule Graz
1940–1943 Meisterklasse für Malerei (Rudolf Szyszkowitz)
1943–1950 Akademie der bildenden Künste Wien (Karl Sterrer, Albert Paris Gütersloh)
1950 Aktpreis Boeckl
1954 Rom-Stipendium des Bundesministeriums für Unterricht
1960 Medaille der Stadt Graz
1982 Ehrenmedaille der Stadt Graz
1986 gestorben in Graz
Bazon Brock „Wir müssen lernen, in Bildern zu denken“, fordert Bazon Brock 1977
und moniert in dieser prädigitalen Zeit bereits, dass in den Schulen nur
Wortsprachen vermittelt würden. Er gründet deshalb die „Besucherschule“,
Friedrich Nietzsche in Amerika, 1969/2006 Warum wird man Historiker?, 2006
die einen Beitrag zum Erlernen der Bildsprachen leisten will. Es gilt die
Computerdruck auf Leinwand Computerdruck auf Leinwand
zentrale Frage – die spätestens seit Anbeginn der Verbreitung der Fotografie
42 × 42 cm 42 × 42 cm
gestellt wurde – nach dem Wirklichkeitsanspruch der Bilder, wobei Brock im
Inv.-Nr. I/2716 Inv.-Nr. I/2717
engeren Sinn mediale Bilder meint. Besonders interessiert haben ihn dabei die
Bilderwelten aus der Werbung.
Sieht man sich die beiden Arbeiten an, fällt auf, dass Brock mit der Inszenierung
von Bild und Text spielt, indem er seine Mitteilungen als Interpretation und
Lesemöglichkeit der reproduzierten Abbildung mitgibt. „Warum wird man
Historiker? Um mit den Toten zu sprechen!“, textet Brock, der sich im Profil in
einer Porträtausstellung ablichten lässt, auf (geschlossener) Augenhöhe und im
Dialog mit einer historischen Persönlichkeit.
Was Friedrich Nietzsche mit einem historischen Cowboy zu tun hat, der der
Zähmung eines wilden Pferdes gerecht werden will, erschließt sich nicht auf den
ersten Blick. Dafür muss man die (bezweifelbare, aber berühmte) Anekdote über
Friedrich Nietzsche kennen, die davon erzählt, wie er an einem Jännermorgen
1889 in Turin ein geschlagenes Droschkenpferd umarmt haben soll. Die
intensive Mitleidsregung der festen Umklammerung mündet im Zusammenbruch
des Denkers, dessen Leben von da an in völliger Umnachtung Fortsetzung
1936 geboren in Stolp in Pommern (heute Polen) findet.
1957–1965 Studium der Germanistik, Philosophie, Politikwissenschaften und Kunstgeschichte in
Hamburg, Frankfurt und Zürich
Wie in seinen frühen Arbeiten des Fluxus, als dessen bedeutender
Ab 1959 erste Happenings (mit Hundertwasser, Alan Kaprow, Nam June Paik, Joseph Beuys) Vertreter Bazon Brock gilt, stellt er nicht die Ausführung des Werkes in den
In den 1960er-Jahren Entwicklung der Methode des „Action Teachings“ Vordergrund, sondern seine Idee, die im Wechselspiel von Kunst und Leben als
1965–1978 Professor für nichtnormative Ästhetik an der Hochschule für bildende Künste Hamburg Diskussionsbeitrag verstanden werden kann. (MHK)
1978–1981 Professor für Gestaltungslehre an der Hochschule für angewandte Kunst Wien
1981–2001 Professor für Ästhetik/Kulturvermittlung an der Bergischen Universität Wuppertal
1992 Ehrendoktorwürde der ETH Zürich
2001 Gründung der Forschungsgruppe „Kunst und Strategie e.V.“
2004 Bundesverdienstkreuz 1. Klasse
2006 Durchführung von „Lustmärschen durchs Theoriegelände“ in elf großen Museen, darunter
die Neue Galerie Graz
2012 Ehrendoktorwürde der Hochschule für Gestaltung Karlsruhe
2014 Honorarprofessur für Prophetie an der HBKsaar in Saarbrücken
2016 Von-der-Heydt-Preis der Stadt Wuppertal
2017 Österreichisches Ehrenkreuz für Wissenschaft und Kunst 1. Klasse
2011 Gründer der „Denkerei/Amt für Arbeit an unlösbaren Problemen und Maßnahmen der hohen
Hand“ mit Sitz in Berlin (Mitglieder: Arno Bammé, Roland Brock, Peter Sloterdijk, Wolfgang Ullrich,
Peter Weibel)
Lebt und arbeitet in Wuppertal-Cronenberg
https://bazonbrock.de; www.denkerei-berlin.de
Gunter Damisch Kraftvoll-pastose, expressive Gesten verdichtet Gunter Damisch zu dunklen
Farbakkumulationen. Wie ausgefranste Zellen besiedeln sie das weiße Feld
der Leinwand. Sie wirken wie Mikroorganismen, die den Ursprung eines
Weißfeld, 1989
möglichen Seins bilden, wie Keimzellen, aus denen Größeres wird. Langsam
Öl auf Papier auf Leinwand
ist die Malweise, in der die Bilder entstehen. In vielen Schichten lagern sich
45 × 39,5 cm
Farben über Farben. Das Weiß scheint als letzte Schicht alles zuzudecken, um
Inv.-Nr. I/2920
darauf erneut Farbzellen entstehen zu lassen. Das Malen wird vergleichbar
mit einem organischen Prozess, die Bildwerdung zum Wachstum von Farben,
an der Oberfläche sichtbar pastos verdichtet, um zum Schluss zum Weiß
zurückzukehren, mit dem die Malerei auf der weißen Leinwand ihren Anfang
nahm. Gunter Damisch wollte das „Alles“ malen, das „Alles“ als das Gegenüber
des „Nichts“, schreibt Rainer Metzger. Vielleicht ist das „Alles“ die Summe
jeden Werdens und in gewisser Weise hier der Kreislauf der Malerei selbst. Das
Weißfeld erscheint nicht als fertiges oder abgeschlossenes Werk. Vielmehr ist
es von einer Offenheit geprägt, mit der nicht nur Malprozess oder Bildgrenzen
gemeint sind, sondern Raum für Verinnerlichung, Sensibilität, Gefühl und
Sinnesfreude.
