Kunsthalle Wien #Future Booklet
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Kunsthalle Wien #Future Booklet
Museumsquartier
4/2 – 29/3 2015
www.kunsthallewien.at
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The Future of Memory
Eine Ausstellung über die
Unendlichkeit der Gegenwart
Digitale Kommunikation und virtuelle
Vernetzung prägen nicht nur unsere
Gegenwart, sondern beeinflussen
auch unser kulturelles Gedächtnis.
Die Erinnerung an die Vergangenheit,
das Erleben der Gegenwart und die
Vorstellung von der Zukunft vereinen
sich im digitalen Raum zu für uns
scheinbar gleichwertigen Bildern.
The Future of Memory untersucht
Konstrukte von Realität und
hinterfragt die Bedingungen, zu denen
individuelle Erinnerung und kollektives
Gedächtnis entstehen.
Kurator: Nicolaus Schafhausen
Assistenz: Marie Egger
Zur Ausstellung The Future of Memory erscheint ein E-Book,
das zum kostenlosen Download unter www.kunsthallewien.at und bei iBooks
zur Verfügung steht. Eine Druckversion von Books on Demand kann über
die Website der Kunsthalle Wien erworben werden. Die Publikation umfasst
Essays von Clint Burnham, Michael Connor und Nicolaus Schafhausen,
Ausstellungsansichten sowie Texte zu den Werken in der Ausstellung von
Marie Egger, Emilie Lauriola und Vanessa Joan Müller.
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Die fotografische Aufnahme
Julius von der Unfallsituation erinnert an
Beweisfotografien für Polizeiakten,
Bismarck Versicherungsdokumente oder
Medienberichte. Motive wie
* 1983 in Breisach am Rhein, dieses sind Teil eines kollektiven
lebt in Berlin Bildgedächtnisses. Sie evozieren
Assoziationen, obschon sie in
diesem Fall auf kein Ereignis
zurückzuführen sind, das diese
rechtfertigen würde. Was ist
wirklich passiert? Der Unfall am
Mittelpunkt Deutschlands simuliert
Faktizität und lässt am Ende doch
Zweifel aufkommen selbst an
identitätsstiftenden Metaphern
wie dem Baum am Mittelpunkt
Deutschlands.
Julius von Bismarck, Unfall am Mittelpunkt Deutschlands, 2013
Unfall am Mittelpunkt
Deutschlands, 2013 Igor Bošnjak
Fiktive Geschichte
Courtesy der Künstler und * 1981 in Sarajevo, lebt in Trebinje
Alexander Levy, Berlin
Nach der Wiedervereinigung
Deutschlands am 26. Februar
1991 wurde eine Kaiserlinde
in Niederdorla in Thüringen,
dem geografischen Mittelpunkt
Deutschlands, gepflanzt.
Am Morgen des 15. April 2013
benachrichtigten Passanten die Igor Bošnjak, Hotel Balkan, 2013, Filmstill
Polizei, weil ein schwarzer VW Golf
in diesen Baum gerast war. Die Hotel Balkan, 2013
Beamten nahmen den Sachverhalt HD Video, 10 Min.
auf, begannen mit den Ermittlungen Courtesy der Künstler
und wurden einige Wochen später
in einem Bekennerschreiben Hotel Balkan ist ein Video aus
darüber informiert, dass der atmosphärischen, nur bedingt einer
Künstler Julius von Bismarck das konkreten Epoche zuzuordnenden
Ereignis inszeniert hatte. Der Unfall Bildern, das sich mit der
am Mittelpunkt Deutschlands futuristischen Erinnerung an das
war in Wirklichkeit gar kein Unfall, Vergangene und gegenwärtigen
sondern existiert in Polizei- und Zukunftsvorstellungen beschäftigt.
Presseberichten, die letztlich fiktive Im Zentrum des im Atombunker
Geschehnisse dokumentieren. des ehemaligen jugoslawischen
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Präsidenten Tito gedrehten Films Logo to Self-Consciousness, 2014
steht die Frage, warum Bilder aus Verschiedene Materialien
der Vergangenheit oft futuristischer Courtesy der Künstler; 47 Canal,
erscheinen als eingängige Bilder New York; Greene Naftali Gallery,
einer imaginierten Zukunft. Selbst New York
Science Fiction Filme sehen nicht
selten weniger wie Reisen in die Collective Feelings Memory, 2015
Zukunft denn wie solche in eine Verschiedene Materialien
unbekannte Vergangenheit aus: Courtesy der Künstler und Galerie
Nicht das Unvorstellbare kommt Christine Mayer, München
in ihnen zum Ausdruck, sondern
jene Variation der Vergangenheit, Antoine Catala entwickelt seine
die offenbar nicht realisiert worden künstlerische Praxis entlang
ist. Auch Igor Bošniaks Film Hotel unserer physischen und
Balkan präsentiert eine Zukunft der psychologischen Beziehung zu
Vergangenheit, die scheinbar niemals Bildern und den Maschinen, die
gegenwärtig geworden ist, obschon sie erzeugen. Mit einem Fokus
sie real existiert. Deshalb auch auf dem räumlichen und taktilen
die Vorstellung des Atombunkers Charakter von Bildern – bewegten
in Konjic im heutigen Bosnien- wie statischen – betont der Künstler
Herzegowina als eine Art Hotel: ein unsere affektive Verbindung zu
Ort der Erholung für die Menschen ihnen. Catalas Performances und
von heute statt eines Schutzortes für Installationen sind oft von Humor
die Herrschenden von gestern. geprägt, entfernen sich jedoch
nie von ihrer primären Absicht,
Kommunikationsmittel, Sprache
und Emotionen zu hinterfragen.
Antoine Catala
Im Rahmen von The Future of Memory
* 1975 in Toulouse, lebt in New York zeigt der Künstler vier technisch
geprägte Arbeiten, die Erinnerung
und die von ihr ausgelösten Gefühle
untersuchen. New Feelings ist ein
computererzeugtes Rendering des
Künstlers im Körper eines kleinen
Jungen, der nachdenklich am
Strand liegt. Direkt mit diesem Werk
verbunden ist Le Petit Antoine, ein
Cartoon, der den Künstler als Kind
zeigt, das das Verhalten anderer
Leute zu verstehen versucht.
Antoine Catala, New Feelings, 2014 Für die Ausstellung entstand die
Installation Collective Feelings
Le Petit Antoine, 2014 Memory, die an einen Sandkasten
New Feelings, 2014 erinnert, tatsächlich aber mit bunten
Verschiedene Materialien Seifenblasen aus Polystyrenschaum
Courtesy der Künstler und 47 Canal, gefüllt ist. Werden diese vom/von
New York der Betrachter/in berührt, behalten
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sie den Umriss, den sie dabei Charrière erkundet unter anderem
bekommen, wie eine Erinnerung an die Messtürme des polygonal
die Berührung. Die Installation Logo geformten Testgeländes.
to Self-Consciousness wiederum Die Fotografien wurden vor Ort
sieht aus wie ein „Ballonhirn“, das sich mit einer Mittelformatkamera
ausdehnt und zusammenschrumpft aufgenommen und dokumentieren
und dabei seine innere Form zu die Hinterlassenschaften einer
erkennen gibt. vergangenen Ära. Die radioaktive
Strahlung von Plutonium versiegt
mit einer Halbwertszeit von 100.000
Jahren und entspricht damit
Julian Charrière aktuell der einstigen Intensität.
Die hellen und dunklen Flecken
* 1987 in Morges, lebt in Berlin auf der Fotografie resultieren aus
dem Kontakt des Negativs mit
radioaktiven Ausgrabungsresten
des Testgebietes. Die Strahlung
der Steine wirft Schatten auf
das Material und hinterlässt
dadurch eine sichtbare Spur der
unsichtbaren Kontaminierung.
