Neuerscheinungen Herbst 2022 New Publications Fall 2022 - KERBER VERLAG
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Neuerscheinungen Herbst 2022 New Publications Fall 2022
HIGHLIGHTS Mark Pinder 57
healing 5 Felix Dobbert 59
Maria Lassnig 7 Catrine Val 61
Frank Stella 9 Jason Langer 63
Pawe ł Althamer 11 Manfred Vollmer 65
Zurück ins Licht | Back into the Light 13 Stephie Braun 67
THE OPÉRA 15 Verna Kovanen 69
Christian Jungeblodt 71
Sissa Micheli 73
ART
Angela Hampel 19
DORÉ | VERGOLDET | GILDED 21 ARCHITECTURE
Miguel Rothschild 23 Geiselhart 77
Sven Drühl 25
René Wirths 27
Theresa Möller 29 BESTSELLER 79
Sebastian Hosu 31
Hans Thomann 33
Ruth Maria Obrist 35
COLLECTOR’S EDITION 83
Roland Fischer 37
Jürgen Heinrich 39
Benno Blome 41
Frühjahr | Spring 2022 86
PHOTO
Neumarkt 45
Tom Nagy 47 Bildnachweis | Image Credits 92
Riccardo Fregoso 49
Auslieferungen und Vertretungen
Stefan Bladh 51
Distribution and Representation 94
John Peter Askew 53
John Kippin & Nicola Neate 55 Verzeichnis | Index 96
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Dear booksellers, friends of books,
and art lovers,
Liebe Buchhändler*innen, Bücherfreund*innen the challenges of the time are not decreasing. We are thus glad
und Kunstbegeisterte, that at least personal contact is increasing again and that many
artists are traveling to Bielefeld for the printing of their books at
die Herausforderungen der Zeit nehmen nicht ab. Wir sind our in-house printing plant in order to facilitate the production
daher froh, dass zumindest persönliche Kontakte wieder of special publications with us on site.
zunehmen und viele Künstler*innen zum Druck in unsere
verlagseigene Druckerei nach Bielefeld reisen, um mit uns vor At a time of paper scarcity and rising costs, our in-house
Ort besondere Publikationen entstehen zu lassen. printing plant offers the special privilege of autonomy, with
which we are able to provide the greatest possible reliability
In Zeiten der Papierknappheit und steigender Kosten bietet and the usual excellent quality. The fact that our passion for
unsere eigene Druckerei das besondere Privileg der Autonomie, high-quality art books has now also been recognized with the
mit dem wir größtmögliche Verlässlichkeit und die gewohnt award of the 2022 Deutscher Verlagspreis (German Publishing
hervorragende Qualität gewährleisten können. Dass unsere Prize) fills us with pride and gratitude.
Leidenschaft für hochwertige Kunstbücher nun auch mit dem
Deutschen Verlagspreis 2022 gewürdigt wurde, erfüllt uns mit A diverse range of fascinating publications can once again be
Stolz und Dankbarkeit. found in our fall program. We are looking forward to exhibition
catalogues on great international artists such as Maria Lassnig
Der Herbst hält wieder einmal eine Vielfalt spannender Pu- and Frank Stella and publications on established positions such
blikationen bereit. Wir freuen uns auf Ausstellungskataloge zu as those of Paweł Althamer and Angela Hampel, as well as on
internationalen Größen wie Maria Lassnig und Frank Stella, auf young artists like Sebastian Hosu and Stephie Braun.
Publikationen zu etablierten Positionen wie Paweł Althamer und
Angela Hampel sowie zu jungen Künstler*innen wie Sebastian Two noteworthy titles in our fall program come from Frankfurt
Hosu und Stephie Braun. am Main. The Weltkulturen Museum’s publication healing,
which accompanies the exhibition of the same name, examines
Gleich zwei bemerkenswerte Titel unseres Programms kommen the possibilities of postcolonial, global coexistence—a highly
in diesem Herbst aus Frankfurt am Main. Das Weltkulturen topical issue, on which light is shed from artistic and scholarly
Museum setzt sich in der ausstellungsbegleitenden Publikation perspectives. The Jüdisches Museum is presenting four Jewish
healing mit den Möglichkeiten für ein postkoloniales globales women artists who have been largely forgotten and whose work
Miteinander auseinander – ein hochaktuelles Thema, das is now being made accessible to the public for the first time.
künstlerisch wie wissenschaftlich beleuchtet wird. Das Jüdische
Museum präsentiert vier jüdische Künstlerinnen, die in Verges- We are also very pleased to present our first-class photo books
senheit geraten sind und deren Werk nun erstmals wieder der from this program at Paris Photo. Besides the anniversary
Öffentlichkeit zugänglich gemacht wird. volume of our magazine on nude photography, THE OPÉRA,
there are also photo books by Frank Schinski, Jason Langer,
Auch freuen wir uns sehr darauf, unsere erstklassigen Fototitel and Catrine Val, amongst others.
aus diesem Programm auf der Paris Photo zu präsentieren.
Neben dem Jubiläumsband des Aktmagazins THE OPÉRA We hope you enjoy your journey of discovery through our
gehören unter anderem die Fotobücher von Frank Schinski, program.
Jason Langer und Catrine Val dazu.
Wir wünschen Ihnen viel Vergnügen bei der Entdeckungsreise
durch unser Programm.
Christof Kerber und | and Team 1
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HIGHLIGHTS
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Für ein globales Miteinander
Towards global coexistence
healing
Leben im Gleichgewicht
Life in Balance
Herausgegeben von | Edited by: Alice Pawlik
und | and Mona Suhrbier, Weltkulturen Museum,
Frankfurt am Main
Texte von | Texts by: Karin Bervoets, Wade Davis,
Mariana K. Leal Ferreira, Nildo José Miguel Fontes,
Margrit Jütte, Kerstin Kleemann, Fenton Lutunatabua,
Angeline Makore, Marion Marquardt, Larissa Lacerda
Menendez, Mark Münzel, Alice Pawlik, Clifford Saron,
Volker Scheid, Jens Soentgen, Mona Suhrbier
Gestaltung | Graphic design: Marie Dowling, Alice
Schaffner und | and Nina Gänsler, alma – Agentur für
Design und digitale Kommunikation, Mainz
16,8 ∞ 23 cm, ca. | approx. 256 S. | pp.,
ca. | approx. 130 farb. Abb. | col. ills.,
Klappenbroschur | Softcover with flaps
Erscheint im Oktober 2022
To be published October 2022
isbn 978-3-7356-0868-0
Deutsch | German
isbn 978-3-7356-0872-7 Unter dem Titel healing. Leben im Gleichgewicht erscheint begleitend zur Ausstellung im
Englisch | English
Weltkulturen Museum Frankfurt eine umfangreiche Publikation mit zahlreichen Abbil-
Ca. | approx. 5 40,– (D) chf 52,– dungen. Das Buch präsentiert alle teilnehmenden internationalen Künstler*innen in
persönlichen Gesprächen zum Thema „healing“ und erweitert den ethnologischen Blick,
auf Basis der Sammlung des Museums, um interdisziplinäre Perspektiven internationaler
(D) Wissenschaftler*innen und Aktivist*innen. Das Buch eröffnet einen vielstimmigen Dialog
und bietet Möglichkeiten für die Gestaltung eines postkolonialen globalen Miteinanders
(E) und für ein gesundes Leben im Gleichgewicht.
An extensive publication with numerous illustrations titled healing: Life in Balance is being
published to accompany the exhibition at the Weltkulturen Museum in Frankfurt. The book
presents all the participating international artists in personal conversations on the topic of
healing and, based on the museum’s collection, expands the ethnological view to include
interdisciplinary perspectives by international scholars and activists. The book opens up a
polyphonic dialogue and offers possibilities for designing postcolonial, global coexistence
and a healthy life in balance.