Ende der 1970er- und Anfang der 1980er-Jahre griffen eine Reihe junger
Maler wieder zu Pinsel und Palette und ließen die totgesagte Malerei
wiederauferstehen. Wilfried Skreiner, zu jener Zeit Leiter der Neuen Galerie Graz,
förderte die sogenannten „Jungen Wilden“, zu denen auch Gunter Damisch oder
Alfred Klinkan zu zählen sind. In dieser Szene der „Neuen Malerei in Österreich“
ging man auf Distanz zum vorangegangenen Wiener Aktionismus und der
Selbstzerstörung. Es wurde wieder – vielfach auch großformatig –
gemalt und den vorangegangenen Strömungen mit lebendiger, unbekümmerter
und unmittelbarer Malerei entgegengetreten, die lebensbejahend an den
Expressionismus der französischen Fauves anschloss. (MHK)
1958 geboren in Steyr, Oberösterreich
1977–1983 Akadamie der bildenden Künste Wien (Max Melcher, Arnulf Rainer)
1983 Römerquelle Kunstpreis
1985 Otto-Mauer-Preis
1985 Max-Weiler-Preis
1992 Gastprofessur an der Akademie der bildenden Künste Wien
1995 Preis der Stadt Wien
1996 Anton-Faistauer-Preis für Malerei des Landes Salzburg
1998 Ordentliche Professur an der Akademie der bildenden Künste Wien
1998 Preis bei der 2. Internationalen Graphiktriennale, Prag
1998 Oberösterreichischer Landeskulturpreis für Graphik
2011 Würdigungspreis Land Niederösterreich
2016 gestorben in Wien
www.gunter-damisch.at
Johannes Deutsch Von 1984 bis 1989 war Johannes Deutsch Kustos des Sigmund Freud Museums
in Wien. In dieser Zeit arbeitete er in seiner Malerei mit Themen, die ihm
im Museum begegneten. Intensiv beschäftigte er sich „mit den visuellen
Der Gottarmhalter, 1987
Aspekten des Traumes, des Witzes, der Wortspiele und Phantasien“. Die damals
Öl auf Leinwand
entstandene Werkserie subsumiert er unter der Überschrift Der konstruierte
100 × 80 cm
Inhalt. Er skizzierte nicht, sondern malte spontan und änderte viel in seinen
Inv.-Nr. I/2313
Bildern. Mit diesem sehr unmittelbaren Verständnis von Malerei lud ihn Wilfried
Skreiner, Förderer der „Neuen Malerei in Österreich“ und damaliger Leiter der
Neuen Galerie Graz, zu den XXII. Internationalen Malerwochen in der Steiermark
ein. Damit verbunden war 1987 auch die erste Ausstellungsbeteiligung von
Johannes Deutsch, über die Der Gottarmhalter in die Sammlung der Neuen
Galerie Graz einging.
Ein Kopf- oder vielmehr ein einarmiger Gesichtsfüßer mit ernstem Blick hält in
seiner überdimensionalen Hand einen Arm, dessen Hand das hell erleuchtete
Gesicht Gottes umrahmt. Der dunkelgrüne Arm durchbricht in seiner vertikalen
Ausrichtung nicht nur die rot-orange Aura des gelben Kopfes, sondern teilt auch
das Bild fast diagonal in zwei Hälften. Wie aus der tiefen Nacht scheint die
Hand in den Himmel nach Gott zu greifen, ihn einzufangen, kann ihn aber doch
nicht ganz fassen. Während in den Darstellungen, die der Bibel folgen („Siehe,
des Herrn Arm ist nicht zu kurz, dass er nicht helfen könnte“, Jes. 59,1), es die
Hand Gottes ist, die sich machtvoll und hilfreich den Gläubigen annähert, ist es
bei Deutsch der menschenlose Arm, mit dem der kopfschwere Mensch Gott vom
Himmel zu holen scheint – oder ihn vielleicht einfach auch nur festhält. (MHK)
1960 geboren in Linz
1975–1980 Höhere Lehranstalt und Meisterschule für Kunst und Design an der HTBLA in Linz
1984–1989 Kustos am Sigmund Freud Museum in Wien
1988 3. Preis des 8. Römerquelle-Kunstwettbewerbs
1990 Auslandsstipendium des OÖ. Landeskulturbeirats
1990–1992 Postgraduate-Studium an der Städelschule – Institut für neue Medien, Staatliche
Hochschule für Bildende Künste in Frankfurt/Main
1994 Preis des Landes Oberösterreich beim 24. Österreichischen Graphik-Wettbewerb
Lebt und arbeitet in Wien
www.johannes-deutsch.at
Walter Eckert Der 1913 in Leobersdorf geborene und 2001 in Wien verstorbene Maler Walter
Eckert gehört einer Generation von Künstlerinnen und Künstlern an, die den
Krieg und die Nazigräuel direkt erlebt haben. Die traumatischen Erlebnisse
Ohne Titel (Kopf), 1992
haben sich in dieser Generation zu einem massiven Auslöser für Kunst als
Mischtechnik auf Leinwand
Überwindung des Schreckens ergeben. Die informelle Formensprache, der
65 × 50,5 cm
auch Eckert anhing, bildete international betrachtet die zentrale Chance, den
Inv.-Nr. I/2770
Wahnsinn der unmittelbaren Vergangenheit visuell zu erfassen, sich ein wie
auch immer geartetes Bild vom Unsäglichen zu machen.
Eckert, der als Student auf der Wiener Akademie bei Boeckl sowohl die
expressive Formensprache als auch die Auseinandersetzung mit dem
menschlichen Körper für sein weiteres Werk entdeckte, ist ein typischer
Vertreter dieser künstlerischen Sprache. Seine „Köpfe“ – allesamt anonymisierte
Opfer – wurden berühmt. Er setzte sie bis an sein Lebensende weiter fort.
Blutend und zerstört sehen sie aus und lassen das Publikum erschrecken. Man
ist häufig erinnert an den höchst sensibel arbeitenden Wols, dessen informelle
Strukturen auch oft an Organisches bzw. an Köpfe erinnern.
Eckart war nicht nur als Maler bedeutend. Sein Weg war auch ein institutioneller.
So war er von 1967 bis 1969 Rektor der Akademie der bildenden Künste in Wien.
