BONN ART KARLSRUHE SELECTIONS - INHOUSE-MESSE IN DER GALERIE BENTLER - MAI 2021
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ar t KARLSRUHE Selections
BONN
17. MAI 2021
–
27. JUNI 2021
InHouse-Messe
in der Galerie Bentler
Sollten Sie Interesse haben, sich die Werke der Künst-
ler in der Galerie anzusehen, so setzen Sie sich bitte
17. MAI - 27. MAI 2021
telefonisch oder per E-mail mit uns in Verbindung.
Bei Interesse an einem einzelnen Werk können Sie BETTINA HACHMANN
gerne einen Termin bei Ihnen zu Hause vereinbaren.
MARKUS LÜPERTZ
Seit einigen Wochen werden alle Mitarbeiter der Ga-
lerie regelmäßig auf Covid-19 getestet, so dass mit MARIUS SINGER
unserem zusätzlichen Hygienekonzept eine größt-
mögliche Sicherheit geboten wird. Wir vergeben aus-
GÜNTHER UECKER
schließlich Einzeltermine mit wenigstens 60 Minuten
Abstand.
Kontakt:
Fon: +49 228 96119195 31. MAI - 11. JUNI 2021
Jenny Geißler 017680378443
Bernd Bentler 017621033306
Alle Werke, die wir präsentieren, finden Sie unter
MICHAEL CLEFF
„Künstler“ auf unserer Internetseite.
berndbentler.de
AJA VON LOEPER
SYBILLE PATTSCHECK
GÜNTHER UECKER
14. JUNI - 25. JUNI 2021
MARTIN NOËL
THOMAS RÖTHEL
BERNARD SCHULTZE
ANDRÉ SCHWEERS
3
Sehr geehrte Damen und Herren,
liebe Leserinnen und Leser,
„Die einzige Konstante im Leben ist die Veränderung!“ weils, so dass wir nach insgesamt sechs Wochen das Galeristin oder Galerist zu sein, eine Galerie zu führen, neue Sicht auf die Welt. Und allein das ist eine so große
Dieses bekannte Zitat des griechischen Philosophen Programm, welches wir auf der art KARLSRUHE prä- Gespräche mit Kunden und Künstlern zu führen, Strate- Bereicherung, dass wir ihre homöopathische Wirkung
Heraklit beinhaltet heute wohl mehr Wahrheit als je- sentiert hätten, in der Galerie gezeigt haben. gien zur Präsentation und Vermarktung zu entwickeln nie mehr vermissen wollten.
mals zuvor. und vieles andere mehr, das macht Freude. Uns jeden-
Ganz besonders freut es uns, dass diese renommier- falls! Warum? Weil uns der Umgang mit Kunst und Natürlich stellte sich irgendwann die Frage, was war vor
Die Veränderungen unseres Lebens durch die Pande- te Kunstmesse dieses Konzept mitträgt und unter art Künstlern bereichert! ZERO, welche Kunstrichtung war hier vorherrschend?
mie sind gerade in der Kultur und Museumslandschaft KARLSRUHE Selections auf allen Media-Kanälen unter Jedenfalls mit denen, die wir in der Galerie präsen- Zu unserer großen Freude entdeckten wir für uns die
überdeutlich zu spüren, ist dieses doch ein Bereich, der diesem Titel Informationen bereitstellt und diese Ver- tieren. Und völlig zu Recht werden Sie denken: Kein „Informelle Kunst“.
vom Publikum erst beseelt wird und dadurch lebt. Mu- anstaltung bewirbt. So entsteht zwischen Galerie und Wunder, haben sie sich doch genau diese Künstler „Diese Kunst, die als erste das Lebensgefühl der 50er
seen und Galerien sind geschlossen, alle Kunstmessen Messe eine komplett neue Form der Zusammenarbeit, ausgesucht. Aber: Warum haben wir uns diese Künst- und 60er Jahre aufnahm, befand sich auf der Suche
abgesagt. die sich an der Veränderung der Umstände durch die ler ausgesucht? Warum nicht andere? Guter Einwand, nach neuen Ausdrucksformen, nach Neuem, das nicht
Pandemie orientiert. gute Fragen. durch die unmittelbare Vorgeschichte des Zweiten
Auch die art KARLSRUHE 2021, die in diesen Tagen Weltkriegs indoktriniert war und gleichzeitig größt-
stattfinden sollte, fällt ersatzlos aus. Das ist für die Natürlich freuen sich die Künstlerinnen und Künstler, Zunächst: Wir haben nicht jede und jeden, die und den mögliche Freiheit ermöglichte. Den Künstlern ging es
gesamte süddeutsche Region ein herber Verlust, aber wenn Sie als kunstinteressiertes Publikum diese Veran- wir gerade bekommen konnten, in die Galerie gebeten. um die Auflösung von Konzept und Form.