Künstler*innen | Artists: Marina Abramović, La Vaughn Belle,
Ausstellung | Exhibition: healing. Leben im Elena Bernabè, Roberta Carvalho, Magnus Døvigen, Alejandro Durán,
Gleichgewicht, 2.11.2022–3.9.2023, Weltkulturen Marco del Fiol, Ayrson Heráclito, Feliciano Lana, Naziha Mestaoui,
Museum, Frankfurt am Main Michael O’Neill, Roldán Pinedo
5
6
Malerei und Grafik
aus verschiedenen
Schaffensperioden
Painting and graphic art
from various artistic stages
Maria Lassnig
Werke aus der Sammlung Klewan
Herausgegeben von | Edited by: Brigitte Hausmann,
Bezirksamt Steglitz-Zehlendorf von Berlin
Texte von | Texts by: Jenny Graser, Brigitte Hausmann,
Stefanie Heinzl
Gestaltung | Graphic design: Sarah Nöllenheidt,
NOC, Berlin
26 ∞ 27 cm, ca. | approx. 96 S. | pp.,
ca. | approx. 40 farb. Abb. | col. ills., Hardcover
Erscheint im September 2022
To be published September 2022
isbn 978-3-7356-0871-0
Deutsch | Englisch
German | English
Ca. | approx. 5 35,– (D) chf 45,50 Maria Lassnig (1919–2014) zählt zu den bedeutendsten Künstlerinnen der Kunst nach
1960. In ihrer jahrzehntelangen Karriere schuf sie ein ebenso umfangreiches wie singuläres
Œuvre auf den Gebieten der Malerei, Zeichnung und Grafik, mit punktuellen Exkursen in
den (Animations-)Film und die Plastik. Das Zentrum ihres Werks bilden Visualisierungen
körperlicher Empfindungen, sogenannte „Körperbewusstseinsbilder“. Ihre akribische
Selbstanalyse bekunden auch zahlreiche Selbstporträts.
Helmut Klewan begleitete Maria Lassnig über drei Jahrzehnte als Galerist. Daraus entwickelte
sich ein reicher Bestand an Ölmalereien und Papierarbeiten nebst einer Plastik. Vierzig
Werke aus verschiedenen Schaffensphasen wurden für die Ausstellung in Berlin ausgewählt.
Maria Lassnig (1919–2014) is one of the most important women artists in art after 1960.
Over her decades-long career, she produced an extensive and singular oeuvre in the fields of
painting, drawing, and graphic reproductions, with intermittent excursions into (animation)
film and sculpture. At the center of her work are visualizations of physical perceptions,
or so-called body-awareness pictures. Her painstaking self-analyses are also expressed in
numerous self-portraits.
Helmut Klewan accompanied Maria Lassnig as a gallerist for over three decades. This led
to the development of a rich inventory of oil paintings and works on paper as well as one
sculpture. Forty works from various creative phases were selected for the exhibition in Berlin.
Ausstellung | Exhibition: Maria Lassnig – Werke
aus der Sammlung Klewan, 16.9.2022–26.2.2023,
Gutshaus Steglitz, Berlin
7
8
Frühe Werke und aktuelle
Skulpturen des
US-amerikanischen Malers
und Bildhauers
Early works and recent
sculptures by the
U.S. painter and sculptor
Frank Stella
Alexej-von-Jawlensky-Preis 2022
Herausgegeben von | Edited by: Jörg Daur, Museum
Wiesbaden
Texte von | Texts by: Bernard Ceysson, Jörg Daur,
Andreas Henning, Lea Schäfer
Gestaltung | Graphic design: Frank Bernhard Übler,
Leipzig
24 ∞ 29 cm, ca. | approx. 144 S. | pp.,
ca. | approx. 116 farb. Abb. | col. ills., Hardcover
Erscheint im Juli 2022
To be published July 2022
isbn 978-3-7356-0873-4
Deutsch | Englisch
German | English
Ca. | approx. 5 48,– (D) chf 62,40
Frank Stella (*1936) verortet sein Werk nicht allein in der Gegenwart. Abstraktion oder
Gegenständlichkeit, Abbild, Zeichen und Ornament, ebenso wie Fragen nach Fläche und
Raum stellten sich ihm immer wieder neu.
Die Publikation präsentiert im Kontext der Wiesbadener Sammlung folgende Werkphasen: die
frühen, dem Minimalismus zugeschriebenen Streifenbilder, den Aufbruch in den Raum, also
vom Bild zum Relief sowie die Verwendung von Ornament und Arabeske. Im Zusammenspiel
mit aktuellen Skulpturen des Künstlers wird damit nicht nur die Stringenz seines Werkes,
sondern auch die Relevanz seines Arbeitens bis in die Gegenwart belegt.
Frank Stella (*1936) situates his oeuvre not only in the present. Abstraction or representation,
simulacrum, sign, and ornament, as well as questions of surface and space have fascinated
him anew time and again.
The publication presents the following phases in his oeuvre in the context of the Museum
Wiesbaden’s collection: the early works, the stripe paintings attributed to minimalism, the
departure into space, and thus from the picture to the relief, as well as the use of ornament
and arabesque. In interplay with current sculptures by the artist, not only the rigorousness of
his oeuvre but also the relevance of his work until today is thus shown.
Ausstellung | Exhibition: Frank Stella. Alexej-von-
Jawlensky-Preis 2022, 10.6.–9.10.2022, Museum
Wiesbaden
910
Publikation zur Ehrung
des polnischen Künstlers
Publication honoring
the Polish artist
Pawe ł Althamer
Lovis-Corinth-Preis 2022
Herausgegeben von | Edited by: Agnes Tieze,
Kunstforum Ostdeutsche Galerie
Texte von | Texts by: Pawe ł Althamer, Karol Sienkiewicz,
Agnes Tieze
Gestaltung | Graphic design: Wolfgang Maier,
Kunstforum Ostdeutsche Galerie
23 ∞ 28 cm, ca. | approx. 112 S. | pp.,
ca. | approx. 70 farb. Abb. | col. ills.,
Softcover
Erscheint im Juni 2022
To be published June 2022
isbn 978-3-7356-0850-5
Deutsch | Englisch
German | English
Ca. | approx. 5 38,– (D) chf 49,40
Der international agierende Bildhauer und Performance-Künstler Paweł Althamer (*1967)
arbeitet oft an Projekten in geplanten oder zufälligen Kooperationen, die sozial belastete
Strukturen aufzubrechen versuchen. Auf spirituelle Weise, frei von konkreten religiösen
Auffassungen, setzt er sich immer wieder mit seinem Selbstporträt auseinander. Mit
ungewöhnlichen Techniken, Materialien und Vorgehensweisen erweitert Althamer den
herkömmlichen Kunstbegriff. Soziale Initiativen bestimmen wesentlich sein künstlerisches
Programm. Die Publikation erscheint anlässlich der Ausstellung zur Ehrung Paweł
Althamers mit dem Lovis-Corinth-Preis 2022 und ist seinen bisherigen Projekten sowie
neuen Arbeiten gewidmet.
The internationally active sculptor and performance artist Paweł Althamer (*1967) often
works on projects in planned or chance collaborations that attempt to break open socially
charged structures. He examines his self-portrait again and again in a spiritual way, free from
any concrete religious viewpoints. Althamer broadens the conventional concept of art with
unusual techniques, materials, and approaches. Social initiatives significantly determine
his artistic program. The publication is produced on the occasion of the exhibition to mark
Paweł Althamer being awarded the 2022 Lovis Corinth Prize and is dedicated to his projects
so far as well as to new works.