Ab 1952 war er Mitglied der Wiener Secession und von 1965 bis 1968 deren
Präsident. (GHS)
1913 geboren in Leobersdorf, Niederösterreich
1935–1939 Studium an der Akademie der bildenden Künste Wien (Herbert Boeckl)
1939–1945 Einberufung als Soldat im Zweiten Weltkrieg und französische Kriegsgefangenschaft
Ab 1945 freischaffender Künstler in Wien
Ab 1952 Mitglied der Wiener Secession
1965–1968 Präsident der Wiener Secession
1967–1983 Professur für Malerei an der Akademie der bildenden Künste Wien (1967–1969 Rektor)
2001 gestorben in Wien
Friedrich Ehrbar Im Vorjahr verstarb der Köflacher Künstler Friedrich Ehrbar im 95. Lebensjahr.
Er war Privatschüler von Fritz Aduatz, Meisterschüler von Kurt Weber und
ab 1955 Mitglied der Sezession Graz. Als solcher war er eingebunden in
Landschaft, 1960
die künstlerischen Entwicklungen der unmittelbaren Nachkriegszeit. Eine
Öl und Acryl auf Leinwand
zaghafte, gemäßigte Moderne kontrastierte damals mit der traditionellen,
60 × 79,5 cm
sogar reaktionären Kunsteinstellung der Jahre davor, die immer noch wirksam
Inv.-Nr. I/2861
war. Die Totalzerstörung durch den Krieg, das unsägliche Leid, das damit und
mit der Naziherrschaft verbunden war, fand auch in der bildenden Kunst ihren
Niederschlag. Das Informel als Sinnbild der Zerstörung, der Auflösung und des
Existenzialismus der Zeit ließ sehr viele Künstler ihre traumatischen Erlebnisse
der unmittelbaren Vergangenheit bewältigen. So auch Friedrich Ehrbar. Seine
„Mauerbilder“, seine „gekippten Landschaften“ sind keine Darstellungen der
Idylle, des besseren Lebens oder der Hoffnung. Vielmehr sind es Anklagen,
Protokolle des Schreckens und emotionale Zuspitzungen.
Die Landschaft ist hier eine verbrannte, eine aufgerissene. In der Abstraktion
besteht allerdings die Chance, dem Elend zu entkommen, sich der
Ästhetisierung dessen anzuschließen, was real nicht fassbar ist und nicht
bewältigt werden kann. Ehrbar geht in der Folge weiter und stellt, neben den
sogenannten „haptischen Bildern“, in seinem späteren Werk hochinteressante
Bezüge zwischen Zwölftonmusik und bildender Kunst her – das Akustische
gleichsam ins Visuelle zu transformieren, war sein großes Ziel dabei. (GHS)
1923 geboren in Köflach, Steiermark
Schüler von Friedrich Aduatz und in der Lehrerbildungsanstalt in Graz von Franz Zach
1941 Matura und Einberufung als Soldat im Zweiten Weltkrieg
1946 Rückkehr aus amerikanischer Kriegsgefangenschaft
1954 und 1955 Meisterschüler bei Kurt Weber
Ab 1954 Mitglied der Sezession Graz
Zahlreiche Ausstellungen, vor allem im Rahmen der Sezession
Biobauer, Pferdezüchter, Handballpräsident
1977 Wandgestaltung, Eingangsbereich der Sporthalle Bärnbach
2008 Haptisch, Gekippt, Monochrom, Kunsthaus Köflach (solo)
2018 Eröffnung seiner Galerie in Bärnbach
2018 gestorben in BärnbachBernhard Eisendle Der ursprünglich aus Osttirol stammende Künstler lebt seit 1982 in Graz.
Seine Malerei hat er aus seiner zweiten großen Begeisterung entwickelt – der
Beobachtung und dem Sich-Einfühlen in die Natur, dem Sich-Aufhalten im
Wasserfall, 2018
Freien. Im Besonderen hat Eisendle viele Jahre lang den Segelsport ausgeübt,
Öl und Wachs auf Leinwand
und zwar nicht nur auf dem oft sanften Mittelmeer, sondern gerne auch auf der
80 × 80 × 4,5 cm
rauen Nordsee. Voraussetzung für die Liebe zu diesem Sport ist eine bestimmte
Inv.-Nr. VIII/1229
Haltung zur Natur bzw. zu den elementaren Kräften auf unserer Erde: Diese
muss der Segler gut kennen, mit ihnen vertraut sein – sich ihnen wohl auch
gerne aussetzen –, damit er ihnen standhalten und sie für seine Fortbewegung
nutzen kann.
Auf dieser genauen Kenntnis der Natur und ihrer Kräfte – auf dem Meer, aber
auch auf dem Land und in den Bergen – beruht die Malerei Eisendles, die fast
immer Landschaftsmalerei ist. Stilistisch kann man sie als Naturabstraktion
bezeichnen, eine Richtung, die in Österreich eine große und variantenreiche
Tradition hat. Eisendle bildet die von ihm ausgewählten Naturausschnitte nicht
detailgetreu und quasi realistisch ab. Vielmehr übersetzt er den sinnlichen
Eindruck, den er durch seine Einfühlung empfängt, in abstrahierender Weise mit
Farbe auf Leinwand. Nur hin und wieder definiert er eine Landschaft näher durch
die eindeutigen Formen etwa eines Hauses oder einer Baumgruppe.
Bei unserem Bild erscheint das Naturvorbild – ein Wasserfall – in ineinan
dergeschobene, teilweise durchscheinende Farbformen aufgelöst. Das Bild wirkt
wie ein Nachhall des frischen, sprudelnden Wassers, in das man eine längere
Weile geblickt hat. Durch eine spezielle Technik, die Eisendle in den letzten
Jahren entwickelt hat und bei der er die Ölfarbe mit Wachs kombiniert, erhält die
Bildoberfläche einen besonderen Glanz und eine zusätzliche Tiefe. (GD)
1939 geboren in Lienz, Osttirol
Künstlerische Ausbildung in München und Stuttgart
Seit 1966 freischaffender Maler
Ausstellungen in Österreich, Frankreich, Schweden, Holland und Belgien
Drei Jahre Mitglied der International Arts Guild
Lebt und arbeitet in GrazRóza El-Hassan „Ich zeichne unaufhörlich: Ich fühle mich nur gut, wenn ich den Tag mit Zeichnen
beginne“, sagte Róza El-Hassan 1997, als sie den ungarischen Pavillon bei der
Biennale in Venedig mit einer Serie von 18 „Knäuelzeichnungen“ ausstattete.