Wenngleich die Bilder nachträglich
bearbeitet wurden, verschmelzen
in ihnen Bestandsaufnahmen
historischer Ruinen, der
Julian Charrière, Polygon XII, 2014 derzeitige Status der radioaktiven
Verseuchung und eine zukünftige
Polygon XII, 2014 Archäologie des nuklearen
S/W Fotografie, 150 x 180 cm Zeitalters. Vergangenheit,
Courtesy der Künstler Gegenwart und Zukunft fallen in
der Aufnahme des Areals praktisch
Die Fotografien der Serie Polygon in eins.
von Julian Charrière zeigen
Aufnahmen eines ehemaligen
Atomwaffentestfeldes im
Osten Kasachstans. In dieser Keren Cytter
Landschaft befinden sich noch
heute erkennbare Markierungen * 1977 in Tel Aviv, lebt in New York
für den Abwurf von Kernwaffen,
sowie Messtürme, Bunker und
unterirdische Minen. In dem
19.000 km2 großen Gebiet wurden
zwischen 1949 und 1989 etwa
460 Tests durchgeführt – viele
davon unterirdisch. Das atomare
Wettrüsten zwischen den USA und
der Sowjetunion erfuhr hier seine
reale Manifestation. Keren Cytter, Ocean, 2014, Filmstill
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Ocean, 2014
Video, 15:40 Min. Edith Dekyndt
Courtesy die Künstlerin;
Galerie Nagel Draxler, Berlin; * 1960 in Ypern, lebt in Tournai
Galerie Pilar Corrias, London
Am Anfang steht die schriftliche
Anweisung, den Kopf an der
einen und die Schultern an der
anderen Stelle zu positionieren.
Dann versetzt uns eine Stimme aus
dem Off langsam in einen Zustand
der Entspannung und meditativen
Konzentration: „If you don’t want
to drown, be an ocean. You are
waking up to the sound of the Edith Dekyndt, Carousel, 2010
waves. Your mind is an island. You
are facing reality by yourself. Relax. Carousel, 2010
Concentrate on the screen in front Diaprojektion
of you and face your own reflection.” Courtesy die Künstlerin und
Keren Cytters Videoarbeit Ocean Galerie Greta Meert, Brüssel
ist ein elliptisches Narrativ um ein
Paar, eine Familie, eine Geliebte, Edith Dekyndts Installation
ein Haus am Strand und einen Carousel greift das Konzept des
einsamen Jungen. Diaprojektors als Bildmaschine
auf, die auf eine virtuelle Reise
In der letzten Einstellung findet in die Vergangenheit führt; statt
ein junger Mann ein im Sand mit persönlichen Erinnerungen
vergrabenes iPhone. Auf dem konfrontiert Carousel die
Bildschirm ist ein Film zu sehen, Betrachter/innen jedoch mit der
der genau jene Szene zeigt, die Evidenz des Faktischen: Staub,
vor ihm liegt: das ruhige Meer, der sich in leeren Diarahmen
die Sonne, der Strand. Digitale abgelagert hat. Staub als
Medien erzeugen manchmal mikroskopisches Partikel Zeit,
einen hypnotischen Sog, ihnen das sich auf alles legt. Staub als
konzentrierte Aufmerksamkeit physische Spur der Vergangenheit,
zu schenken im Austausch für die nichts von dieser preisgibt
das Versprechen, dass wir uns außer der Tatsache, dass sie weit
besser fühlen werden, wenn wir in in der Ferne liegt. Die insgesamt
ihre virtuellen Welten eingebettet achtzig Diarahmen, die das
sind. Doch so wie mit dem iPhone Karussell eines Kodak-Projektors
das Meer gefilmt wurde, statt es füllen, sind über fünfzig Jahre alt
selbst zu betrachten, schieben und wurden von der Künstlerin
sich die flachen Glasscheiben der originalverpackt erworben. Jeder
Bildschirme insistierend vor die der Diarahmen hat zwei dünne
Realität, bis diese genauso wenig Glasplatten, zwischen die ein
taktil erscheint wie die Datenströme entwickeltes Diapositiv eingebettet
aus den geliebten Gadgets. werden kann.
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Einige der Glasplatten wurden Startup Case Mod: Snapchat, 2014
offenbar mit einer Emulsion Verschiedene Materialien,
behandelt, die über die Jahre 126 x 72,2 x 38 cm
hinweg ausgetrocknet ist und
Risse bekommen hat. Neben Courtesy der Künstler und
dem Staub bildet sie eine weitere Galerie Buchholz, Berlin/Köln
Sichtbarkeitsebene, die in der
Vergrößerung zur Erscheinung Berlin Startup Case Mod:
tritt. Sobald der Projektor mit Sociomantic, 2014
einem Klacken einen weiteren Verschiedene Materialien,
leeren Diarahmen vor die Linse 79,5 x 91 x 54 cm
schiebt, sehen wir entsprechend Courtesy Alastair Cookson
minimale Spuren eines Nichts, das
auf die Vergangenheit verweist. Simon Denny gibt in seinen
Es sind Bilder, die ohne Intention Installationen einer ungebrochenen
und Entwickler entstanden sind, Zukunftseuphorie Raum, die
Zufallsprodukte einer Lagerung, außerhalb der digitalen Startup-Szene
die sich hier als wahrnehmbare nur noch selten zu finden ist – jenem
Sedimentierung von Zeit Fortschrittswillen, der nicht nostalgisch
präsentiert. in die Vergangenheit blickt, sondern
im Internet die Potenziale von Morgen
erkennt. Mit Risiko-Kapital gegründete
Internet-Startup-Firmen treffen dort
Simon Denny auf nerdige Subkulturen zu einer Trias
aus Programmier-Genies, Rechner-
* 1982 in Auckland, lebt in Berlin Tunern und Investoren.
Denny kommentiert das in der
konzentrierten Kombination von
Elementen einer Digitalkultur
jenseits des Mainstream, die als
Momentaufnahmen einer Gegenwart
gelten können, die in Startup-
Unternehmen die Helden von Morgen
findet. Er löst Readymade-Materialien
aus ihrer kulturellen Nische heraus
und behandelt sie als Teil einer
Simon Denny, Berlin Startup Case Mod: Sociomantic, 2014 globalen Information. So entsteht
eine Hommage an Technologie,
The Startup Way Snapchat Legal Innovation und die unaufhaltsame
Evidence, 2014 Suche nach dem Neuen inklusive
You Disruptive Technologies, ihrer ökonomischen Verflechtung.
2014 Kritische Distanz kennt Denny dabei
The Process SeedCamp nicht: Kommentieren wollen seine
American Tour, 2014 Arbeiten die Entwicklung nicht. Es
Digitaldruck auf Netzstoff, ist die Realität, die im Zweifelsfall
Digitaldruck auf Aluminium, krisenhaft in die hochfliegenden
je 159,5 x 113,5 x 17,5 cm Ambitionen interveniert.
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zu demonstrieren. Er wird zum
Aleksandra alternativen Rollenmodell erklärt
und die westliche Pop-Kultur
Domanović zum Ideal, das zu re-etablierende
Prinzipien verkörpert. Aleksandra
* 1981 in Novi Sad, lebt in Berlin Domanović gelingt ein distanzierter
Blick auf diese jüngste Geschichte,
der eine kritisch-reflexive
Perspektive ermöglicht. Geboren
in Novi Sad (heute Serbien), erlebte
die Künstlerin das Trauma von
Zerfall und Neu-Identifikation
der ehemaligen jugoslawischen
Staaten mit.
Aleksandra Domanović, Turbo Sculpture, 2010 – 2013, Filmstill
Turbo Sculpture, 2010 – 2013 Dani Gal
Video, 19:44 Min.
Courtesy die Künstlerin und * 1975 in Jerusalem, lebt in Berlin
Tanya Leighton, Berlin
Als Turbo Sculpture bezeichnet
die Künstlerin Skulpturen im
öffentlichen Raum in verschiedenen
Städten Serbiens, Mazedoniens,
Sloweniens, Kroatiens oder auch
des Kosovo. Analog zum so
genannten „Turbo-Folk“ kreierte
Domanović die Bezeichnung Dani Gal, Wie aus der Ferne (As from Afar), 2013, Filmstill
„Turbo-Skulptur“ zur Beschreibung
von Monumenten westlicher Pop- Wie aus der Ferne (As from
Ikonen: realistische Statuen von Afar), 2013
Rocky Balboa, Bob Marley, Tupac HD Video, 26 Min.