Ausstellung | Exhibition: Pawe ł Althamer.
Lovis-Corinth-Preis 2022, 3.6.–11.9.2022,
Kunstforum Ostdeutsche Galerie, Regensburg
1112
Jüdische Künstlerinnen –
wiederentdeckt
Jewish women artists –
rediscovered
Zurück ins Licht
Vier Künstlerinnen –
Ihre Werke, ihre Wege
Back into the Light
Four Women Artists –
Their Works, Their Paths
Herausgegeben von | Edited by: Eva Sabrina Atlan,
Mirjam Wenzel, Jüdisches Museum Frankfurt
Texte von | Texts by: Eva S. Atlan, Monica Bohm-
Duchen, Dennis Eiler, Annika Friedman, Pim Griffioen,
Rachel Heuberger, Eva-Maria Höllerer, Susan
Nashman-Fraiman, Astrid Schmetterling, Tim Voss,
Barbara Weidle, Mirjam Wenzel, Christina Wieder
Gestaltung | Graphic design: Regina Schauerte,
Formfellows Kommunikations-Design,
Frankfurt am Main
23 ∞ 28 cm, ca. | approx. 176 S. | pp.,
ca. | approx. 130 farb. Abb. | col. ills., Hardcover
Erscheint im November 2022
To be published November 2022 Mit dem Ausstellungskatalog Zurück ins Licht. Vier Künstlerinnen – Ihre Werke, ihre Wege
isbn 978-3-7356-0856-7 widmet sich das Jüdische Museum Frankfurt vier wiederentdeckten Künstlerinnen.
Deutsch | German Erna Pinner (1890–1987), Rosy Lilienfeld (1896–1942), Amalie Seckbach (1870–1944)
isbn 978-3-7356-0863-5 und Ruth Cahn (1875–1966) prägten das künstlerische Leben der 1920er-Jahre in Frankfurt
Englisch | English am Main und wurden auch überregional wahrgenommen. Die nationalsozialistische
Ca. | approx. 5 45,– (D) chf 58,50 Herrschaft beendete nicht nur die kosmopolitische Lebensweise, die sie pflegten, sondern
bedrohte ihre Arbeit und ihr Leben. In Katalogbeiträgen von renommierten Kunsthistoriker*innen
wird auf die Werke der vier Künstlerinnen eingegangen. Zahleiche Werkabbildungen und bisher
(D) unveröffentlichte Dokumente und Briefe begleiten diese Texte. In kulturwissenschaftlichen
Beiträgen von internationalen Expert*innen werden zudem die verschiedenen historischen
(E) Kontexte der einzelnen Lebens- und Schicksalswege dargestellt.
With the exhibition catalogue Back into the Light: Four Artists – Their Works, Their Paths,
the Jüdisches Museum Frankfurt has dedicated itself to four rediscovered women artists.
Erna Pinner (1890–1987), Rosy Lilienfeld (1896–1942), Amalie Seckbach (1870–1944),
and Ruth Cahn (1875–1966) shaped the artistic life of the 1920s in Frankfurt am Main and
Ausstellung | Exhibition: Zurück ins Licht / Back into
were also noticed supraregionally. National Socialist rule brought an end not only to the
the Light, 24.11.2022–17.4.2023, Jüdisches Museum
Frankfurt cosmopolitan way of life that they cultivated, but also threatened their work and their lives.
Renowned art historians examine the works of the four artists in essays for the catalogue.
Numerous illustrations and hitherto unpublished documents and letters accompany these
Künstler*innen | Artists:
Ruth Cahn, Rosy Lilienfeld, Erna Pinner, texts. The various historical contexts of their individual lives and fate are also presented in
Amalie Seckbach cultural studies essays by international experts.
1314
Der Sammelband mit
den Highlights der
letzten zehn Ausgaben
The anthology with the
highlights of the last
ten issues
THE OPÉRA
Anniversary Issue – Best of
Classic & Contemporary
Nude Photography
Herausgegeben von | Edited by: Matthias Straub
Texte von | Texts by: Matthias Straub
Gestaltung | Graphic design: Steffen Knöll & Sven Tillack,
Studio TillackKnöll, Stuttgart
Jubiläums-
24 ∞ 31 cm, ca. | approx. 340 S. | pp.,
ca. | approx. 300 farb. Abb. | col. ills., Hardcover ausgabe
Anniversary
Erscheint im Oktober 2022
To be published October 2022 Issue
isbn 978-3-7356-0852-9
Englisch | English
Ca. | approx. 5 100,– (D) chf 130,– Seit der Gründung von THE OPÉRA – Magazine for Classic & Contemporary Nude Photo-
graphy im Jahr 2012 ist jedes Jahr eine neue Ausgabe mit Arbeiten von mehr als dreißig
Fotografinnen und Fotografen pro Magazin unter der kreativen Leitung wechselnder
Gestalter*innen entstanden. Die schönsten Strecken aus zehn Ausgaben werden nun
erstmalig und in neuem Layout mit teilweise neuen Motiven in einem einzigartigen
Sammelband veröffentlicht. Das Engagement jeder Künstlerin und jedes Künstlers wird
Collector’s Edition in Vorbereitung |
is in the making dazu in einem persönlichen Textbeitrag geehrt.
Since the founding of THE OPÉRA – Magazine for Classic & Contemporary Nude Photography
in 2012, a new issue has been produced every year with work by more than thirty photographers
per issue under the creative direction of changing art directors. The most beautiful series
from ten issues are now published for the first time and in a new layout with partly new
motifs in a unique anthology. The commitment of each artist is honoured in a personal text
contribution.
Künstler*innen | Artists:
Evelyn Bencicova, Rachel de Joode, Henny de la Motte, Fabien Dettori,
Julia Fullerton-Batten, Thomas Hauser, Bart Hess, Petrina Hicks, Mayumi Hosokura,
David PD Hyde, Maciek Jasik, Nadav Kander, Mona Kuhn, Joanne Leah, Kenny Lemes,
Julia Luzina, Ed Maximus, Stefan Milev, Thomas Sing, Laura Stevens, Erika Svensson,
Marc van Dalen, Sean Patrick Watters, Roger Weiss, Milena Wojhan, Bastiaan Woudt,
Daisuke Yokota, Lin Zhipeng
1516
17
ART18
Überblick über eine
einzigartige künstlerische
Laufbahn
Overview of a unique
artistic career
Angela Hampel
Das künstlerische Werk
The Artistic Work
Herausgegeben von | Edited by: April A. Eisman und | and
Gisbert Porstmann, Städtische Galerie Dresden
Texte von | Texts by: Hedwig Döbele, April A. Eisman,
Silke Wagler, Angelika Weißbach
Gestaltung | Graphic design: Denise Walther, Pixel
hausgemacht!, Dresden
22,8 ∞ 28 cm, ca. | approx. 224 S. | pp.,
ca. | approx. 182 farb. Abb. | col. ills.,
Hardcover
Erscheint im Juni 2022
To be published June 2022
isbn 978-3-7356-0854-3
Deutsch | Englisch
German | English
Ca. | approx. 5 38,– (D) chf 49,40
Der Katalog Angela Hampel – Das künstlerische Werk erscheint anlässlich der gleichnamigen
Ausstellung in der Städtischen Galerie Dresden. Er enthält mehr als 180 Abbildungen, zudem
wissenschaftliche Texte zu den Werkbereichen Malerei, Grafik, Installation, Performance,
Künstlerbuch und Arbeit im öffentlichen Raum. Ein Rückblick auf ihre Rezeption in den
1980er-Jahren, eine Besprechung ihrer aktuellen künstlerischen Tätigkeit sowie eine umfas-
sende illustrierte Biografie gewähren nie zuvor veröffentlichte Einsichten in das Leben und
Schaffen von Angela Hampel.