Stretched Objects/Stretched Tangle, 1995
Zentral war dabei ein Wandbild, das ein Liniennetz auf der Wand verdichtete
Eisen, Kabel
und mit Drähten in den Raum hinaus fortsetzte. Knäuel sind flexibel, nicht so
25 × 60 × 20 cm
fest wie Knoten oder Verstrickungen. Oft kulminieren sie im Chaos, wie auch der
Inv.-Nr. III/586
Stretched Tangle von 1995. Unterschiedliche Kabel und Drähte formen einen
verwickelten und verdichteten Knäuel, der mit Eisenfedern an die Wand gehängt
wird und damit gewissermaßen als dreidimensionales Liniengewächs in den
Raum hinausragt.
Die Arbeit ist Teil einer ganzen Serie von Stretched Objects, die die Künstlerin in
den 1990er-Jahren über Ungarn hinaus international bekannt gemacht haben.
Sessel, Gläser, Steine oder andere Alltagsobjekte sind es, die sie dabei mit
Stahlseilen an die Wand hängt, als wolle sie sie auseinanderziehen. In dieser
sehr konzeptuellen Arbeitsweise tanzt der Knäuel als abstraktes Liniengeflecht
aus der Reihe. Die verdichtete und konzentrierte Zeichnung im Raum scheint
eher die Arbeit für die Biennale vorwegzunehmen. (MHK)
1966 geboren in Budapest
1972–1984 in Westfalen, Deutschland
1987 Rückkehr nach Budapest
1987–1990 Malereistudium an der Akademie der bildenden Künste, Budapest
1991 Städelschule – Staatliche Hochschule für Bildende Künste in Frankfurt/Main
1991–1992 Intermedia Department, Akademie der bildenden Künste, Budapest
2001 Gastkünstlerin am Collegium Helveticum, ETH Zürich
2003–2007 Dozentin am Intermedia Department, Akademie der bildenden Künste, Budapest
2008–2011 Dokoratsabschluss an der Akademie der bildenden Künste, Budapest
2017 Studio-Stipendium (Iaspis) in Stockholm
Lebt und arbeitet in Budapest
www.roza-el-hassan.huDominique Figarella Der junge französische Künstler Dominique Figarella war 1994 in der Neuen
Galerie Graz als „Artist in Residence“ zu Gast. Sein künstlerischer Zugang
entwickelte sich aus der Malerei. Es war, den 1990er-Jahren entsprechend,
Ohne Titel, 1994
keine konventionelle Malerei mit klassischen Materialien, sondern eine
Holzplatte, Holzleiste, Kaugummi
Hybridform der Kunst. Die Werke Figarellas sind mehrschichtig. Das kann man
50 × 50 × 4 cm
inhaltlich, aber genauso gut auch materialtechnisch sehen. Einerseits sind
Inv.-Nr. I/2492
diese Arbeiten zwischen Bild und Objekt angesiedelt, andererseits versuchen
die verwendeten Materialien auch Inhalte zu generieren. Nicht das armselige
Material (Arte Povera) oder die Warenästhetik einer Pop-Art-Rezeption
(Kaugummi) ist hier gemeint. Es ist ein allgemeiner Zugang zum Material und
zum Bild. Die einzelnen Gegenstände, die der Künstler ins Werk einbaut, sind
nicht zu einem neuen Ganzen zusammengeführt. Es geht dem Künstler darum,
die Objekthaftigkeit des Werkes zu unterstreichen. Daher sind beispielsweise
Kissen, Fetzen, Bälle, Kaugummi, Holzstücke so angebracht, dass sie von einer
Plexiglasschicht, die am Ende über die gesamte Bildoberfläche geschraubt
wird, in ihrer Existenz nicht bedroht sind. Sie werden nicht zu etwas anderem,
sondern sie vollziehen den Abstraktionsprozess mit, sind Akzente in der
Bildkomposition. Figarellas Bilder, Objekte sind analytisch. Sie lassen das
Publikum am Abstraktionsprozess gleichsam teilhaben. Was wird aus inhaltlich
stark festgelegten Materialien, Gegenständen (Kaugummi, Tennisbälle)? Sie
sind austauschbar, sie sind Akzente innerhalb der Gestaltung. Ebenso sind sie
auch im Prozess der Transformation vom Gegenständlichen ins Abstrakte wie
eingefroren. Damit ist die Malerei natürlich nicht mehr nur Darstellung, sondern
der Bereich, in dem Sehen und Wahrnehmen stattfindet. (GHS)
1966 geboren in Chambéry, Savoyen, Frankreich
1987 Studium an der Villa Arson, école nationale supérieure d’art, Nizza
1994 Artist in Residence, Neue Galerie Graz
Seit 2001 Professor an der École nationale supérieure des beaux-arts de Paris (ENSBA)
2018 Bienvenue, Cité internationale des arts, Paris
2019 Pardon my French, Galerie Anne Barrault, Paris (solo)
2019 One Way or Another, La Box, Bourges
Lebt und arbeitet in Paris und Jacou bei Montpellier (Hérault), FrankreichAngela Flois Man mag der Farbe Grau nicht einmal zugestehen, dass sie überhaupt eine
ist. Gilt Grau doch als Ausdruck der Neutralität schlechthin. Angela Flois, die
seit den 1980er-Jahren, damals im Zuge der „Neuen Malerei“, künstlerisch
Rauhes Grau, 1994
hervorgetreten ist, geht hier sehr behutsam mit dem Material um. Mit wenigen
Öl auf Leinwand
Farbnuancierungen erreicht sie eine höchst spannende und gar nicht farblose
60 × 50 cm
Komposition, die natürlich sofort an kosmische Weiten denken lässt. Mikro
Inv.-Nr. I/2534
und Makro sind hier keinesfalls definiert. Man ist als Beschauer/in hin- und
hergerissen. Die abstrakte Komposition ist nicht als Zeugnis eines gestischen
Ausbruchs zu sehen. Vielmehr bekommt man den Eindruck des organisch oder
auch kosmisch Wachsenden, des sich langsam Entwickelnden. Der fleckige
Farbauftrag lässt die Bildoberfläche sehr dynamisch erscheinen, bildet Schatten
und lässt die kleinen, zaghaften Farbakzente leuchtend hervortreten – Sterne,
Blüten, Luftspiegelungen. Man muss sich auch nicht mit Naturanalogien
beschäftigen, um das Bild in einen scheinbar lesbaren Zustand bringen zu
können. Die Abstraktion kann auch einfach akzeptiert und entsprechend
behandelt werden. Das kosmische Rauschen und die abstrakte Vorstellung
davon stehen hier in perfekter Proportion. (GHS)
Geboren in Grafendorf bei Hartberg, Steiermark
Ausbildung zur AHS-Lehrerin, Bildnerischen Erzieherin und Museumspädagogin an der
Pädagogischen Akademie in Graz-Eggenberg
Universität für künstlerische und industrielle Gestaltung in Linz
Studium der Kunstgeschichte und Soziologie an der Universität Graz
Studium der Malerei an der Europäischen Akademie für bildende Kunst in Trier
1982 Preis des Bundesministeriums für Unterricht und Kunst (Kunstpreis Köflach)
Lebt und arbeitet in GrazStefan Glettler Fast lebensgroß ist der fruit dancer von Stefan Glettler, der still auf
seinem Sockel ruht. Als Tänzer will er bewegt werden, angestoßen wie ein
Stehaufmännchen, und frei im Raum schwingen. Wie die Passstücke von Franz
fruit dancer, 2016
West wollen die organischen Formen mit dem menschlichen Körper in Beziehung
Epoxidharz, Beton
treten, verlangen nach improvisierter Interaktion. Das Werk vollendet sich der
150 × 36 × 36 cm
Intention nach nicht in der Betrachtung, sondern in der Verschmelzung mit den
Inv.-Nr. III/997
Interagierenden. Auf den Sockel gestellt jedoch wird es zum musealen Objekt,
das den Einzelnen überdauern will. Aus diesem Dilemma heraus wird ihm eine
reife Erhabenheit zuteil, die ihm seine Zukunft sichert.