Shakur oder Johnny Depp. In der Courtesy der Künstler und
Annahme, lokale Politiker/innen Freymond-Guth Fine Arts, Zürich
und Held/innen hätten versagt
und es existiere keine nationale Dani Gals filmische und installative
Geschichte, an deren Werte erinnert Praxis richtet sich auf die Art
und auf deren Errungenschaften und Weise, wie sich Geschichte
aufgebaut werden könne, sollen die in persönliche und kollektive
Figuren Identifikationsvorlagen aus Erinnerung verwandelt. Der Künstler
der westlichen Kultur liefern. untersucht, wie die Wahrnehmung
So wurde dem chinesisch-stämmigen und Interpretation eines historischen
Amerikaner Bruce Lee 2005 in Ereignisses sich gemäß eines
Mostar (Bosnien-Herzegowina) Spektrums sozio-politischer und
ein Denkmal gesetzt, um Einheit kultureller Faktoren modifiziert,
und ethnisches Nebeneinander verzerrt und unterschiedlich erlebt
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wird. Wie aus der Ferne, eine
fiktionalisierte Videoinstallation, Florian Hecker
basiert auf der Begegnung eines
Überlebenden des Holocaust, * 1975 in Augsburg, lebt in Kissing
dem bekannten Nazi-Jäger Simon und Wien
Wiesenthal, mit Albert Speer, dem
führenden Architekten des Dritten
Reichs und Rüstungsminister.
Letzterer war einer der wenigen
hochrangigen Nazi-Offiziellen,
der Verantwortung für sein
Handeln übernahm und Reue
für die entsetzlichen Verbrechen
des Regimes zeigte, während
er zwanzig Jahre im Gefängnis
verbrachte. Nach seiner Entlassung
im Jahr 1974 kontaktierte Speer Florian Hecker, Chimerization, 2012, Foto: Jared Kuzia
Wiesenthal und es entstand
eine kontroverse Beziehung, Modulator, 2012
die auf Korrespondenzen und 1-Kanal elektroakustischer Ton,
gelegentlichen Besuchen in Wien Lautsprechersystem, 33:48 Min.
basierte. Diese ungewöhnliche Courtesy der Künstler; Sadie
Freundschaft bildet den Coles HQ, London; Galerie Neu, Berlin
Ausgangspunkt von Gals
introspektiver kinematografischer Florian Heckers Soundinstallation
Inszenierung, die auf Basis von Modulator besteht aus einem
Dokumentarmaterial und der von Richtlautsprecher und einer
dem israelischen Historiker Tom elektroakustischen Komposition.
Segeys verfassten Biografie Simon Atonal, gebrochen, nur in
Wiesenthal: The Life and Legends Sequenzen melodisch klingen die
entstanden ist. Begleitet wird akustischen Signale. Sie entfalten
der Film von der Erzählung eines sich tonal wie räumlich und
kurzen Textes des österreichischen eröffnen eine Wahrnehmung nicht
Philosophen Ludwig Wittgenstein, nur in akustischen, sondern auch
die auf Erinnerungen und Bildern physischen Volumina.
und deren Beziehung zum jüdischen
Genozid basiert. Das tonale Spektrum der
Soundinstallation reicht von
tippenden, knackenden, kratzenden,
pochenden und rauschenden
Lauten über Störimpulse, piepende
Alarme, Propeller, flirrende Töne
und Rhythmen bis zu melodischen
Klängen. Hecker reizt das akus-
tische Vermögen aus, indem er
verschiedene Frequenzen überlagert
und gegeneinander ausspielt.
Diese Modulation von akustisch
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wahrnehmbaren Schwingungen Situation Room, aus der Serie
beeinflusst die menschliche FRONTEX, Constanza, 2009
Wahrnehmung von Signalen.
Modulator ist deshalb mehr als Drucke auf Spanplatten, 200 x 160 cm
nur eine Herausforderung oder
gar Störung des menschlichen Courtesy der Künstler
Sinnesapparates. Die Töne sind weni-
gen bekannten Klängen zuzuordnen Leon Kahanes Fotografien und Videos
und scheinen einer fremden Logik zu sehen dokumentarisch aus und adres-
folgen. Die Arbeit vermittelt somit eine sieren Themen, die man als politische
körperliche Erfahrung – anhand einer bezeichnen kann. Sie meiden jedoch
akustischen Darstellung für das Auge das Spektakuläre zugunsten einer
unsichtbarer Signale. Betrachtungsweise, die sich neben
dem Thema auch den Bedingungen
von dessen Sichtbarwerdung widmet.
So sehen wir in dem 30-minütigen,
Leon Kahane aus einer einzigen Einstellung beste-
henden Video 19-1-2014, so genannte
* 1985 in Berlin, lebt in Berlin „female domestic worker“ in Hong
Kong, die an einer Demonstration
teilnehmen. Die Protestierenden
tragen Stirnbänder, auf denen
ihre Forderungen stehen, halten
Banner in die Höhe und winken
Aufmerksamkeit suchend in die
Kamera. Viele der Frauen nehmen
sich und das Geschehen mit ihrem
Smartphone auf oder aber fotogra-
fieren den Künstler, der sie wiederum
mit einem Camcorder filmt. 19-1-
2014 liefert damit weitere Bilder der
Demonstration, die ihrerseits visuelle
Zeugnisse des Protests produzieren,
die im Up- und Download globaler
Informationsverdichtung nach
Adressaten suchen.
Kahanes Fotoserie FRONTEX hinge-
gen fokussiert die Mechanismen des
Systems. FRONTEX zeigt Ansichten
Leon Kahane, Jacket, aus der Serie FRONTEX, Warsaw, 2009 aus den menschenleeren Büros im
Frontex Headquarter in Warschau.
19-1-2014, 2014 Die auf großen Holzplatten auf-
1-Kanal Full HD Video, 30 Min. gezogenen Fotografien lehnen im
Raum und evozieren die physische
Xerox / Flipchart / Office left / Präsenz eines Verwaltungsbüros.
Jacket / Flowers, aus der Serie Frontex (Agence européenne
FRONTEX, Warsaw, 2009 pour la gestion de la coopération
10
KHW_FOM_BOOKLET_DE_02.indd 10 28/01/15 17:28opérationnelle aux frontières extéri- Verschiedene Materialien,
eures) ist eine Gemeinschaftsagentur je 70 x 50 cm
der Europäischen Union und
zuständig für die Zusammenarbeit Courtesy New Galerie, Paris und
der Mitgliedstaaten an den Kraupa-Tuskany Zeidler, Berlin
Außengrenzen der EU.
Absolute Vitality Inc. Offshore
Subsidiary (Bailouts Yet Vital LTD,
Seychelles), 2013
Daniel Keller Privatsammlung
* 1986 in Detroit, lebt in Berlin Eine offiziell eingetragene
Briefkastenfirma aus Wyoming,
die Absolute Vitality Inc., wurde
2012 von den in Berlin lebenden
amerikanischen Künstlern Daniel
Keller und Nic Kosmas erworben, um
den Rahmen eines Kunstprojektes
zu bilden. Daniel Keller konzipiert
Installationen, Performances
und digitale Werke, die Themen
untersuchen, die an neo-liberale
Praktiken anknüpfen. Sein Werk
beschäftigt sich mit Konsum, Arbeit,
Umwelt und sozio-ökonomischen
Fragestellungen und betrachtet
Vorstellungen von Fortschritt und
Produktivität aus der Perspektive des
Künstlers als „Prosument-Ingenieur“.
Offshore Tochtergesellschaften
sind in Steueroasen in Übersee
angesiedelte Geschäftszweige, die
Daniel Keller, Absolute Vitality Inc. Offshore Subsidiary von multinationalen Unternehmen
(Blues Via Totality LTD, Belize), 2013, Foto: Aurélien Mole, 2013
zwecks Steuervermeidung in
ihren Heimatländern gegründet
Absolute Vitality Inc. Offshore werden. Die Aktien von Absolute
Subsidiary (Visit Beauty Atoll LTD, Vitalitys Offshore Tochterfirmen
British Virgin Islands), 2013 können offiziell von Sammler/innen
Absolute Vitality Inc. Offshore erworben werden und unterstreichen
Subsidiary (Blues Via Totality LTD, die Dreiecksbeziehung von
Belize), 2013 Künstler/in-Galerist/in-Sammler/
Absolute Vitality Inc. Offshore in sowie den Handelscharakter des
Subsidiary (Sea But Volatility LLC, Kunstmarktes. Diese Aktien bieten
Nevis), 2013 ein geringes Risiko, einen hohen
Absolute Vitality Inc. Offshore Gewinn und ein legales Investment
Subsidiary (To Value Stability LTD, in ein konzeptuelles Kunstwerk.