The catalogue Angela Hampel – The Artistic Work is being published on the occasion of
the exhibition with the same title at the Städtische Galerie Dresden. It contains more than
180 illustrations, as well as scholarly texts on Hampel’s artistic media: painting, graphics,
installation, performance, artist books, and work in public space. A look back at her reception
in the 1980s, a discussion of her current artistic work, and an extensively illustrated biography
provide never before published insights into Angela Hampel’s life and oeuvre.
Ausstellung | Exhibition: Angela Hampel –
Das künstlerische Werk, 25.5.–11.9.2022,
Städtische Galerie Dresden
1920
Gold in der
zeitgenössischen Kunst
Gold in contemporary art
DORÉ
VERGOLDET
GILDED
Recontextualiser l’attrait de
l’or | Von neuen Allianzen und
Verschmelzungen | A Matter of
Allure
Herausgegeben von | Edited by: Karin Scheel, Schloss
Biesdorf, Bezirksamt Marzahn-Hellersdorf von Berlin /
Fachbereich Kultur; Vincent Lieber, Château de Nyon,
Service de la Culture
Texte von | Texts by: Vincent Lieber, Karin Scheel,
Harald F. Theiss
Konzept | Concept: Harald F. Theiss
Gestaltung | Graphic design: Polina Bazir, Kerber Verlag
17 ∞ 24 cm, 128 S. | pp., 70 farb. Abb. | col. ills.,
Klappenbroschur | Softcover with flaps
isbn 978-3-7356-0848-2
Deutsch | Französisch | Englisch
German | French | English
5 26,50 (D) chf 34,50
Ist die wiederkehrende Hinwendung zu einem traditionsaufgeladenen Material in der
zeitgenössischen Kunst der Versuch, das Edelmetall vom historischen Erbe, von Prunk und
Pathos zu befreien? Wird damit die Aussage „es ist nicht alles Gold, was glänzt“ überprüft,
indem der stets begehrte und glänzende Werkstoff in andere Zusammenhänge übertragen
oder verschoben wird? Die von Harald F. Theiss kuratierte Ausstellung DORÉ | VERGOLDET |
GILDED und der begleitende Katalog vereinen Werke der zeitgenössischen Kunst, die
sich mit dem Werk- und Farbstoff Gold auseinandersetzen und reflektieren die damit
verknüpften Vorstellungen von Wert und Symbolkraft.
Künstler*innen | Artists: Olivia Berckemeyer, Antje
Is contemporary art’s recurring turn to a material with a rich tradition an attempt to free
Blumenstein, Ruth Campau, Marianne Engel, Luka
Fineisen, Niklas Goldbach, Eckart Hahn, David
the precious metal from its historical heritage, from grandeur and pathos? Is the saying “all
Krippendorff, Claudia Kugler, Alicja Kwade, Andréas that glitters is not gold” thus put to a test by transferring or shifting the always sought-after,
Lang, Via Lewandowsky, Michael Müller, Sebastian glittery material to other contexts? The exhibition DORÉ | VERGOLDET | GILDED, curated by
Neeb, Andrea Pichl, Johanna Reich, Julian Röder, Harald F. Theiss, and the accompanying catalogue bring together works of contemporary art
Stéphanie Saadé, Michael Sailstorfer, Karin Sander,
that deal with gold as a material and coloring agent and thus reflect the notions of value and
Karina Spechter, Henrik Strömberg, Philip Topolovac,
symbolic power connected with it.
Panos Tsagaris, Frauke Wilken, Andrea Winkler,
Clemens Wolf, He Xiangyu
Ausstellung | Exhibition: DORÉ | VERGOLDET | GILDED,
15.4.–14.8.2022, Château de Nyon, Schweiz | Switzerland;
12.6.– 28.8.2022, Schloss Biesdorf, Berlin
2122
Apokalyptische
Visionen
Apocalyptic visions
Miguel Rothschild
Premonition
Herausgegeben von | Edited by: Miguel Rothschild
Texte von | Texts by: Helen Adkins
Gestaltung | Graphic design: Harri Kuhn,
mischen, Berlin
21 ∞ 28 cm, 128 S. | pp., 50 farb. Abb. | col. ills.,
Hardcover, Leineneinband | clothbound
Erscheint im Juni 2022
To be published June 2022
isbn 978-3-7356-0816-1
Englisch | English
Ca. | approx. 5 48,– (D) chf 62,50
In der Monografie mit dem Titel Premonition (deutsch: Vorahnung) präsentiert Miguel
Rothschild (*1963) eine Auswahl von Arbeiten aus seinen letzten beiden Serien. Der in Berlin
lebende argentinische Künstler beschäftigt sich darin mit Geistern und der Apokalypse.
Die mystisch konnotierten Fotografien des Himmels und der Wälder erhalten durch Brandlöcher
eine zweite Ebene – sowohl inhaltlich als auch bildlich. Hier steigen die Waldgeister zwischen
den Baumwipfeln empor, dort sind es die barocken oder romantischen Himmelansichten,
die diese dämonischen und zugleich verführerischen Seelen empfangen. Rothschilds
mehrdeutige Visionen fordern uns dazu auf, unsere Beziehung zur Natur zu hinterfragen.
In the monograph with the title Premonition, Miguel Rothschild (*1963) presents a selection
of works from his two most recent series. In them, the Berlin-based, Argentinian artist
occupies himself with spirits and the apocalypse. The mystically connoted photographs
of skies and forests are given a second layer of meaning—both in terms of content and
the visual—through the use of burn holes. Here the spirits of the forest ascend between
the treetops, there it is a baroque or romantic sky that receives these demonic and at the
same time alluring souls. Rothschild’s ambiguous visions prompt us to interrogate our
relationship to nature.
Ausstellung | Exhibition: Premonition, Bendana | Pinel
Art Contemporain, Paris
2324
Neue Landschaftsgemälde
des Berliner Künstlers
New landscape paintings
by the Berlin artist
Sven Drühl
Die Aufregung. 20 years later!
Herausgegeben von | Edited by: Susanne Wedewer-
Pampus, Kunstverein Leverkusen Schloss Morsbroich e. V.
Texte von | Texts by: Gerhard Finckh,
Susanne Wedewer-Pampus
Gestaltung | Graphic design: Claudia Bachmann,
Berlin
17 ∞ 24 cm, ca. | approx. 80 S. | pp.,
ca. | approx. 40 farb. Abb. | col. ills.,
Hardcover
Erscheint im November 2022
To be published November 2022
isbn 978-3-7356-0865-9
Deutsch | Englisch
German | English
Ca. | approx. 5 30,– (D) chf 39,–
Die erste institutionelle Präsentation mit Werken von Sven Drühl fand im Jahr 2002 unter
dem Titel Die Aufregung im Museum Morsbroich Leverkusen statt. Die Räume, in denen
das Museum damals junge Positionen vorstellte, werden seit vielen Jahren vom Kunstverein
Leverkusen Schloss Morsbroich e. V. bespielt. Nun kehrt Sven Drühl, der für seine künstleri-
schen Adaptionen und Remixe bekannt ist, mit seinen neuen Landschaftsgemälden, die auf
rein virtuellen Vorlagen basieren, an diesen Ort zurück. Dort, wo künstlerisch seine Laufbahn
begonnen hat, zeigt der Künstler Gemälde und Bronzen aus den letzten sechs Jahren.