Wenig spricht Stefan Glettler über seine Kunst, seine Intentionen und
Motivationen. Auffallend jedoch ist die Intensität der Farbe, in die der Maler
und Bildhauer seinen „Tänzer“ getaucht hat. Unmittelbar rückt er damit auch
die Materialität in den Vordergrund und verstärkt die räumliche Präsenz der
abstrakten Frucht, deren Verlockung süß und reif wie eine malerische Geste in
den Raum hinausgreift. (MHK)
1980 geboren in Graz
2000–2005 Studium der Malerei und Grafik an der Akademie der bildenden Künste Wien
(Walter Obholzer)
2012 Artist in Residence, Bukarest, Land Steiermark
2016 Walter Koschatzky Kunst-Preis Stipendium, Rotary Club Wien-Albertina
2016 Artist in Residence, Budapest, Stadt Wien
Lebt und arbeitet in Wien und der Steiermark
https://www.stefanglettler.comWalter Kaitna „Die Verbindung von Grundfragen künstlerischer Gestaltung mit mathematisch
beschreibbaren, gesetzmäßigen Zusammenhängen ist keine Erfindung unseres
Jahrhunderts. In der europäischen Kulturgeschichte begegnen wir diesem
Kräftesystem 28, 1963
Denken in regelhaften Beziehungsgefügen bereits in der altgriechischen
Stahlstäbe, Aluminium, Textil
Philosophie. […] Die Quelle des Schönen wird schon hier als mathematische
51,3 × 14,8 × 9,9 cm
Beziehung erkannt. Forschendes Interesse, mathematisches Denken und
Inv.-Nr. III/668
schöpferisches Gestalten gehen seither oft eine enge Verbindung ein. […] In
der Kunst unseres Jahrhunderts findet die Diskussion um das Verhältnis des
Schönen zum rational Verstehbaren vor allem im Rahmen der konstruktiven
Bewegung statt.“ (Dieter Bogner, „Intuition und Kalkül“, in: Ausstellungskatalog
Walter Kaitna, Kräftesysteme, NÖART Galerie, Wien 1982, o. S.)
Die künstlerischen Gestaltungen – Gemälde und räumliche Objekte – des
Bauingenieurs Walter Kaitna haben in diesen konstruktiven Überlegungen ihre
Grundlage. Mit seinen Objekten aus gebogenen Stahlstäben, die er seit Anfang
der 1960er-Jahre konstruierte, versuchte er, sinnlich nicht wahrnehmbare
Kräfte anschaulich zu machen. So entstanden zarte, ästhetische Objekte,
die er seit 1963 verschiedentlich auf Ausstellungen präsentierte. Er selbst
schrieb dazu: „Durch die Beschränkung auf ein einheitliches Element, den in
eine Bodenplatte eingespannten und durch eine angreifende Kraft elastisch
gekrümmten Stahlstab, dessen einzige Variabilität im Grad seiner Krümmung
besteht, werden Kräfte sichtbar. Die kooperative Wechselwirkung von Gesetz
und Freiheit manifestiert sich an der räumlichen Lage der unteren und
oberen Stabenden. Die Spitzen der Stäbe sind durch die innere Struktur der
jeweiligen Kräftekonstellation festgelegt. Die Lage der Fußpunkte kann ich frei
entscheiden. Auf diese Weise entwickle ich das gesamte Formenrepertoire für
meine räumlichen Objekte.“ (a. a. O., o. S.) (GD)
1914 geboren in Wien
1936–1942 Bauingenieurwesen, Technische Universität Wien
1946–1977 Chefingenieur und Technischer Direktor in der Bau- und Baustoffindustrie
1952 Olympische Spiele in Helsinki, Hockey, 7. Platz
1963 Atelier Ernst Hartmann, Mödling, Niederösterreich (solo)
1978 Logische Kunst, Wiener Secession
1979 Kräftesysteme und Gleichgewichtsordnungen, Neue Galerie Graz (solo)
1980 Ein Künstler – ein Prinzip, Museum moderner Kunst, Wien
1983 Exakte Tendenzen 1983, Schloss Buchberg, Niederösterreich
1984 Kräftekonstellationen. In Memoriam Walter Kaitna, Museum des 20. Jahrhunderts, Wien (solo)
1996 Jenseits von Kunst, Ludwig Múzeum, Budapest, Neue Galerie Graz, MuHKA Antwerpen
1983 gestorben in Wien
www.walterkaitna.atAlfred Klinkan Es ist eine Besonderheit Klinkans, sich immer wieder auf andere Menschen,
Künstlerkollegen und auch auf Tiere so einzulassen, dass man in vielen
Fällen sogar von Identifikation sprechen kann. So geschah es auch mit
Pictor Gryllorum, 1986
Adriaen Brouwer (genannt: „Gryllorum Pictor“, der „Maler der Grillen“), einem
Öl auf Leinwand
flämisch-niederländischen Meister des „Low-Life“. Klinkan bezog sich Mitte der
100 × 70 cm
1980er-Jahre sehr explizit auf Brouwers Szenen vom Leben in den Schenken,
Inv.-Nr. I/2981
in denen allerlei getrieben wurde – Genuss von Tabak, Alkohol, Raufhändel,
Baderei und andere Verrichtungen des Alltags, des Lasters und des Ausdrucks
einer dunklen Volksseele fanden dort statt. Klinkan identifizierte sich nicht
nur mit der Person des Malers, sondern auch mit den Protagonisten der derben
Szenen. Diese vermischt er oft mit eigenen Charakteren – z. B. aus der Fabel-
bzw. Tierwelt – und lässt so einen eigenen Kosmos entstehen, der weder in
das 17. Jahrhundert Brouwers passen will noch in die Entstehungszeit des
Gemäldes.