auch für die teilnehmenden Galerien und vor allen Din- staltung mittragen und durch Ihre Teilnahme zu einem Häufig haben wir lange gesucht und gezaudert und uns Was zählte, waren Gefühl, Eingebung und Spontani-
gen für die Künstlerinnen und Künstler, die sonst keine Erfolg werden lassen. Es ist eine sehr große Chance für gefragt, ob diese oder jener zu uns passen. Denn es gibt tät. Planerisches Denken war out. Die Rolle des Zufalls
Möglichkeit haben, ihre Werke zu präsentieren und zu alle Beteiligten. Eine schönere und bessere Art der ge- Kriterien der Auswahl. war eine wichtige: Mit ihm wurde experimentiert und
verkaufen. Bedenkt man, dass alle Künstlerinnen und lebten Solidarität könnte man sich kaum vorstellen. Diese Galerie hat nämlich ein Thema! Die Arbeit mit provoziert. Gleiches galt für Materialien und Prozesse.
Künstler komplett neue Werke für die Messe geschaf- und die Suche nach dem Licht in der Kunst, verbunden Der eigentliche Schaffungsprozess selbst beinhaltete
fen haben, so kann man vielleicht ermessen, wie groß Und möglicherweise stimmen Sie ja mit uns überein: mit der Suche nach der dritten Dimension. vielfach einen ungewöhnlich tatkräftigen Körperein-
der Schaden ist. Wer in Veränderungen Chancen sieht und der Vergan- Und genau hier wird es schwierig. Da reicht es eben satz, eben große Gesten, denn Farbe kam nicht brav
genheit nicht nachtrauert lebt im Hier und Jetzt und nicht, ein Bild zu malen, da muss es mehr sein. Und mit dem Pinsel sondern höchst unkonventionell gestri-
Wie geht man mit dieser Situation um? Fügt man sich freut sich auf die Zukunft. Die Zukunft wird in allen wenn man bedenkt, dass die Suche nach dem Licht, so chen, geschüttet, verrieben, zerlaufen auf die manch-
und ergibt sich in sein Schicksal oder versucht man, mit Lebenslagen noch viele Veränderungen für uns bereit wie Otto Piene es einmal formuliert hat, immer auch mal zerkratzte Leinwand.“ (rheinische ART 5/2010)
diesen Veränderungen kreativ umzugehen? halten, ob wir wollen oder nicht. Nehmen wir diese He- die Suche nach Erleuchtung ist, dann muss das Kunst-
rausforderung an und nutzen wir die darin liegenden werk zusätzlich eine Antwort auf die eine oder andere Und so sehen wir das „Informel“ als Wegbereiter für
Zusammen mit der art KARLSRUHE und einigen ande- Chancen. Frage des Lebens geben. nachfolgende Kunstrichtungen: Die Suche nach Neuem
ren Galerien haben wir uns für das Zweite entschie- und nach Freiheit, die Wichtigkeit von Gefühl, Eingebung
den. Unsere Antwort auf diese Veränderung heißt art Herzlichst Ihre Seit einigen Jahren haben wir Künstlerinnen und Künst- und Spontanität machte danach alles möglich und gab
KARLSRUHE Selections. ler, die diesen Kriterien entsprechen, auf der art Karls- Antworten auf viele Fragen.
ruhe ausgestellt. Auch in diesem Jahr wären sie dort
Die Idee dabei ist, dass wir unsere Galerie wie einen präsentiert worden. Da das aber im Moment nicht Nach unserer sehr erfolgreichen Ausstellung „Informel –
Messestand gestalten und in vier gleichgroße Räume geht, möchten wir hier wenigstens einen kleinen Über- Das Prinzip der Formlosigkeit“ im vergangenen Herbst
aufteilen. So können wir jeweils vier Künstlerinnen blick zeigen. wird die Informelle Kunst nun in Zukunft ein zusätz-
oder Künstler in einer One Artist Show gleichzeitig für licher Schwerpunkt unserer Galeriearbeit werden.
die Dauer von zwei Wochen präsentieren. Nach zwei Begonnen allerdings hat unsere „Reise“ durch die Welt Beginnen wollen wir diese Arbeit mit einer One-Artist-
Wochen wechseln die Künstlerinnen und Künstler je- Jenny Geißler und Bernd Bentler der Kunst in den 80er Jahren. Heinz Mack, Otto Piene, Show von Bernard Schultze zum Abschluss unserer Mes-
Günther Uecker lernten wir während dieser Zeit ken- seausstellung.
nen und schätzen. Ihre Arbeit mit und die Suche nach Und so freuen wir uns auf Bernard Schultze, aber na-
dem Licht faszinierte uns von Anfang an und prägte türlich auch auf alle anderen Künstlerinnen und Künst-
uns für die Zukunft. Diese optimistische Avantgarde ler, die unsere Messeausstellung möglich machen und
schenkte uns und vielen unserer Kunden eine positive, bereichern.