The first institutional presentation with works by Sven Drühl took place in 2002 under the title
Die Aufregung at the Museum Morsbroich in Leverkusen. The rooms in which the museum
presented the then young positions have been used by the Kunstverein Leverkusen Schloss
Morsbroich e. V. for many years. Sven Drühl, who is known for his artistic adaptations and
remixes, has now returned to this location with his new landscape paintings, which are
based purely on virtual models. In the place where his artistic career began, the artist is now
showing paintings and bronzes from the past six years.
Ausstellung | Exhibition: Sven Drühl: Die Aufregung. Zahlreiche weitere Publikationen und eine Collector’s Edition des
20 years later!, 4.11.–4.12.2022, Kunstverein Leverkusen Künstlers sind bei uns erhältlich. | Numerous further publications and
Schloss Morsbroich e. V., Leverkusen a Collector’s Edition by the artist also available from our publishing house.
2526
Hyperrealistische Malerei
aus Berlin
Hyperrealistic painting
from Berlin
René Wirths
ZEUG
Herausgegeben von | Edited by: Galerie Michael Haas,
Berlin, Zürich | Zurich; Templon, Paris, Brussel |
Brussels, New York; Reflex, Amsterdam
Texte von | Texts by: Richard Leydier, Janna
Oltmanns, Anne Waak, René Wirths
Gestaltung | Graphic design: Andreas Koch, Berlin
24 ∞ 28 cm, ca. | approx. 272 S. | pp.,
zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills.,
Hardcover
Erscheint im August 2022
To be published August 2022
isbn 978-3-7356-0867-3
Deutsch | Englisch | Französisch
German | English | French
Ca. | approx. 5 60,– (D) chf 78,–
Das Buch ist ein Hybrid zwischen Künstlerbuch und Werkverzeichnis und bietet einerseits
den kompletten Überblick über die seit 2006 entstandenen Werke des Berliner Malers René
Wirths, andererseits sortiert es diese in Gruppen nach teils formalen, teils inhaltlichen, oft
auch überraschenden Kriterien. Wirths ist ein Maler von Dingen, dessen Bilder sich trotz ihrer
hyperrealistischen Detailgenauigkeit wieder auflösen in Farbe und Abstraktion. So werden
die abgebildeten Motive ihrer „Eigentlichkeit“ (M. Heidegger) beraubt und der Malprozess
zu einer phänomenologischen Untersuchung der uns umgebenden Dingwelt. Das Buch
folgt diesen Untersuchungen und fügt dem erstaunlichen Werk René Wirths durch die
Anordnung neue Aspekte hinzu.
The book is a hybrid between an artist book and a catalogue raisonné and provides a complete
overview of the works created since 2006 by the Berlin-based painter René Wirths. The works
are also sorted into groups based on in part formal, in part content-related, and often surprising
criteria. Wirths is a painter of things whose pictures, despite their hyperrealistic attention to
detail, nevertheless dissolve again into color and abstraction. The motifs depicted are thus
robbed of their “authenticity” (to quote Heidegger) and become a phenomenological exami-
nation of the things that surround us. The book pursues these examinations and supplements
the astounding oeuvre by positing new aspects.
2728
Malerei zwischen
Gegenständlichkeit und
Abstraktion
Painting between figuration
and abstraction
Theresa Möller
Dis-Nature
Herausgegeben von | Edited by: She BAM! Galerie
Lætitia Gorsy
Texte von | Texts by: Lætitia Gorsy, Theresa Möller,
Sarie Nijboer
Gestaltung | Graphic design: Studio Pandan, Berlin
21 ∞ 27 cm, ca. | approx. 70 S. | pp.,
ca. | approx. 30 farb. Abb. | col. ills., Hardcover
Erscheint im Oktober 2022
To be published October 2022
isbn 978-3-7356-0849-9
Deutsch | Englisch | Französisch
German | English | French Theresa Möller (*1988) geht den unauflösbaren Übergängen und tragischen Verstrickungen
Ca. | approx. 5 35,– (D) chf 45,50 von kultureller Entwicklung und natürlicher Evolution nach. Ihre Arbeiten beziehen sich auf
die sinnliche Farben- und Formenvielfalt und die zugleich tiefe Verletzlichkeit der Natur. Die
von Möller verwendeten Farben sind süße Mauvetöne, pudrige Blautöne, fruchtiges Orange
und Meeresgrün. Gelegentlich tauchen Formen auf, die an Architektur erinnern, aber doch
Naturformen sind: Horizontlinien und natürliche Geometrien. Der künstlerische Ansatz ist
phantasmagorisch und spiegelt eine gequälte Innenwelt, in der auch wichtige Sorgen der
Gegenwart anklingen. Theresa Möllers Buch Dis-Nature ist eine Einladung, ihren Blick auf
die Natur und ihre Vision zeitgenössischer Malerei zu entdecken.
Theresa Möller (*1988) explores the tragic entanglement and indissoluble interdependency
of natural evolution and cultural development. Her work is inspired by the deep vulnerability
and the sensual opulence of colors and forms of nature. The shades she uses are sweet
mauves, powdery blues, fruity oranges, and sea greens. Architectures reappear occasionally
through horizon lines and geometrical forms created by Nature. The artistic approach is
phantasmagorical and reflects a tormented inner space, which also outlines major current
contemporary concerns. Theresa Möller’s book Dis-Nature is an invitation to discover her
own Nature and her vision of contemporary painting.
Ausstellung | Exhibition: Theresa Möller, September 2022,
She BAM! Galerie Lætitia Gorsy, Leipzig
2930
Junge Malerei aus Leipzig
Young painting from Leipzig
Sebastian Hosu
ballad for space lovers
Herausgegeben von | Edited by: Galerie Philipp Anders
Texte von | Texts by: Christoph Tannert, Anka Ziefer
Gestaltung | Graphic design: Felix Holler, Leipzig
23 ∞ 31 cm, ca. | approx. 128 S. | pp.,
ca. | approx. 65 farb. Abb. | col. ills., Hardcover
Erscheint im Juli 2022
To be published July 2022
isbn 978-3-7356-0844-4
Deutsch | Englisch
German | English In seinem neuen Katalog ballad for space lovers zeichnet der Künstler Sebastian Hosu (*1988)
Ca. | approx. 5 35,– (D) chf 45,50 sein künstlerisches Schaffen der letzten Jahre seit Beendigung des Meisterschülerstudiums
in Leipzig nach. Schaffens- und Lebensmittelpunkt des gebürtigen Rumänen ist die alte
Baumwollspinnerei in Leipzig, eines der wichtigsten deutschen Künstler*innenzentren
unserer Zeit. Hosus Bilder zeichnen sich durch einen expressiven Duktus aus, als wären sie
in nur einem Atemzug entstanden. Seine dynamischen, oft fleischfarbenen Formen lassen
Körper erahnen und fließen in einen lebendigen Naturraum ein. Ob leuchtende Ölmalerei
oder Kohlezeichnung – Hosus Bildwerke sind von starker körperlicher Präsenz und nehmen
die Betrachtenden mit auf eine Reise durch Raum und Zeit.
In his new catalogue ballad for space lovers, the artist Sebastian Hosu (*1988) traces his
creative work of the past years since completing his master class studies in Leipzig.
The center of the creative work and life of the Rumanian-born artist is the old Leipziger
Baumwollspinnerei (cotton-spinning mill), one of the most important artist centers in
Germany of our time. Hosu’s pictures are distinguished by an expressive characteristic style,
as if created in just one single breath. His dynamic, often flesh-colored forms give rise to
the suggestion of bodies and flow into a living natural environment. Whether luminous oil
painting or charcoal drawings—Hosu’s pictorial works have a strong physical presence and
take viewers along with them on a journey through space and time.