Gambia), 2013 Sie garantieren den Kunden/innen
11
KHW_FOM_BOOKLET_DE_02.indd 11 28/01/15 17:28(Sammler/innen) vollständige sind Wiederholung und Rhythmus
Freiheit von den kapriziösen Trends maßgebliche Instrumente, die
des Kunstmarktes. Im Rahmen Lippards Texte hin und wieder ins
von The Future of Memory werden Unverständliche abdriften lassen.
gedruckte Aktien der verschiedenen Sprache wird zum Instrument,
Tochtergesellschaften von Absolute das Melodie und Refrain entwickelt
Vitality Inc. in verschließbaren, und die Wörter in ihrer ästhetisch-
wasserdichten Beuteln ausgestellt, poetischen Funktion präsentiert.
die die Namen jener Steueroasen
tragen, aus denen sie stammen. Postisms beginnt mit einer
Akzentuierung des Wortes
„Postmodernism“ und variiert dieses
bis zur Unkenntlichkeit. Das Präfix
Hanne Lippard „post“ wird ins Nichtssagende
gerückt. Das Spiel mit dem Klang
* 1984 in Milton Keynes, lebt in Berlin setzt sich in Locus fort, wenn
nonverbale zwischenmenschliche
Kommunikation beschrieben wird,
ohne dass ein aktiver Austausch
stattfindet. Pandoras Cat ähnelt
einem Logbuch. Die Beschreibung
eines privaten Umzugs sowie der
Organisation des persönlichen
Lebens erinnern an Blogs und die
Kommunikation über soziale Medien.
Diese Situation wird in Beige auf eine
polemische Abhandlung über den
Hanne Lippard, Orbit, 2012, Courtesy die Künstlerin Farbton und dessen Konnotation als
Lifestyle-Farbe übertragen.
Postisms, 2011, 1:06 Min.
Locus, 2012, 4:45 Min.
Pandoras Cat, 2013, 6:20 Min.
Beige, 2010, 6:05 Min. Deimantas
Soundinstallation Narkevičius
Courtesy die Künstlerin
* 1964 in Utena, lebt in Vilnius
Hanne Lippards Medium ist
die Sprache. In Ton, Text und
Performance schreibt und
spricht sie über das Sprechen.
Dazu benutzt sie Kommentare,
Versatzstücke aus Smalltalk,
Posts aus dem Internet, inflationär
gebrauchte Phrasen, Alltagssprache
oder alltägliche Begebenheiten.
Für die sorgfältige Platzierung und Deimantas Narkevičius, Books on Shelves and Without Letters,
Re-Kontextualisierung der Wörter 2013, Filmstill
12
KHW_FOM_BOOKLET_DE_02.indd 12 28/01/15 17:29Books on Shelves and Without Perspektive zusammengefasst
Letters, 2013 zu werden. Es ist die Ästhetik
HD Video, 40 Min. alternativer Musikvideos aus den
Courtesy der Künstler und Galerie 1980er Jahren, die man zu spüren
Barbara Weiss, Berlin meint. Auch die Tatsache, dass
Narkevičius mit Betacam SP gefilmt
In den Filmen von Deimantas hat, einem gängigen Videoformat
Narkevičius geht es um nichts der Achtziger, trägt zu dem
weniger als das Ausloten der Grenze zeitenthobenen, in jedem Fall nicht
der filmischen Repräsentation als von der digitalen Präzision heutiger
Wiedervergegenwärtigung von Videos geprägten Eindruck bei.
etwas Vergangenem. Auch die
strukturelle Ähnlichkeit von Bild und
Erinnerung als von Projektionen
durchzogene und deshalb niemals Katja Novitskova
ganz realistische Ab- und Einbildung
spielt eine wichtige Rolle in diesem * 1984 in Tallin, lebt in Amsterdam
Werk, das nur vordergründig
dokumentarisch angelegt ist.
Books on Shelves and Without
Letters zeigt den Auftritt der
Band Without Letters in einer
antiquarischen Buchhandlung in
Vilnius, deren Interieur aussieht wie
vor dreißig Jahren. Das Publikum
hört der Musik zu, blättert aber auch
immer wieder in den Büchern. Auch
sonst herrscht eine entspannte
Atmosphäre, die zu der leicht retro
klingenden Gitarrenband passt.
Je länger man die 40-minütige
Videoinstallation betrachtet, desto
unklarer wird jedoch, ob es sich
um eine Dokumentation eines
realen Auftritts einer realen Band
handelt, oder ob alles in diesem Film
gecastet worden ist.
Katja Novitskova, Dodoli de Luxe Grey, 2014
In der Doppelprojektion
bewegen sich die Bilder mit Dream Jobs 009, 2013
der Bewegung der beiden Special Bond 011, 2013
Videokameras, verändern ihre Dissemination And Proliferation
Größe, schieben sich nach vorne 012, 2013
und zurück. Die ungeschnittenen Prediction Market 017, 2013
Konzertaufnahmen geben den Benefits of Complexity 008, 2013
Blickpunkt der Filmenden wieder, Digitaldrucke auf Papyrus,
ohne zu einer einzigen homogenen je 72 x 55 cm
13
KHW_FOM_BOOKLET_DE_02.indd 13 28/01/15 17:29Dodoli de Luxe Grey, 2014
Elektrische Babywiege, Yuri Pattison
Polyurethanharz, Datenbankbild
von Eiweißmolekülen, Fischköder, * 1986 in Dublin, lebt in London
Kabel, ca. 110 x 100 x 90 cm
Courtesy die Künstlerin und
Kraupa-Tuskany Zeidler, Berlin
Die künstlerische Praxis von
Katja Novitskova kreist um die
erstaunliche Expansion des Internets
und entwickelt daraus ein futuristisch
anmutendes Werk aus Installationen, Yuri Pattison, RELiable COMmunications
Prints und Skulpturen. Indem sie das (http://reliablecommunications.net), 2013
Digitale mit Elementen natürlichen,
organischen oder historischen RELiable COMmunications (http://
Ursprungs verbindet, untersuchen reliablecommunications.net), 2013
ihre Arbeiten das transformative Webpage (html, css, javascript, php,
Potenzial von Online-Bildern. jpeg, gif, png)
Endloses Wirtschaftswachstum, Courtesy der Künstler
Umweltschäden, Fragen des Auftragswerk für Legion TV, London;
Bildes und Mensch-Maschinen- co-präsentiert mit New Museum,
Interaktionen sind Teil jener Themen, New York
mit denen sich die Künstlerin
beschäftigt. Pale_Blue_Dot, http://www.kxol.
com.au/images/pale_blue_dot.
Im Rahmen von The Future jpgManning im Jahr 2010. Die Website,
die den Namen eines russischen Jon Rafman
Netzwerks aus dem Jahr 1990 (und
damit aus der Zeit vor dem Internet) * 1981 in Montréal, lebt in Montréal
trägt, das die Nachricht von dem
Umsturz verbreitet hat, dient als
faktisches Archiv jenes politischen
Ereignisses. Informationsschichten
und Anschauungsmaterialien
werden rasant dargestellt, und
das Scrollen, Klicken und Öffnen
von Tabs, das notwendig ist, um
Zugang zu dem Material zu erhalten,
spiegelt den Rechercheprozess, Jon Rafman, Mainsqueeze, 2014, Videostill
den Pattison aufgebracht hat.
Chat-Protokolle der Whistleblowerin Mainsqueeze, 2014
Chelsea Manning und des Hackers Video, 7:23 Min.