5
17. MAI - 28. MAI 2021 BETTINA HACHMANN
Bettina Hachmann
1967 geb. in Geldern
1973-1983 aufgewachsen in Flensburg
Seit 1999 regelmäßige Ausstellungsbeteiligungen im
In- und Ausland
Seit 2004 Atelier Schloss Wissen, Weeze
Mitglied im BBK Niederrhein
Bettina Hachmann • ohne Titel Bettina Hachmann • ohne Titel
2020 • 52 x 41 cm in Acrylvirtine • Mixed Media auf Büttenpapier 2021 • 140 x 120 cm • Mixed Media auf Leinwand
Es sind weit mehr als 10 Jahre vergangen, nachdem
wir Bettina Hachmann, eine Künstlerin, die sich damals
auf eine wunderbare Weise ins Leben zurück gekämpft
hatte und in Ihren Arbeiten das Leben und die Zukunft
feierte, kennenlernten. Ihre hellen, fast weißen und
doch lebendigen Leinwände, die sie bei der Arbeit mit
viel Kraft an vielen Stellen geöffnet hatte, so dass Fon-
tana seine Freude gehabt hätte, und die so den Blick
hinter die Fassade erlaubten, erzählten vom gelebten
Leben, von der Kraft, die es braucht, vom Mut, der un-
erlässlich ist und von der Sensibilität, die es so sinnhaft
und sinnenfreudig macht und durch die dritte Dimen-
sion letztendlich von Licht und Schatten, welche ja in
jedem Leben gegenwärtig sind.
Welch eine große Freude, dass Bettina Hachmann die-
se Reise bis heute fortsetzt und in diesem Jahr eine
große Ausstellung im Kunstverein Bad Nauheim in der
Zeit vom 25. September bis zum 07. November 2021
bekommt und dass der Hirmer Verlag eine wunderba-
re Monografie mit dem Titel „Layer by Layer“ über sie
verlegt hat. Natürlich ist dieses Buch druckfrisch in der
Galerie zu erhalten. Es lohnt sich.
7
Bettina Hachmann • ohne Titel Bettina Hachmann • ohne Titel
2021 • 150 x 160 cm • Mixed Media auf Leinwand 2021 • 140 x 150 cm • Mixed Media auf Leinwand
9
Bettina Hachmann • ohne Titel
2021 • jeweils 70 x 90 cm • Mixed Media auf Leinwand
Bettina Hachmann • ohne Titel
2020 • 140 x 120 cm • Mixed Media auf Leinwand
11
Bettina Hachmann • ohne Titel
2021 • 140 x 120 cm • Mixed Media auf Leinwand
Bettina Hachmann • ohne Titel
2018 • jeweils 70 x 70 cm
Mixed Media auf Leinwand
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17. MAI - 28. MAI 2021 MARKUS LÜPERTZ
Markus Lüpertz
1941 geboren in Liberec / Böhmen
1988-2009 Rektor der Staatlichen Kunstakademie
Düsseldorf
Lebt in Berlin, Düsseldorf, Mailand
Während sich seine Zeitgenossen dem Informel und Die Versehrtheit der unvollkommenen und nach an-
Tachismus hingeben, bleibt Lüpertz, nach seiner Aus- tikem Vorbild farbig bemalten Skulpturen soll die Er-
bildung an der Werkkunstschule in Krefeld und der innerung an das einst Erhabene und Vollkomme in der
Staatlichen Kunstakademie in Düsseldorf, der gegen- Kunst aufrechterhalten.
ständlichen Malerei treu. Ebenso entwirft er Aquarelle und Gouachen, die sich
Am Anfang seines Schaffens steht die „dithyrambi- mit der antiken Mythologie auseinandersetzen und
sche Malerei“, deren philosophischer als auch my- diese hinsichtlich unserer modernen Welt neu für die
thologischer Ansatz sich auf Nitzsche und den Gott Gegenwart interpretiert.