Ausstellung | Exhibition: ballad for space lovers,
Mai–Juni | May–June 2022, Galerie Philipp Anders,
Leipzig
3132
Skulpturen voller
Ambivalenz und Humor
Sculptures full of
ambivalence and humor
Hans Thomann
HUMAN – BODY – FIGURE
Herausgegeben von | Edited by: textkurve,
Baumgartner & Annaheim, Zürich | Zurich
Texte u. a. von | Texts by authors including:
Judith Annaheim, Dorothée Mesmer, Roland Wäspe,
Thomas Zeuge
Gestaltung | Graphic design: textkurve,
Baumgartner & Annaheim, Zürich | Zurich
24 ∞ 33 cm, ca. | approx. 184 S. | pp.,
ca. | approx. 200 farb. Abb. | col. ills., Hardcover,
Halbleineneinband | half-linen
Erscheint im September 2022
To be published September 2022
isbn 978-3-7356-0804-8
Deutsch | Englisch
German | English
Ca. | approx. 5 50,– (D) chf 65,–
Im Werk Hans Thomanns (*1957) ist die Figur die Konstante. Den Bildhauer beschäftigt die
Frage, wie der Mensch sich selbst darstellt und wahrnimmt. Von lebensgroßen menschlichen
Skulpturen über Superman und Zwerge bis zur Jesusfigur geht Hans Thomann den kulturell
geprägten Vorstellungen auf den Grund, die sich nicht selten als zerbrechliche Illusionen
entpuppen. Die Ambivalenz ist der ständige Begleiter des Künstlers, jedoch ebenso der
Humor. Mit seiner Arbeit, die auch zahlreiche Installationen im öffentlichen Raum und in
Geschäftsräumen umfasst, betreibt Hans Thomann eine kontinuierliche Reflexion über die
menschliche Existenz. Die Auseinandersetzung umfasst auch sakrale Räume, in denen er
inspirierende, kritische oder provokative Interventionen verwirklicht.
The figure is a constant in the work of Hans Thomann (*1957). The sculptor is interested in
the question of how people present and perceive themselves. Thomann sounds out cultural
conceptions, which quite often turn out to be fragile illusions, in life-size human sculptures
of figures from Superman and dwarves to Jesus. Ambivalence, just like humor, is one of the
artist’s constant companions. With his works, which include numerous installations in public
space and commercial premises, Hans Thomann continuously reflects on human existence.
His examinations also comprise sacred spaces, in which he realizes critical or provocative
interventions.
3334
Sensible
Materialerkundungen
Sensitive material
explorations
Ruth Maria Obrist
the poetry of logic
Herausgegeben von | Edited by: textkurve,
Baumgartner & Annaheim, Zürich | Zurich
Texte von | Texts by: Judith Annaheim, Feli Schindler,
Claudia Spinelli
Gestaltung | Graphic design: textkurve,
Baumgartner & Annaheim, Zürich | Zurich
20,5 ∞ 25,5 cm, 288 S. | pp., 561 farb. Abb. | col. ills.,
Hardcover, Halbleineneinband | half clothbound
isbn 978-3-7356-0841-3
Deutsch | Englisch
German | English
5 55,– (D) chf 71,50
Ein Klang mathematischer Gültigkeit begleitet das Schaffen von Ruth Maria Obrist. Ihre
Objekte und Installationen folgen Themen wie Mathematik – Chaos und Ordnung –
Raum, Leerraum, Proportionen und Volumen. Über Jahre hinweg beschäftigt sie das Meer
zwischen Schönheit, Zerstörung und Heilung. Ruth Maria Obrists Werke sind von intensiver
Materialität: Mit Bitumen, Weißleim, Mercuchrom, Gold oder Rost erschafft sie sinnliche
Oberflächen, die – formal auf das Wesentliche reduziert – eine poetische Leichtigkeit
entfalten. Dieses Buch umfasst Werke der Jahre 2000 bis 2021, darunter auch einige der
zahlreichen Arbeiten, die Ruth Maria Obrist in Zusammenarbeit mit Architekt*innen und im
öffentlichen Raum realisiert hat.
There is a trace of timeless arithmetic validity in the work of Ruth Maria Obrist. Her objects
and installations explore themes such as mathematics—chaos and order—space, void,
proportion, and volume. Over the years, the ocean, too, caught between beauty, destruction
and healing, has been a central theme. Ruth Maria Obrist’s works are of a profound
materiality. Using bitumen, white glue, mercurochrome, gold or rust, she creates sensory
surfaces that—formally reduced to the essential—exude a poetic ease. This book covers
works from the years 2000 to 2021, including some of the numerous projects that Ruth
Maria Obrist realized together with architects and in public spaces.
3536
Konzeptuelle Fotografie
Conceptual photography
Roland Fischer
In ein Bild geschrieben
Written in an Image
Herausgegeben von | Edited by: Ute Bopp-Schumacher,
Dr.-Hanns-Simon-Stiftung
Texte von | Texts by: Ute Bopp-Schumacher,
Roland Fischer, Stephanie Kaak, Björn Vedder,
Bernhard Waldenfels
Gestaltung | Graphic design: Claas Möller,
claasbooks, Hamburg
24 ∞ 28,5 cm, 152 S. | pp., 101 farb. Abb. | col. ills.,
Hardcover
isbn 978-3-7356-0857-4
Deutsch | Englisch
German | English
5 38,– (D) chf 49,40
Roland Fischer (*1958) ist ein konzeptuell und in Serien arbeitender, international tätiger
Fotokünstler. Mit seinen großformatigen Werkfolgen zählt er seit den 1980er-Jahren
zur fotografischen Avantgarde. In seinem Schaffen konzentriert sich Fischer auf zwei
Werkkomplexe: Menschen und Architektur. Sämtliche konzeptuelle Serien zu diesen
beiden Themen werden in seiner neuen Publikation In ein Bild geschrieben vorgestellt.
Sachlich, hoch präzise abgelichtete Gesichter stehen im Zentrum der Serien wie Nonnen
und Mönche, Los Angeles Portraits und Chinese Pool Portraits. Architektur thematisiert der
Künstler u. a. in den Werkserien Kathedralen, Alhambra und New Architectures. Roland
Fischer geht es dabei nicht um den dokumentarischen Charakter von Fotografie. Seine
verdichteten Fotoarbeiten berühmter Bauten und Fassaden sind Bildschöpfungen mit
autonomen Charakter.
Roland Fischer (*1958) is a conceptual photo artist who works in series and is active
internationally. With his series of large-format works, he has been part of the photographic
avant-garde since the 1980s. In his oeuvre, Fischer concentrates on two complexes of works:
people and architecture. All of the conceptual series on these two themes are presented in
the catalogue. Matter-of-fact, very precisely exposed faces are central to series such as Nuns
and Monks, Los Angeles Portraits, and Chinese Pool Portraits. The artist deals with architecture
Ausstellung | Exhibition: Roland Fischer. In ein Bild
amongst other topics in the work series Cathedrals, Alhambra, and New Architectures. What
geschrieben | Written in an Image, 3.4. – 24.7.2022, interests Roland Fischer, therefore, is not the documentary character of photography. His
Neue Galerie im Haus Beda, Bitburg concentrated photo works of famous buildings and façades are pictorial creations with an
autonomous character.