Adrian Lamo tauchen auf dem Courtesy der Künstler
Bildschirm auf, während die Seite
sich in die Textur von Pale Blue Jon Rafmans Videoarbeiten
Dot verwandelt. Im Auftrag des untersuchen die Konsequenzen
Astronoms Carl Sagan von dem virtueller Technologie auf
Raumschiff Voyager aufgenommen, menschliche Interaktionen und
zeigt dieses Bild die Erde als einen die Rolle digitaler Werkzeuge bei
einzigen blauen Pixel. Während der Entstehung von Entfremdung
ihres Austauschs mit Lamo und Isolation. Rafmans frühere
versuchte Manning die Gründe Videoarbeiten sind getragen
für ihr Handeln zu erläutern und von dem, was der Künstler als
veranschaulichte ihre Haltung mit „Flaneurblick“ bezeichnet:
dem Versenden eines Links zu dem Bilder mit einer romantisch-
originalen Voyager-Foto. Pattison kontemplativen Qualität. Das
fand heraus, dass die von Manning 7-minütige Video Mainsqueeze,
geschickte URL nicht funktionierte, das aus im Internet gefundenem
reaktivierte die Seite und lud eine Material besteht, führt diesen
spiegelverkehrte Version des Bildes Ansatz weiter. Ein synthetischer
als Hommage an Chelsea Manning, Erzähler hält die Struktur der
früher bekannt als Gefreiter Bradley infernalischen Sequenzen,
Manning, hoch. die detailliert gezeigt werden,
zusammen. Die Stimme aus dem
Off verbindet modifizierte Zitate
aus der Literatur und Tumblr mit
Kommentaren aus den Foren
verschiedener Websites. Dabei
entsteht ein unangenehmer Blick
auf Orte, an denen versteckte
Perversionen, Identitätsfragen und
Einsamkeit massenhaft zu finden
sind. Rafman beobachtet und
15
KHW_FOM_BOOKLET_DE_02.indd 15 28/01/15 17:29dokumentiert diese Subkulturen, detailliert skizzierte. Nachdem
ohne sie zu bewerten oder ein Ramić sich zusätzlich mit
moralisches Urteil abzugeben und wissenschaftlichen Publikationen
lässt stattdessen den Betrachter/ zum Thema und Büchern des
innen Raum, ihr eigenes Gefühl Medientheoretikers Jussi Parikka
der Verstrickung abzuwägen. zu Kommunikationsstrategien
von Insekten vertraut gemacht
hatte, entstand The Return Trip
is Never the Same: Die 82 Seiten
Adriana Ramić des E-Books bestehen jeweils aus
drei Ebenen. Das oberste farbige
* 1989 in Chicago, lebt in New York Motiv entspricht den von Cornetz
dokumentierten Ameisenpfaden.
Darunter erkennbar ist jeweils
ein nahezu zusammenhangloser
Text. Ein zweiter Textkörper in
der hintersten Ebene wiederum
wird größtenteils überdeckt
und enthält kaum entzifferbare
Buchstabenkombinationen. Er ist
entstanden, indem die Künstlerin
Adriana Ramić, The Return Trip is Never the Same (After Trajets die Insektenpfade auf einer Swype-
de Fourmis et Retours au Nid, M. Victor Cornetz, 1910), 2014
Tastatur nachzeichnete. Ein
Autokorrekturprogramm erstellte
The Return Trip is Never the anschließend einen lesbaren Text
Same (After Trajets de Fourmis et in unterschiedlichen Sprachen.
Retours au Nid, M. Victor Cornetz, Dieser enthält wiederum Wörter,
1910), 2014 die vom Computer der Künstlerin
E-Book, 82 Seiten zuvor häufig benutzt worden sind
Courtesy die Künstlerin – und somit eine Dokumentation
ihrer eigenen digitalen Spuren.
Der Entstehungsprozess von
Adriana Ramićs The Return
Trip is Never the Same kann
als Verkettung von Zufällen Antoine Renard
gelesen werden: Anlässlich
eines Aufenthalts im Google- * 1984 in Paris, lebt in Berlin
Kulturinstitut in Paris 2014 gelang
sie über Treffen mit Etymologen
und Käferspezialisten in den
Besitz des Buches Trajets
de Fourmis et Retours au Nid
(Ameisenwege und Rückkehr
zum Nest) von Victor Cornetz aus
dem Jahr 1910. Der französische
Forscher beschäftigte sich mit
der Eusozialität von Ameisen Antoine Renard, 2553418_Why do cats sleep on the newspaper
(何故、猫は新聞に乗るのか?), 2015
und studierte deren Pfade, die er
16
KHW_FOM_BOOKLET_DE_02.indd 16 28/01/15 17:291110533_Capture Name (Bob), 2015 Prinzip wird ausgespielt, wenn
SYNTHOS XPS PRIME S 30 Antoine Renard sich nicht nur eines
Styropor, 65 x 205 x 12 cm Ausgangsmaterials, sondern auch
technischer Mittel bedient, die für
2553418_Why do cats sleep on jedermann zugänglich sind.
the newspaper (何故、猫は新聞に乗
るのか?), 2015
SYNTHOS XPS PRIME S 30
Styropor, 65 x 140 x 15 cm Mandla Reuter
Courtesy der Künstler * 1975 in Nqutu, lebt in Berlin
Wann die abstrakte Form der
Skulptur von Antoine Renard
sich als Katze zu erkennen gibt,
hängt von den Betrachter/innen
ab. Ist das Motiv jedoch einmal
hervorgetreten, setzt sich eine
intuitive Assoziationskette in Gang:
Die Katze ist das mit Abstand
beliebteste Motiv im Internet. Sie ist
das populärste Haustier im World
Wide Web, und die User lieben es,
Videos, Comics und Bilder von
Katzen zu erstellen, zu posten, zu
kommentieren und zu teilen. Diese
Liebe zur Katze ist symptomatisch
für jene Demokratisierung von
Online-Inhalten, die als „Long Tail“
beschrieben werden kann: das
Potenzial, zum Sender zu werden
und seine Gedanken mit einer
unbestimmten Öffentlichkeit zu Mandla Reuter, City, 2014, Foto: Robert Gruber
teilen. Die Popularität von Inhalten
im Internet macht aus anonymen City, 2014
Objekten kollektive Ikonen, so der Holz, Stahl, Schlauch, Pumpe,
Gedanke hinter Antoine Renards Evian-Wasser, andere Materialien,
Arbeit. Maße variabel
Courtesy der Künstler und
Das Motiv seiner Skulpturen Galerie Mezzanin, Wien
basiert auf einem erst kürzlich
aufgenommenen Bild einer Online-Informationen, Fiktion
tatsächlichen Katze. Ihre und Realität können einander
Besitzer haben Fotos von dem verändern oder blockieren, bis
Tier veröffentlicht, und der vollständige Verwirrung herrscht.
Künstler hat daraus mithilfe Die vielschichtige und doch von
eines 3D Druckers Skulpturen einer minimalistischen Ästhetik
gefertigt. Das non-hierarchische geprägte künstlerische Praxis
17
KHW_FOM_BOOKLET_DE_02.indd 17 28/01/15 17:29von Mandla Reuter verändert
ihre Form und Bedeutung und Meggy
zwingt die Betrachter/innen dazu,
sich selbst ein Bild zu machen. Rustamova
Wie in einem psychedelischen
Experiment entfalten sich in * 1985 in Tiflis, lebt in Brüssel und Gent
seinen Installationen verschiedene
Erzählungen, ohne direkt auf
eine bestimmte zu verweisen.
Die in The Future of Memory
gezeigte Installation City thront
auf einer Palette, die auf einer
Metallkonstruktion steht.
Der blaue, mit einer Pumpe
ausgestattete Wassertank ist
mit Spring Water von Evian
gefüllt. Aus dem Tank führt ein
schwarzer Schlauch, der sich auf
dem Boden schlängelt und den
Raum durchquert und dabei die
Wand durchbricht. Am Ende des
Kreislaufs führt der Schlauch unter
einem Stapel von Evian Flaschen
hindurch und endet in seiner
Quelle, dem Plastiktank. Indem
sie einen Zyklus des industriellen
Umgangs mit Wasser spiegelt,
hebt City hervor, was sich dahinter Meggy Rustamova, L’invitation au voyage, 2014
verbirgt und bringt das trendige
Wasser zum Verschwinden. L’invitation au voyage, 2014
HD Video, 13 Min.