Alfred Klinkan ist damit auch typisch für die „Neue Malerei“ der 1980er-Jahre,
die gerade in der Neuen Galerie Graz so vehement von ihrem damaligen Leiter,
Wilfried Skreiner, propagiert wurde. Wenn er in seinen Bildern neue, sehr
persönliche, aber an allgemeingültige Mythologien erinnernde Erzählstrukturen
erfindet, trifft er den Zeitgeist genauso, wie er höchst subjektiv bleibt.
Klinkan ist sicherlich der erzählerischste der „Neuen Maler“ der 1980er-Jahre.
Entsprechend umfangreich ist sein Werk. Der 1994 so jung verstorbene Künstler
hat mehrere Tausend Werke hinterlassen und damit einen eigenen Kosmos
geschaffen. Selbstverständlich gelten dort auch eigene Gesetze … (GHS)
1950 geboren in Judenburg, Steiermark
1970–1974 Akademie der bildenden Künste Wien (Josef Mikl, Wolfgang Hollegha)
1976 Kunstpreis des Landes Steiermark
1976–1977 Auslandsstipendium für die Koninklijke Academie voor Schone Kunsten, Antwerpen
1977 Österreichisches Staatsstipendium für Bildende Kunst
1979–1981 und 1984 Aufenthalt vorwiegend in Antwerpen
1981 Otto-Mauer-Preis
1994 gestorben in Wien
alfred.klinkan.netHelga Knöbl Die Bandbreite der künstlerischen Medien und der Gestaltungsfelder, in
denen Helga Knöbl arbeitet und ihre Ideen zum Ausdruck bringt, ist enorm.
Sie ist als Porträt- und Landschaftsmalerin tätig, hält ihre Überlegungen in
Goldbild 2–4, 2012
programmatischen Gemälden fest, widmet sich der Kunstpädagogik, machte –
Blattgold auf Faserplatte in Holzrahmen, 3 Stück
in den 1980er- und 1990er-Jahren – Videoinstallationen und Filme, lotete in
je 38,2 × 28,4 × 3,5 cm
ihrer Ausbildung zur „Clownin“ ihre schauspielerischen Fähigkeiten aus und
Inv.-Nr. I/2854, 1–3
erprobt diese im Kontakt mit ihrem Publikum. Dabei liegt ihren künstlerischen
Gestaltungen und Tätigkeiten immer die wache und kritische Beobachtung der
gesellschaftlichen Bedingungen für das Leben und die Entfaltungsmöglichkeiten
der/des Einzelnen zugrunde sowie ein sensibles Einfühlungsvermögen in und
großer Respekt für die Menschen.
Die Serie der Goldbilder hat Helga Knöbl 2012 gestaltet. Es handelt sich hier
um eine konzeptuelle Arbeit mit Tiefgang und Humor: Auf Holzfaserplatten
hat sie rechteckige Felder mit abgerundeten Ecken aus Blattgold angebracht.
Die Platten wurden mit profilierten Zierrahmen aus Holz gerahmt und
mit Hängevorrichtungen versehen, sodass sie wie Gemälde an der Wand
montiert werden können. Damit nimmt sie Bezug auf die Mechanismen des
Kunstmarktes, wo der oft enorme Preis eines Kunstwerkes nicht unbedingt
seiner Qualität entsprechen muss, wo es häufig nicht um Inhalte, sondern um
andere, außerhalb der eigentlichen Kunst liegende Kriterien geht. So zieht die
Künstlerin den Schluss und präsentiert statt anderer Inhalte das Gold selbst als
Inbegriff bzw. Symbol für das Kostbare, den hohen Preis – und das auf einem
ganz billigen, banalen Material, den Holzplatten. Die Wirkung der Arbeit lebt von
diesem Kontrast. (GD)
1962 geboren in Graz
1981–1987 Studium der Germanistik und Soziologie in Wien und Zürich
1989 Teilnahme an den Österreichischen Filmtagen Wels
1993 Preisträgerin beim Förderungspreis des Landes Steiermark für zeitgenössische
bildende Kunst
1994 Sappi-Europe Bronzemedaille
2001 Preisträgerin Biennale Florenz – Internationale dell’arte contemporanea
2002 Award-Women’s Congress – El Paso, Texas
Lebt und arbeitet in Graz
helgaknöbl.atUgo La Pietra Der italienische Künstler, Architekt, Designer, Wissenschaftler, Journalist,
Experimentalfilmer und Ausstellungskurator ist zweifellos als „Homo
universalis“ anzusprechen. Seine künstlerische Vielfalt und Flexibilität leitet
Progressione multipla, 1969
sich nicht nur von der Tradition des Konkreten ab, die im Italien der 1960er- und
Plexiglas
1970er-Jahre besonders bedeutend war, sondern auch von sozialen Konzepten
27 × 27 × 7,7 cm
und den radikalen Überlegungen der „Situationistischen Internationale“.