3738
Gestische Bildwelten
Gestural imagery
Jürgen Heinrich
Die Logik des Fragments
Texte von | Texts by: Andreas Beaugrand,
Antje Doßmann, Claudia Melzer, Susanne Ring
Gestaltung | Graphic design: Roman Girsikorn,
Bielefeld
18 ∞ 33 cm, ca. | approx. 208 S. | pp.,
zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover
Erscheint im Oktober 2022
To be published October 2022
isbn 978-3-7356-0875-8
Deutsch | German
Ca. | approx. 5 45,– (D) chf 58,50
Weitere erhältliche Publikationen |
Further available publications
In den vergangenen drei Jahren hat sich der Künstler Jürgen Heinrich (*1962) ausgiebig mit
den offenen Formen des Fragments beschäftigt. Seine Zeichnungen und Bilder sind
entweder mimetische Umrisse eines empfundenen, erlebten Ereignisses oder selbstständige
gestische Strukturen. Es sind Organismen aus Linien, Flächen und Farben, die Naturformen
nur soweit enthalten, sofern sie als Schlüssel zum Verständnis notwendig sind. In seinem
Buch Die Logik des Fragments präsentiert er die Resultate seiner künstlerischen Auseinander-
Jürgen Heinrich Jürgen Heinrich setzung in abstrakten Zeichnungen, Bildern, Texten und Buchunikaten. Literarische
Notturno Im Labyrinth Beiträge und wissenschaftliche Positionen unterschiedlicher Autor*innen begleiten diese
978-3-7356-0713-3 978-3-7356-0362-3
5 35,– (D) 5 36,– (D) außerordentlichen Bildwelten.
chf 45,50 chf 47,–
In the last three years, the artist Jürgen Heinrich (*1962) has occupied himself extensively
with the open forms of fragments. His drawings and pictures are either mimetic contours
of a perceived, experienced event or autonomous gestural structures. They are organisms
consisting of lines, surfaces, and colors that include natural forms only to the extent that
they are necessary as a key to understanding. In his book Die Logik des Fragments (The Logic
of the Fragment), he presents the results of his artistic examination in abstract drawings,
pictures, texts, and unique books. Literary essays and scholarly positions by various authors
accompany these extraordinary pictorial worlds.
Ausstellung | Exhibition: Die Logik des Fragments,
Oktober | October 2022, Künstlerhaus Lydda, Bielefeld
3940
Rhythmische Reduktionen
Rhythmic reductions
Benno Blome
66 ZAUBERZEICHNUNGEN
Texte von | Texts by: Francis Coffey, Regine Ehleiter
Gestaltung | Graphic design: Benno Blome
23 ∞ 33 cm, 128 S. | pp., 66 einfarbige Abb. |
monochrome ills., Softcover, Schweizer Broschur |
Swiss brochure
Erscheint im Sommer 2022
To be published Summer 2022
isbn 978-3-7356-0877-2
Deutsch | Englisch
German | English
Ca. | approx. 5 38,– (D) chf 49,40
Das Buch des Künstlers Benno Blome (*1979) ist eine Komposition aus Rhythmus, Bered-
samkeit und Schweigen. Es basiert auf einer Serie abstrakter Zeichnungen, die sich von
Begebenheiten und Gegenständen der realen Welt ableiten. Wenn auch die Zeichnungen
ihre Bedeutung hinter der klaren, reduzierten Linienführung verbergen, bleibt die Konkret-
heit dieser Vor-Bilder in den Arbeiten präsent.
In der Publikation verbinden sich die einzelnen Zeichnungen zu einer Art Text – einer
Erzählung aus dem Unbekannten. Auch wenn wir Schrift und Sprache dieses Textes nicht
beherrschen, lässt sich doch das eine oder andere Muster darin erkennen. Damit erwacht
auch die Neugier, das Andere, Unbekannte dieser Zeichnungen zu ergründen.
The book by the artist Benno Blome (*1979) is a composition of rhythm, eloquence, and
silence. It is based on a series of abstract drawings derived from incidents and objects in the
real world. Even though the drawings conceal their meaning behind the clear, reduced line
management, the concreteness of these models remains present in the works.
In the publication, the individual drawings are combined into a sort of text—a story from the
unknown. Even if we are not proficient in the writing and language of this text, it is possible
to recognize one pattern or another in it. This also gives rise to curiosity to fathom the other,
the unknown in these drawings.
Ausstellung | Exhibition: ER IST ICH UND ICH BIN DU,
17.6. – 17.7.2022, Maquis Mami Wata, Mannheim
4142
43
PHOTO44
Hinter den Kulissen der
einzigartigen Konzertreihe
Behind the scenes of the
unique concert series
Neumarkt
mit Fotografien von
Frank Schinski
with photographs by
Frank Schinski
Herausgegeben von | Edited by: Neumarkter
Konzertfreunde e. V.
Texte von | Texts by: Peter Gülke, András Schiff,
Dariusz Szymanski
Gestaltung | Graphic design: Stephanie Roderer,
Büro für visuelle Gestaltung, München l Munich
24 ∞ 32 cm, ca. | approx. 304 S. | pp.,
inkl. 32 verkürzten Seiten | incl. 32 shortened pages,
175 farb. Abb. | col. ills., Hardcover
Erscheint im Juli 2022
To be published July 2022
isbn 978-3-7356-0845-1
Deutsch | German
isbn 978-3-7356-0846-8
Englisch | English
Ca. | approx. 5 65,– (D) chf 84,50
Dass New Yorker Künstleragenturen das bayerische Neumarkt kennen, liegt am dortigen
Kammermusiksaal. Dessen außergewöhnliche Akustik veranlasste den ansässigen Unternehmer
(D) Ernst-Herbert Pfleiderer, die Neumarkter Konzertfreunde zu gründen. Seit über vierzig Jahren
veranstalten diese eine bei Musiker*innen wie Publikum nachgefragte Konzertreihe. Um den
persönlichen Verbindungen zwischen Künstler*innen und Konzertfreunden nachzuspüren,
(E)
wurde der OSTKREUZ-Fotograf Frank Schinski beauftragt, Momente der Nähe einzufangen:
in der Künstlergarderobe, auf Reisen sowie zu Hause bei den Musiker*innen. Entstanden ist
dabei ein Buch, das einen einzigartigen Blick hinter die Kulissen der viel gerühmten Konzert-
reihe gewährt, mit Bildern, die allen Protagonist*innen eine ganz eigene Bühne bereiten.
The fact that artist agencies in New York are familiar with Neumarkt in Bavaria is thanks
to the chamber music hall located there. Its exceptional acoustics were what prompted the
local businessman Ernst-Herbert Pfleiderer to establish the Neumarkter Konzertfreunde. For
over forty years, this association has been organizing series of concerts that are popular with
both musicians and audiences. In order to trace the personal connections between artists
and friends of concerts, the OSTKREUZ photographer Frank Schinski was commissioned to
capture moments of closeness: in the artists’ dressing rooms, on trips, and at the musicians’
homes. This resulted in the creation of a book that provides a unique view behind the scenes
of this very famous series of concerts: with pictures that offer all the protagonists a very
special stage.
4546
Fragilität und Kraft
der Antarktis
The fragility and power
of Antarctica
Tom Nagy
SOLITAIRE: Faces of Antarctica
Texte von | Texts by: Belinda Grace Gardner,
Kevin G. Rattue
Gestaltung | Graphic design: Claas Möller,
claasbooks, Hamburg
34 ∞ 25,5 cm, ca. | approx. 84 S. | pp.,
zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills.,
Hardcover, Halbleineneinband | half clothbound
Erscheint im Sommer 2022
To be published Summer 2022
isbn 978-3-7356-0874-1
Deutsch | Englisch
German | English
Ca. | approx. 5 50,– (D) chf 65,–
In Tom Nagys fotografischen Bildnissen der Eisberge und antarktischen Landschaften
schwingt beides mit: Die unbändigen, unbezähmbaren Energien der Natur sowie die
Anfälligkeit ihrer zerklüfteten Formen, die zugleich minimalistisch und erzählerisch,
statisch und mobil, majestätisch und zerbrechlich sind. Nagys Fotografien lassen uns
die Bildwerdung dieser ephemeren Natur miterleben und bewahren sie somit vor dem
endgültigen Verschwinden. In seinen Porträts der Eisberge, werden diese zu vergänglichen
Skulpturen, die wie Kunstwerke in der einsamen Stille der antarktischen Gewässer treiben,
um sich schließlich ganz aufzulösen. Aus Sicht des Fotografen regt die antarktische
Landschaft dazu an, über den Kreislauf des Lebens nachzudenken und die eigene
Vergänglichkeit zu spüren.