Courtesy die Künstlerin
Meggy Rustamovas Film
L’Invitation au voyage präsentiert
uns eine Abfolge von Schwarz-
Weiß-Fotografien, die über
eine Stimme aus dem Off in ein
Narrativ eingebunden werden,
das uns die Geschichte einer
Frau erzählt, die verschwunden
ist und lediglich die Fotografien
hinterlassen hat. Adressat der
Bilder ist jener Mann, den sie
verlassen hat. Langsam nähert
sich die Kamera den statischen
Zeugnissen der Vergangenheit,
während eine Frauenstimme
18
KHW_FOM_BOOKLET_DE_02.indd 18 28/01/15 17:29die Bilder kommentiert und die Augustas Serapinas eine
Vergangenheit der verschwundenen künstlerische Praxis entlang der
Frau ebenso zu rekonstruieren Veränderung und Manipulation
sucht wie die Reise des Mannes des Raumes. Er macht vergessene
in die ihm überlassene, bildlich oder versteckte Orte innerhalb von
festgehaltene Vergangenheit. Kunstinstitutionen oder in deren
L’invitation au voyage – der Titel ist unmittelbarer Umgebung ausfindig
einem Gedicht Baudelaires entlehnt und verwandelt diese in Werke
– ist eine suggestive Annäherung und damit etwas, das in einem
an das Potenzial der Fotografie, Museum offiziell als Kunst gilt.
Geschichte(n) zu erzählen und Fakt Seine Interventionen fragen danach,
und Fiktion einander anzunähern, was als Wirklichkeit präsentiert
bis die Unschärfe der jeder wird. Die Beziehung, die dadurch
Aufnahme zugrunde liegenden zwischen Künstler und Betrachter/
Bildpunkte auch die Erzählung in entsteht (den Angestellten der
erfasst hat. Gelbe Post-Its auf Kunstinstitution ebenso wie deren
ausgewählten Fotos versprechen Besucher/innen) betrifft auch die
eine klärende Zuordnung, doch dort stattfindenden Tätigkeiten.
die Bleistiftschrift ist ausradiert Der Raum wird zu einer Plattform
und der Weg zurück in die Zeit ihrer für verschiedene Erzählungen
Entstehung versperrt. und Möglichkeiten. Für The Future
of Memory hat der Künstler eine
versteckte Tür im Ausstellungsraum
geöffnet und einen „Zwischenraum“
Augustas sichtbar gemacht. Serapinas hat
hier einen Tisch und Stuhl platziert,
Serapinas die er im Büro der Kunsthalle Wien
fand. Ab und zu kommt Marie,
*1990, Vilnius, lebt in Vilnius eine Mitarbeiterin der Kunsthalle
Wien, vorbei und arbeitet. Wenn sie
abwesend ist, wird dies angezeigt.
Indem eine Mitarbeiterin, die die
Ausstellung mitkonzipiert hat,
präsent ist, versetzt der Künstler
metaphorisch die Arbeitswelt in
den Ausstellungsraum.
Augustas Serapinas, Marie, 2015, Foto: David Avazzadeh
Marie, 2015
Installation und Performance
Courtesy der Künstler
Mit seinen kontextspezifischen
Installationen entwickelt
19
KHW_FOM_BOOKLET_DE_02.indd 19 28/01/15 17:29der DATA_ Serie. Diese untersucht
Michael Staniak Themen wie die Wandlungsfähigkeit
und Zeithaftigkeit jener Medien, die
* 1982 in Melbourne, lebt in unsere Daten physisch speichern,
Melbourne und hinterfragt gleichzeitig deren
Sicherheit. Werden diese Medien
halten, und wenn ja, wie lange?
Die Cloud und das Internet scheinen
aktuell die einzig sicheren Orte zu
sein, um Informationen zu bewahren,
denn was ins Netz geht, bleibt dort für
immer. Für jedes Werk wird eine Farbe
verwendet, die aus unterschiedlichen,
zu Granulat pulverisierten digitalen
Speichermedien gewonnen wurde:
DVDs, M-Discs und Silikon-Speicher
direkt aus Kaliforniens Silicone Valley.
Sobald eines der Gemälde ins Web
hochgeladen wird, verwandelt sich
Michael Staniak, DATA_760 (1081GB), 2015. Digital Versatile Discs die digitale Hardware in einen Teil
jenes dauerhaften Universums,
DATA_901 (VLSR), 2015. Silicon das es selbst einmal speichern
wafers sollte, ähnlich einem Zyklus der
DATA_012 (1128GB), 2015. Informationsbewahrung.
Millennium Discs
DATA_760 (1081GB), 2015. Digital
Versatile Discs
Acryl und Harz auf Leinwand mit Philipp Timischl
Stahlrahmen, je 180 x 135 cm
* 1989 in Graz, lebt in Wien
Courtesy der Künstler und Steve
Turner Contemporary, Los Angeles
Michael Staniak entwickelt
experimentelle Gemälde, die von
digitalen Medien beeinflusst sind.
Seine künstlerische Praxis ist vom
Surfen im Netz inspiriert. Obschon
seine Arbeiten sich mit digitaler
Ästhetik beschäftigen, kombinieren
sie jedoch nahtlos Attribute sowohl
analoger wie digitaler Prozesse. Philipp Timischl, The Blair Bitch Project, 2013
Staniak entwickelt seine Gemälde in Foto: Perfect Present, Kopenhagen
einem langen manuellen Prozess, der
Gipsabdrücke umfasst und dennoch The Blair Bitch Project, 2013
in Werken resultiert, die stark an Poster, Flachbildschirm, Gemälde
flache Digitaldrucke erinnern. Die drei Courtesy der Künstler und
Arbeiten in der Ausstellung sind Teil Galerie Emanuel Layr, Wien
20
KHW_FOM_BOOKLET_DE_02.indd 20 28/01/15 17:29Gefundene oder ausgewählte
reale wie mediale Bilder setzt Amalia Ulman
Philipp Timischl in seinen Werken
dezidiert ein. Unter Verwendung * 1989 in Buenos Aires, lebt in
dieser Bilder und Videos in London und Gijón
unterschiedlichen Formaten
entstehen skulpturale oder
animierte Objekte, die haptische
Qualitäten entfalten und den
medial oder historisch geprägten
Bildinhalt berücksichtigen. Die
Wiederaufbereitung älterer
Repräsentationsformen und das
Zeigen des Unfertigen spielen
dabei eine wichtige Rolle. Sie
vermitteln den Eindruck einer
permanenten Auseinandersetzung Amalia Ulman, Excellences and Perfections, 2014
mit Bildwerdungsprozessen
und der Unabgeschlossenheit Excellences and Perfections, 2014
der künstlerischen Handlung. Online Performance
Kennzeichnend für diese Courtesy die Künstlerin
Grundhaltung ist The Blair
Bitch Project, eine formelle Amalia Ulmans künstlerische
Verknüpfung multimedialer Praxis basiert auf der Verwendung
Inhalte und zeitgenössischer ihres eigenen Bildes und spricht
Jugendkultur. Die amerikanische damit Fragen von Geschlecht,
TV-Serie Gossip Girl liefert den Klassenunterschiedenen und die
Jingle, der in regelmäßigen, doch sozialen Ängste, die mit diesen
unvorhersehbaren Abständen, verbunden sein können, an.
auf einem Flachbildschirm Excellences and Perfections ist eine
abgespielt wird. Befestigt über viermonatige Online-Performance,
dem Screen ist das Gemälde die Ulman auf Instagram und
eines Sportwagens. Bildschirm Facebook präsentiert hat. Anhand
und Leinwand wiederum eines vorbereiteten strengen Skripts
überlagern eine Fototapete hat sich die Künstlerin einer semi-
der Seriendarsteller/innen. fiktionalen Verwandlung unterworfen
Der Titel von Timischls Arbeit und sorgfältig komponierte Bilder
ist dem Namen einer Episode inszeniert, die ihr einen besonderen
entlehnt und verweist auf die Status als Internetberühmtheit
Hauptfigur Blair Waldorf, die als verschafft haben. Die Bilder stellen
Klatschbase und Königin der einen privilegierten und selbst-
Intrigen fungiert. Die Installation entworfenen Lifestyle zur Schau,
ist aus scheinbar willkürlichen der vollständig aus Codes und
Materialien zusammengesetzt, Elementen zusammengesetzt
anhand derer der Mikrokosmos ist, die mit den verschiedenen
der Serie repräsentiert wird, was Stereotypen jener Frauen assoziiert
im Spannungsfeld zwischen Hype werden, die üblicherweise in den
und Belanglosigkeit endet. Social Media gefeiert werden.