Inv.-Nr. III/314
Ugo La Pietra, der mit Lucio Fontana eng befreundet war, hat seine Kunstwerke
immer in Zwischenbereichen, in Übergangsbereichen angesiedelt. So ist
auch das Objekt Progressione multipla ein vielschichtiges Kunstwerk. Man
möchte es als Designobjekt (Aschenbecher) einordnen, vermisst aber sofort
den funktionellen Teil. Dieser vollzieht sich offenbar nur visuell. Das Objekt
demonstriert eine physikalische Gesetzmäßigkeit – die der gegenläufigen Zu-
und Abnahme von im Plexiglasblock befindlichen Bohrungen. Die offensichtliche
Ästhetik der industriellen Produktion erlaubt es, den Bogen von „Minimal Art“
bis „Konkreter Kunst“ zu spannen. Keine individuelle künstlerische Handschrift
lässt das Werk besonders aussehen, sondern eine kühle technoide Anonymität
zeichnet es aus. Es scheint kein Geheimnis in sich zu bergen und für jeden
Techniker nachvollziehbar und wiederholbar zu sein. Genau das waren auch
die zentralen Forderungen der „Konkreten Kunst“ – Wissenschaftlichkeit,
Funktionalität, industrielles Design und fehlende individuelle Handschrift. Somit
erübrigen sich die klassischen kategorischen Zuordnungen zu Skulptur oder
Bild. Dieses Kunstwerk ist zweifellos beides und noch einiges mehr. (GHS)
1938 geboren in Bussi sul Tirino, Italien
1957–1964 Architekturstudium am Politecnico di Milano
Seit 1964 Lehrtätigkeit für Architektur und Design in Mailand, Pescara, Palermo, Turin und
Venedig, am Politecnico di Milano, am Istituto d’arte in Monza u. a.
1968 Gestalter des Ambiente Audiovisivo bei der XIV Triennale di Milano
1969 Premio Termoli, Premio Joan Miró, Premio Cesare da Sesto (für Malerei)
1972 Italy: The New Domestic Landscape, MoMA, New York
1973 Gestalter des Films La grande occasione
1975 1. Preis beim Nancy Film Festival
1979 Premio Compasso d’Oro für das Projekt L’occultamento
1981 Kurator von Lo spazio scenografico nella televisione italiana, XVI Triennale di Milano
1992 Kurator von La vita tra cose e natura, sezione naturale virtuale, XVIII Triennale di Milano
2009 Professor am Politecnico di Milano (Design) und an der NABA in Mailand
2016 Premio Compasso d’Oro für sein Lebenswerk
Lebt und arbeitet in Mailand
https://ugolapietra.comRichard Larsen (Larsenson) Richard Larsen (Larsenson) war in beiden Weltkriegen eingerückt, beide Male
an der Front mit anschließender Kriegsgefangenschaft. Während es ihm in der
Zwischenkriegszeit gelang, als Maler Fuß zu fassen und auch als Lehrer tätig
Die kleine Bucht, um 1952
zu werden, blieb ihm als Kriegsoffizier Letzteres nach 1945 verwehrt. So erklärt
Öl auf Holzfaserplatte
sich, dass Richard Larsen sich in vielen seiner Bilder mit dem Erlebnis des
49 × 58 cm
Krieges auseinandersetzte. Er scheute auch nicht die realistische und durchaus
Inv.-Nr. I/1121
neusachliche Darstellung sozialer Probleme, von denen er besonders nach dem
Zweiten Weltkrieg auch persönlich sehr gezeichnet war.
Die kleine Bucht scheint diesbezüglich auf den ersten Blick unverfänglicher
zu sein. Doch auch wenn man Larsen die Liebe für den Impressionismus und
dessen Farbigkeit nachsagt, hängt der dunkle Himmel hier tief. In rascher und
gestischer Malweise fängt er den Eindruck der Bucht ein. Schemenhaft reihen
sich die Häuser in die Landschaft ein, während zwei kleine Segelboote in der
Bucht Schutz zu suchen scheinen. Das Bild Die kleine Bucht war 1952 bei der
Eröffnungsausstellung des Künstlerhauses zu sehen und wurde im Zuge dessen
von der Neuen Galerie Graz erworben. (MHK)
1897 geboren in Sinj, heute Kroatien
1913 und 1920–1921 Besuch der Kunstschule Graz bei Alfred Schrötter-Kristelli (Unterbrechung
durch den Ersten Weltkrieg)
1922–1926 Studium an der Kunstgewerbeschule Wien bei Berthold Löffler, danach Direktor und
Lehrer an der Berufsschule für das grafische Gewerbe
1924 Verleihung der Silbermedaille der Stadt Graz
1924 Beteiligung an der Eröffnungsausstellung der Sezession Graz
Mitglied im Künstlerbund Graz und in der Vereinigung bildender Künstler Steiermarks
1950 Beteiligung an der Kollektivausstellung des Künstlerbundes Graz
Ab 1960 Beteiligungen an (Kollektiv-)Ausstellungen vor allem in Graz
1975 gestorben in GrazGerhard Lojen Gerhard Lojen zählt als Künstler wie als Pädagoge zu den prägenden
Persönlichkeiten des steirischen Kulturlebens der zweiten Hälfte des 20.
Jahrhunderts. Durch seine frühen Materialbilder gehört er zu den wichtigsten
Ohne Titel, um 1961/62
Vertretern der abstrakten Malerei in Österreich nach 1945. Während seines
Öl auf Leinwand
Architekturstudiums an der Grazer Technischen Hochschule schloss er
81 × 58 cm
Freundschaft mit zwei Menschen, deren Haltung und Werk für ihn grundlegend
Inv.-Nr. I/2785
wurden – mit seinem Lehrer Kurt Weber, der den Studenten die internationale
Moderne, damals vor allem das Informel und den Tachismus nahebrachte, und
mit seinem Mitstudenten Hans Bischoffshausen. Letzterer gab das Studium der
Architektur bald zugunsten der bildenden Kunst auf, fand in Paris Anschluss an
die dortige Avantgarde und wirkte als deren Vermittler in die steirische Provinz.
Im Zuge des lebenslangen freundschaftlichen und künstlerischen Austausches
mit Bischoffshausen kam es in den 1980er-Jahren zu einer Zusammenarbeit der
beiden Künstler an einer Reihe von gemeinsamen Werken auf Papier.