Two things resonate in Tom Nagy’s photographic portraits of icebergs and Antarctic land-
scapes: the untamable, irrepressible energies of nature and the fragility of its jagged shapes,
which are minimalistic and narrative, static and mobile, majestic and delicate all at the
same time. Nagy’s photographs enable us to experience this ephemeral nature becoming
a picture and thus prevent them from vanishing for good. In his portraits of icebergs, they
become ephemeral sculptures, which drift in the solitary silence of the Antarctic waters like
artworks, to then ultimately dissolve completely. From the perspective of the photographer,
the Antarctic landscape encourages us to contemplate the cycle of life and to sense our own
impermanence.
4748
Eine Hommage
an den Sommer
An homage
to summer
Riccardo Fregoso
Adriatico
Texte von | Texts by: Riccardo Fregoso
Gestaltung | Graphic design: Federico Barbon,
Lausanne/Milan
21 ∞ 25 cm, ca. | approx. 112 S. | pp.,
ca. | approx. 52 farb. Abb. | col. ills.,
Hardcover
Erscheint im August 2022
To be published August 2022 Vorläufiges Cover | Preliminary cover
isbn 978-3-7356-0861-1
Englisch | Italienisch
English | Italian
Ca. | approx. 5 35,– (D) chf 45,50
Der Fotograf Riccardo Fregoso (*1981) spürt in Adriatico die Urlaubsorte seiner Kindheit
und Jugend auf. Er bereiste dafür die Küsten der Abruzzen und des Molise, um dann
den Blick Richtung Norden in die Marken und in den Süden nach Apulien zu richten.
Die Adriaküste, die in Fregosos Erinnerungen ein fast himmlischer Ort war, besteht in
Wahrheit aus einer unendlichen Aneinanderreihung von Betonbauten, die während des
italienischen Wirtschaftsbooms in aller Eile errichtet wurden. Fregoso fängt in seinen
Aufnahmen die vom Massentourismus geprägte Region mit all ihren Widersprüchen
und dem ihr eigenen Licht ein. Adriatico ist eine Hommage an den Sommer, an die
Urlaubsatmosphäre und an die Fotografien von Luigi Ghirri.
In Adriatico, the photographer Riccardo Fregoso (*1981) seeks out places where he spent
vacations in his childhood and youth. For this, he traveled the coasts of the Abruzzo and
the Molise, to then focus his gaze northwards to the Marche and southwards to Apulia.
The Adriatic coast, which is an almost heavenly place in Fregoso’s memories, consists in
reality of an endless succession of concrete buildings, which were hastily erected during
the economic boom in Italy. In his photos, Fregoso captures the region shaped by mass
tourism, with all its contradictions and its particular light. Adriatico is an homage to
summer, the vacation atmosphere, and the photographs of Luigi Ghirri.
4950
Fotografische Befragung
der Conditio humana
Photographic exploration
of the human condition
Stefan Bladh
Envoi
Texte von | Texts by: Stefan Bladh
Gestaltung | Graphic design: Jesper Örtegren,
Stockholm
21 ∞ 25 cm, ca. | approx. 104 S. | pp.,
zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills.,
Hardcover
Erscheint im Herbst 2022
To be published Fall 2022 Vorläufiges Cover | Preliminary cover
isbn 978-3-7356-0864-2
Englisch | English
Ca. | approx. 5 45,– (D) chf 58,50
Das Buch Envoi des schwedischen Fotografen und Filmemachers Stefan Bladh (*1967)
besteht aus Fotografien, die auf zahlreichen Reisen zwischen 2002 und 2018 entstanden
sind. Bladh erkundet in seinem Werk, in dem er sich von Intuition und Instinkt treiben
lässt, die Conditio humana. Widerkehrende Themen sind das Bewusstsein und die
Vergänglichkeit unserer Existenz.
„Diese Bilder stellen mir Fragen und lassen mich über unsere Sehnsüchte, unsere
Bedürfnisse und unsere Natur nachdenken; unsere Vorstellung eines separaten Selbst,
obwohl wir doch so eng miteinander verwoben sind – in jedem Atom, seit Anbeginn der
Zeit.“ (Stefan Bladh)
Weitere erhältliche Publikation |
Further available publication The book Envoi from the Swedish photographer and filmmaker Stefan Bladh (*1967) consists
of photographs that were created on numerous trips between 2002 and 2018. In his work, in
which he lets himself be driven by intuition and instinct, Bladh explores the human condition.
Recurring topics are the consciousness and the impermanence of our existence.
“These pictures pose questions for me and make me think about our longings, our needs,
and our nature; our notion of a separate self, even though we are so closely interwoven with
one another—in every atom, since the beginning of time.” (Stefan Bladh)
Stefan Bladh
Hidden Kingdom
978-3-7356-0395-1
5 45,– (D) chf 58,50
5152
Der lang erwartete
Nachfolgeband
The long-awaited
companion volume
John Peter Askew
WE II
Photographs from Russia
1996–2017
Herausgegeben von | Edited by: Northern Gallery for
Contemporary Art, UK
Texte von | Texts by: John Peter Askew
Gestaltung | Graphic design: Joanna Deans,
Darlington, UK
17 ∞ 24 cm, ca. | approx. 368 S. | pp.,
ca. | approx. 157 farb. Abb. | col. ills.,
Hardcover
Erscheint im Juli 2022
To be published July 2022
isbn 978-3-7356-0851-2
Englisch | English
Ca. | approx. 5 40,– (D) chf 52,–
Die Bilder von John Peter Askew zeigen uns die Poesie des Alltäglichen. WE II, an dem
drei Jahre lang gearbeitet wurde, ist der Nachfolgeband von WE, das Charlotte Cotton als
„ein wundervolles Buch ... eine schöne, nahe, unglaublich berührende und umfangreiche
fotografische Geschichte“ beschrieb. WE II ist ein episches, generationenübergreifendes
Porträt einer einzigen Familie am östlichsten Punkt Europas. Dennoch gehen die Fotografien
über ihre spezifischen Gegebenheiten hinaus. Askew lenkt die Aufmerksamkeit auf unser
„bestes Selbst“, indem er uns auffordert, uns die Möglichkeit einer besseren, spielerischeren
Welt vorzustellen, und uns zeigt, wer wir sein könnten. Dieses Werk, das sich über ein
Vierteljahrhundert erstreckt, ist eine zeitgemäße und eigenwillige Chronik, die Freundschaft,
Weitere erhältliche Publikation | Gemeinsamkeit und Liebenswürdigkeit in den Mittelpunkt stellt.
Further available publication
John Peter Askew’s pictures show us the poetry of the everyday. Three years in the editing,
WE II is a companion volume to WE which Charlotte Cotton described as a “wonderful book ...
a beautiful, close, incredibly touching and vast photographic story.” While WE II is an epic
portrait across generations of a single family from the easternmost point in Europe, these
photographs transcend their particular circumstances. Askew pays attention to our “best
selves,” asking us to imagine the possibility of a better, more playful world, and pointing
towards who we might yet become. This work, stretching back over a quarter of a century,
John Peter Askew
WE is a timely and idiosyncratic chronicle, embracing friendship, communality and kindness.
Photographs from Russia 1996–2017
978-3-7356-0543-6
5 40,– (D) chf 52,–
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