21
KHW_FOM_BOOKLET_DE_02.indd 21 28/01/15 17:29Die Online-Performance umfasst der Zeit als messbarer und
Nacktaufnahmen, luxuriöse damit quantifizierbarer Einheit:
Settings, teure Konsumgüter Ein Tag entspricht 24 Stunden,
und plastische Chirurgie eine Stunde 60 Minuten, eine
(die Brustimplantate waren Minute 60 Sekunden. Ignacio
vorgetäuscht, aber die Künstlerin Uriartes Installation 60 seconds
hat sich für dieses Werk einer bringt in diese mechanische,
Nasenoperation unterzogen). Durch unseren Lebensalltag prägende
diese visuell ansprechenden und Zeiterfassung fast unmerklich
scheinbar unauffälligen Bilder Unruhe, denn die sechzig
wird der weibliche Körper, der Armbanduhren, die er aneinander
sich allmählich in eine Online- gebunden und zu einem Kreis
Ware verwandelt, zum zentralen formiert hat, geben zwar die
Element des Werks. Neben reale Zeit wieder, aber jede der
unzähligen, beiläufig zur Schau Uhren geht im Vergleich zu ihrem
gestellten „gender issues“ legt Vorgänger jeweils eine Sekunde
Ulmans Performance den Grad vor. So entsteht ein an den
der Manipulation offen und die Zifferblättern ablesbarer Zeitraum
leichtfertige Akzeptanz des von 60 Sekunden, der mit einer
Publikums von etwas, das als Geschwindigkeit von einem Kreis
Wahrheit präsentiert wird. pro Minute fortschreitet. Jede volle
Stunde springt zudem ein Piepston
von einer Uhr zur nächsten und
signalisiert, das nun bereits 60
Ignacio Uriarte Minuten vergangen sind.
* 1972 in Krefeld, lebt in Berlin Uriarte, der Wirtschafts-
wissenschaften studiert und für
verschiedene Konzerne gearbeitet
hat, bevor er sich der bildenden
Kunst zuwandte, beschäftigt
sich in seinen Werken häufig mit
standardisierten Systemen und
Formen der Verwaltung. Durch die
klare Struktur seiner Arbeiten und
den weitgehenden Verzicht auf
Ignacio Uriarte, 60 seconds, 2005 einen subjektiven künstlerischen
Gestus zitiert er konzeptuelle
60 seconds, 2005 Strömungen der 1960er und 70er
Installation, Armbanduhren, Jahre, die er der alltäglichen
Durchmesser 400 cm Ästhetik unserer verwalteten Welt
Courtesy der Künstler und anpasst. Fragen zu Zeit, Struktur,
Galerie Nogueras Blanchard, Ordnung und Monotonie stehen bei
Barcelona/Madrid seinen minimalistisch-lakonischen
Werken dem kreativen Potenzial
Unsere auf der chronometrischen scheinbar ineffizient verbrachter Zeit
Zeitmessung basierende gegenüber, die sich plötzlich in eine
Zeitbestimmung folgt dem Primat eigenständige Größe verwandelt.
22
KHW_FOM_BOOKLET_DE_02.indd 22 28/01/15 17:29der Auswahl ist die Interpretation von
Dragana Žarevac Happy durch eine Gruppe iranischer
Jugendlicher, die in Reaktion auf
* 1959 in Belgrad, lebt in Belgrad ihre Initiative verhaftet und bestraft
wurden, da ihr Clip als sittenwidrig
eingestuft wurde. In anderen Videos
tanzen Bewohner/innen Gazas
oder syrische Flüchtlinge. Žarevac
adaptiert Videos, die Aufmerksamkeit
auf globale Krisengebiete lenken und
deren Macher proklamieren, was im
Titel der Arbeit anklingt: Widerstand
gegen das Verschwinden von
Dragana Žarevac, Resist: Disappearing Happiness, 2014 Glücklichsein.
Resist: Disappearing Happiness,
2014
2-Kanal-Videoinstallation, 4 Min. Programm
Courtesy die Künstlerin
Der Popsong Happy von Pharrell Filmprogramm
Williams wurde 2014 auf Radio-, TV-
und Internet-Kanälen der ganzen Do 12/3 2015, 19 Uhr
Welt gespielt. In dem Lied besingt Reappearing Things
der Amerikaner gute Laune und eine Zusammengestellt von Goran Petrović
positive Lebenseinstellung: Nichts
kann das Gemüt des Interpreten Anlässlich der Ausstellung
trüben, im zugehörigen Musikvideo Disappearing Things in Belgrad,
bewegt er sich tanzend und lachend, die den Ausgangspunkt von
den Blick auf die Kamera gerichtet, The Future of Memory bildet, hat
im urbanen Raum. Das Konzept der Filmkurator Goran Petrović
dieses und der in Reaktion darauf eine Auswahl an Künstlerfilmen
von Fans aus der ganzen Welt zusammengestellt, die anhand
produzierten Clips bleibt in der der Aneignung gefundenen
Regel gleich: Eine oder mehrere Filmmaterials die Frage nach
Personen tanzen glücklich in der einer möglichen Repolitisierung der
Öffentlichkeit. Die Choreographie Kunst stellen.
des originalen Musikvideos lieferte
eine international populäre Vorlage In der Auseinandersetzung mit der
zum Nachdrehen eigener Versionen, Geschichte von Foto-, Video- und
die auf die Video-Plattform YouTube Print-Archiven problematisiert das
hochgeladen wurden. Filmprogramm die vereinfachende
Zusammenführung verschiedener
Für Resist: Disappearing Happiness Diskurse in der post-politischen
kompiliert die serbische Künstlerin Gesellschaft und verweist zugleich
Dragana Žarevac eine Auswahl auf das Potenzial von Kunst, den
der Videos aus dem Internet, die Herausforderungen des derzeitigen
nebeneinander gezeigt werden. Teil politischen Systems zu begegnen.
23
KHW_FOM_BOOKLET_DE_02.indd 23 28/01/15 17:29Die Auseinandersetzung mit der Do 19/2 2015, 19 Uhr
Vergangenheit steht dabei nicht Performance von Hanne Lippard
im Kontext bloßer Erinnerung,
sondern gegenwärtiger Hanne Lippards textbasierte
Überlegungen in Hinblick auf Arbeiten greifen Stereotype
zukünftige Handlungsfelder. alltäglichen Sprechens auf und
Welche Vergangenheit konstruieren verwandeln sie in Kompositionen
wir vor der Folie welcher Sicht auf aus Wörtern, die von syntaktischer
die Gegenwart? Wiederholung und lexikalischer
Verfremdung geprägt sind.
Zachary Formwalt, Through a Fine
Screen, 2010, 20’30’’ In ihren Performances wird ihre
Sophie Hamacher, Self Portrait, Stimme zu einem mechanischen
2010, 9’ Erzählinstrument, das
Sarah Vanagt, Elevage de akkumuliertes Sprachmaterial
poussière / Dust Breeding, 2013, 47’ aus Zitaten, Slogans und SMS
Raed Yassin, The New Film, 2008, in melodische Abstraktionen
12’ verwandelt.
Phil Collins, marxism today,
(prologue), 2010, 35’
Clemens von Wedemeyer,
The Fourth Wall: Found Footage, Gespräch
2008-2009, 31’
Benj Gerdes, Intelligence Failures: So 8/3 2015, 12 Uhr
Minutes 39-54, 2003, 7’ Wir verstehen es (noch) nicht
Ausstellungsgespräch mit
Andrea Hubin und Gästen
Performances Zu welchem Zeitpunkt kann man
wissen, was eine Ausstellung
Mi 4/3 2015, 19 Uhr bedeutet und bedeutsam macht?