Das frühe Bild von Gerhard Lojen, das hier präsentiert wird, entstand zu Beginn
der 1960er-Jahre und zeigt bereits seine intensive Auseinandersetzung mit
der Abstraktion. Er versteht ein Gemälde nicht als Abbildung einer außerhalb
desselben liegenden Realität, sondern als autonome Gestaltung. In etliche
andere Bilder dieser Zeit hat er natürliche Materialien wie Sand, Textilien oder
Steine integriert. Hier beschränkt er sich allein auf die Farbe, die aber eben nicht
repräsentativ eingesetzt wird. Sie steht für sich, sie selbst ist das Material – und
wird sehr pastos aufgetragen. Die verschiedenen Farben wirken wie geknetet
und erhalten auf diese Weise eine eigene Körperlichkeit. Sie scheinen sich
geradezu aus dem blauen, sie begrenzenden Feld nach vorne in den realen Raum
herauszudrängen. Das abbildende Gemälde ist hier zum für sich stehenden
Objekt geworden. (GD)
1935 geboren in Graz
1954–1962 Architekturstudium an der TU Graz
1958–1977 Mitglied der Sezession Graz
1960 Ankaufspreis des BMfU beim Joanneums-Kunstpreis
1976 Kunstpreis der Stadt Köflach
1977 Mitbegründer der Künstlergruppe 77 in Graz
1987–2000 Leiter der Meisterschule für Malerei an der Grazer Ortweinschule
1990 Wettbewerb Johannes-Kepler-Denkmal in Graz: 1. Preis und Ausführung
1999 Würdigungspreis des Landes Steiermark für bildende Kunst
2005 gestorben in Graz
www.lojen.atHeribert Michl Heribert Michl war zeit seines Lebens auf der Suche nach neuen
experimentellen, ästhetischen und künstlerischen Erfahrungen. Eine persönliche
künstlerische Handschrift, die sein Werk kennzeichnet, war ihm dabei nicht
N.O.T. (aus der Werkgruppe Faltbilder), 2007
wichtig. Das lässt sich in seinen Arbeiten, die stets in größeren Werkgruppen
Acryl auf Leinwand auf Leinwand
entstehen, gut nachvollziehen, zumal sie in sich ästhetisch verbunden sind,
100 × 100 cm
untereinander aber jeweils sehr unterschiedlich ausfallen können.
Inv.-Nr. VIII/1148
Heribert Michl war der Meinung, dass Kunst im Kopf erzeugt wird und meinte
damit, dass die Betrachtenden Kunst definieren und nicht die Kunstschaffenden
selbst. Zentral war für ihn dabei die Frage nach den Möglichkeiten der Kunst,
persönlichkeitsbildende und darüber hinaus auch gesellschaftliche Wirkung
zu erzeugen. In der Offenheit gegenüber Neuem in der Kunst liegt somit
das Potenzial, das Interesse am Anderen im Allgemeinen zu wecken. Aus
philosophischer Sicht hängt er einem radikalen Konstruktivismus an und meint
damit seine Überzeugung, dass es die eine Wirklichkeit nicht gibt. Schon gar
nicht eine, die sich auch abbilden ließe.
Heribert Michl strebt nach einfachen, klaren Formen, das zeigen besonders
seine Arbeiten, bei denen er Farbe und Form auf ein Minimum reduziert. Beim
Falten des Malgrundes kommt dann noch die dritte Dimension dazu, das Bild
wird zum Relief, die Falte zur Linie, der Faltenwurf zur schattierten Fläche. Das
Bild tritt in Dialog mit dem Raum, mit der Architektur und wird für Michl zur
„Poetisierung des Raumes“.
N.O.T. – noch ohne Titel nennt Heribert Michl nicht nur dieses Bild, sondern
auch die ganze Werkgruppe der Faltbilder, denen im Museum der Wahrnehmung
in Graz 2007 auch eine gleichnamige Ausstellung gewidmet war. In der NOT
liegt für Heribert Michl die Aufforderung zur Selbstermächtigung des Publikums,
sich auf die Kunst einzulassen und damit die eigenen kreativen Kräfte in Gang
zu bringen. Was ist es, was ich sehe, was löst die Bildbetrachtung in mir aus?
(MHK)
1938 geboren in Köflach, Steiermark
Studium der Pädagogik, Soziologie, Kunstgeschichte und Philosophie an der
Karl-Franzens-Universität Graz
Mitglied der Künstlergruppe 77
2010 Österreichisches Ehrenkreuz für Wissenschaft und Kunst 1. Klasse
2017 gestorben in Graz
https://www.heribertmichl.atWorauf Sie bei Kunstwerken ZUGLUFT: Schützen Sie das Objekt vor Zugluft.
Keilrahmen können sich durch Zugluft verziehen, und
achtgeben sollten! außerdem trocknen die Objekte aus, was Folgeschäden
mit sich bringt.
Zu viel LICHT, WÄRME, FEUCHTIGKEIT sowie ZUGLUFT
können dem Werk schaden! SAUBERKEIT: Greifen Sie das Objekt nur mir sauberen
und trockenen Händen an. Benutzen Sie dazu nach
UV-LICHT (als Teil des natürlichen Sonnenlichtes) Möglichkeit die beigepackten Baumwollhandschuhe.
schadet nicht nur dem Menschen. Setzen Sie das
Objekt daher nicht dem direkten Sonnenlicht aus, MANIPULATION: Halten Sie Gemälde immer mit beiden
z. B. unmittelbar vor einem Fenster. Materialien altern Händen und seitlich am Rahmen fest. Heben Sie
im UV-Licht schneller als sonst, sie bleichen aus und Gemälde niemals an der oberen Rahmenleiste hoch.
werden spröde. Suchen Sie eine Wand aus, die nicht
von der Sonne beschienen wird. REINIGUNG: Grundsätzlich sollten Sie das Reinigen des
Objektes unterlassen. Sie können aber bei Bedarf den
WÄRME ist Energie! Hängen Sie das Objekt nicht Rahmen eines Gemäldes mit einem neuen, sauberen,
direkt über eine Wärmequelle wie beispielsweise einen trockenen und weichen Staubtuch vorsichtig mit wenig
Heizkörper oder einen Heizstrahler. Dadurch kann Druck abwischen. Bei verglasten Arbeiten können Sie
es zu Ausdehnungen und Schrumpfungen kommen, auch das Glas auf diese Weise vorsichtig reinigen.
wodurch die Festigkeit des Materials auf Dauer Wischen Sie nie direkt über die Bildfläche!
nachlässt. Sprünge und Absplitterungen sind die Folge.
Überheizte Räume sind für das Kunstwerk ebenso
schädlich wie für ihre Bewohner/innen.
FEUCHTIGKEIT, dazu zählt auch Luftfeuchtigkeit,
dringt in das Kunstwerk ein und kann bei hoher
Intensität zu Quellungen der Grundierung führen.
Wie bei zu großer Wärme, kann es auch hier zu
Ausdehnungen und Schrumpfungen kommen,
welche die Festigkeit und Haltbarkeit des Materials
beeinflussen. Feuchtigkeit fördert zudem das
Schimmelwachstum – auch bei Kunstwerken.Sie können auch lesen