Performance von Amalia Ulman Wenn das Thema im Rahmen der
Konzepterstellung festgelegt wird,
Amalia Ulmans Excellences and wenn die Künstler/innenlisten
Perfections ist eine detailliert fixiert sind, am ersten Tag nach der
ausgearbeitete Online- Eröffnung? Was, wenn wir davon
Performance, die die Künstlerin ausgehen, dass sich das tatsächlich
ausschließlich über Facebook, Besondere und Diskussionswürdige
Instagram und Twitter verbreitet hat. einer Ausstellung erst zeigt, wenn
sie steht; zudem ein kritisches oder
Die Abfolge erdachter Ereignisse auch nur benennendes Urteil über
und Erlebnisse sowie deren visuelle „was es nun geworden ist“ nur aus
Inszenierung nähern sich der der Konfrontation verschiedener
narrativen Struktur und Ästhetik der Sichtweisen auf das Gezeigte
Social Media an, bis die Grenzen erwachsen kann? Wie soll man unter
von Realität und Fiktion in der diesen Bedingungen im Voraus
medialen Selbstinszenierung planen, worüber man begleitend zur
verschwimmen. Ausstellung reden wollen wird?
24
KHW_FOM_BOOKLET_DE_02.indd 24 28/01/15 17:29Die Gesprächsreihe Wir verstehen Seminar mit Leon Kahane
es (noch) nicht stellt sich – erstmals Die Politik der Bilder
im Rahmen der Ausstellung 5/2 & 6/2 2015
The Future of Memory – der
Herausforderung und lädt Gäste und Leon Kahane (*1985) hat an der
Interessierte zu einer Annäherung Berliner Ostkreuzschule für
an einen „komplizierten Prozess“, Fotografie und an der Universität
der möglicherweise „niemals zu der Künste in Berlin studiert.
eindeutigen Ergebnissen führt. [Das Seine Video- und Fotoarbeiten
Verstehen] ist eine nicht endende thematisieren unter anderem
Tätigkeit, durch die wir Wirklichkeit, Migration und politischen Protest
in ständigem Abwandeln und aus einer konzeptuellen Perspektive,
Verändern, begreifen und uns mit ihr die sich mit der Komplexität
versöhnen, das heißt durch die wir visueller Medien als Dokument
versuchen, in der Welt zu Hause zu gesellschaftlicher Realität
sein.“ (Hannah Arendt) auseinandersetzt. Das gemeinsam
mit dem Berliner Künstler Fabian
Bechtle konzipierte Seminar
beschäftigt sich mit dem politischen
Seminare Bild ebenso wie der allgemeinen
Politik der Bilder. Ausgehend von
Die Seminare der Kunsthalle der Idee und Funktion des Archivs
Wien bieten eine intensive geht es insbesondere Formen
Auseinandersetzung mit politischer Bildung nach, die aus
zeitgenössischer Kunst und dem Umgang mit Archivmaterial
damit verbundenen Themen und und dem Internet als dem größten
Fragestellungen. Sie entstehen Bildarchiv entstehen können.
in enger Zusammenarbeit mit
Künstler/innen, die an den Seminar mit Amalia Ulman
Ausstellungen der Kunsthalle Digital Images of the Female
Wien beteiligt sind, und anderen 5/3 & 6/3 2015
Expert/innen auf dem Gebiet der
Gegenwartskunst. Amalia Ulmans (*1989) künstlerische
Praxis ist eine Mischung aus
Theorie und Praxis, Analyse und Malerei, Skulptur, Phone Apps
eigenständiges Umsetzen eigener und Skype Vorlesungen. Sie
Ideen stehen bei den jeweils interessiert sich für Formen der
mehrtägigen Veranstaltungen Selbstrepräsentation im Zeitalter
gleichwertig nebeneinander. Die von Social Media und Photoshop
Zahl der Teilnehmer/innen ist auf und die damit verbundenen
maximal 15 begrenzt. Interessenten Blickstrategien. Ihr Blick auf
schicken bitte einen Lebenslauf heutige Bilder von Weiblichkeit
sowie ein Motivationsschreiben wirkt scheinbar affirmativ, ist aber
an die Vermittlungsabteilung der von einer kritischen Hinterfragung
Kunsthalle Wien (vermittlung@ adaptierter Ideale geprägt.
kunsthallewien.at). Die Auswahl der Das Seminar findet in englischer
Teilnehmer/innen erfolgt auf Basis Sprache statt.
ihrer Bewerbung. Anmeldefrist: 26. Februar 2015
25
KHW_FOM_BOOKLET_DE_02.indd 25 28/01/15 17:29Führungen Impressum
Jeden Sonntag um 16 Uhr finden © 2015 Kunsthalle Wien GmbH
kostenlose Themenführungen durch
die Ausstellung statt. Direktor:
Nicolaus Schafhausen
8/2 2015
Forget it! Das Internet als Kaufmännische Geschäftsführerin:
immerwährender Speicher Ursula Hühnel-Benischek
15/2 2015 The Future of Memory
Die Gegenwart ist die Zukunft der Eine Ausstellung über die
Vergangenheit Unendlichkeit der Gegenwart
4/2 – 29/3 2015
22/2 2015
Remix, cut & paste: neuformatierte Ausstellung
Erinnerungskultur
Kurator:
1/3 2015 Nicolaus Schafhausen
Kollektives Gedächtnis und
individuelles Erinnern Assistenz:
Marie Egger
8/3 2015
Mnemosyne im digitalen Zeitalter Ausstellungsarchitektur:
Bundschuh Architekten
15/3 2015
Aufschreibesysteme 2.0 Ausstellungsmanagement:
Karin Haas
22/3 2015
Stage yourself! Soziale Medien als Bauleitung:
Bühnen des Selbst Johannes Diboky
29/3 2015 Technik:
Virtuelle Speicher und subjektives Beni Ardolic
Gedächtnis Frank Herberg
Mathias Kada
Othmar Stangl
Externe Technik:
Hermann Amon (Video, Audio)
Dietmar Hochhauser
Alfred Lenz
Danilo Pacher
Ausstellungsaufbau:
Marc Dumoulin
Chris Fortescue
26
KHW_FOM_BOOKLET_DE_02.indd 26 28/01/15 17:29Johnann Groebner Texte:
Scott Hayes Marie Egger
Emilie Lauriola
Marketing: Vanessa Joan Müller
Dalia Ahmed
David Avazzadeh Lektorat und Übersetzung
Katharina Baumgartner aus dem Englischen:
Bernadette Vogl Vanessa Joan Müller
Christina Dopplinger (Praktikantin)
Claudia Peintinger (Praktikantin) Redaktion:
Katharina Baumgartner,
Presse und Kommunikation: Bernadette Vogl
Katharina Murschetz
Stefanie Obermeir Art direction:
Hannah Kocevar (Praktikantin) Boy Vereecken
Kuratorin des Design:
Veranstaltungsprogramms: Antoine Begon
Vanessa Joan Müller
Vermittlung:
Isabella Drozda Information
Belinda Hak
Anna May Mehr Informationen zu Führungen
und Programm finden Sie unter:
Kunstvermittler/innen: kunsthallewien.at
Wolfgang Brunner blog.kunsthallewien.at
Daniela Fasching facebook.com/KunsthalleWien
Maximiliano Kostal instagram.com/KunsthalleWien
Ursula Leitgeb twitter.com/KunsthalleWien
Alexandra Matzner #Future
Martin Pfitscher
Michael Simku Kunsthalle Wien GmbH
Museumsplatz 1
Assistenz der Geschäftsführung: 1070 Wien, Austria
Sigrid Mittersteiner www.kunsthallewien.at
+43 (0) 1 5 21 89-0
Buchhaltung:
Mira Gasparevic
Doris Hauke
Besucherservice:
Christina Zowack
Ausstellungsbooklet
Herausgeber:
Kunsthalle Wien GmbH
27
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