Dionysos stützt. Seine geheimnisvollen Elemente, Neben seiner Tätigkeit als Maler arbeitet Lüpertz als
kombiniert mit überdimensionaler gegenständlicher Bühnenbildner, Dichter, Theaterproduzent und war
Malerei, erzeugen eine große Wissens- und Neugier von 1986 – 2003 Direktor der Staatlichen Kunstaka-
im Betrachter. demie in Düsseldorf. Er vereint in seinem Werk seinen
In den 70er Jahren folgt eine intensive Auseinander- persönlichen Sinn für Humor mit seiner rebellischen
setzung mit der deutschen Geschichte in den „deut- Art, Regeln zu brechen.
schen Motiven“. Stillebenartige militärische Gegen- Ein geheimnisvolles Gesamtwerk ist entstanden, das sich
stände sollen in einer neuen Aura an den vergangenen gleichzeitig als Weltzugang und Weltdeutung eignet.
Krieg erinnern.
Markus Lüpertz • Eule der Athene
2015 • 38 x 26 x 18 cm • Bronzeguss handbemalt • Auflage: 45 Exemplare arab. num. zzgl. E.A.
15
Markus Lüpertz • Herkules Markus Lüpertz • Herkules
2013 / 19 • 94,5 x 69,5 cm • handaquarellierte Radierung 2016 • 43 x 18 x 16 cm • Bronzeguss handbemalt • Auflage: 45 Exemplare arab. num. zzgl. E.A.
17
Markus Lüpertz • Fortuna
2013 • 39 x 11,5 x 7,5 cm • Plastik aus
Gips handbemalt
Markus Lüpertz • Fortuna
2005 / 19 • 94,5 x 69,5 cm • handaquarellierte RadierungMarkus Lüpertz • Das Grundgesetz
2013 • 36 x 16 x 10 cm • Bronzeguss handbemalt • Buch zur Skulptur • Auflage: 950 Exemplare, monogramiert und nummeriert Markus Lüpertz • Atlas
2013 / 19 • 94,5 x 69,5 cm • handaquarellierte Radierung
2117. MAI - 28. MAI 2021 MARIUS SINGER
Marius Singer • Leichtigkeit
2021 • 57 x 76 cm • Öl / Acryl auf Fabriano Carton
Marius Singer
Marius Singer ist der Maler des Lichtes. Auf den ersten 1959 geboren in Bergisch Gladbach
Blick sind seine Werke schwer in unser Thema einzu- 1980 Abitur, Köln
ordnen. Was die Quadratur des Kreises in der Mathe- 1981 – 86 Studium der Freien Kunst an der
matik ist, das ist der konkrete Weg in die Abstraktion in Fachhochschule für Kunst und Design, Köln
der Malerei für Marius Singer. Diesen Weg beschreitet Studienaufenthalte in Italien, Frankreich,
der Künstler konsequent. Australien und Südafrika
Wir kennen Abstraktion normalerweise eben nur als Lebt und arbeitet in Erpel
gegenstandslos. Marius Singer aber versucht immer Marius Singer • Spiegelung
wieder ein Bild zu malen, welches zwar als Landschaft 2021 • 120 x 120 cm • Öl / Acryl auf Leinwand
noch erkenntlich ist, aber die Essenz aller insgesamt
möglichen Landschaften darstellt, eben die „Land-
schaft an sich“ ist, in der alle Landschaften, an die der
Betrachter sich erinnern kann, mit ihren Lichtverhält-
nissen enthalten sind. Ein weiter und unendlich schwe-
rer Weg, den der Maler konsequent geht und auf dem
er schon sehr weit fortgeschritten ist.
23Marius Singer • Leichtigkeit Marius Singer • Leichtigkeit
2021 • 57 x 76 cm • Öl / Acryl auf Fabriano Carton 2021 • 57 x 76 cm • Öl / Acryl auf Fabriano Carton
25Marius Singer • Weiter Horizont
2021 • 80 x 80 cm • Öl / Acryl auf Leinwand
Marius Singer • Leichtigkeit
2021 • 150 x 150 cm • Öl / Acryl auf Leinwand
27Marius Singer • Leichtigkeit
2021 • 80 x 200 cm • Öl / Acryl auf Leinwand
29Marius Singer • Morgenstimmung
2021 • 60 x 80 cm Öl / Acryl auf Leinwand
Marius Singer • Wärme
2021 • 150 x 120 cm • Öl / Acryl auf Leinwand
3117. Mai - 28. Mai 2021 GÜNTHER UECKER
Günther Uecker
1930 geboren in Wendorf
Studium Fachhochschule für Angewandte Kunst,
Wismar;
Kunstakademie Düsseldorf bei Otto Pankok
Professur Kunstakademie Düsseldorf
Gründungsmitglied der Gruppe ZERO
Begonnen hat unsere „Reise“ durch die Welt der Kunst
in den 80er Jahren. Heinz Mack, Otto Piene, Günther Ue-
cker lernten wir während dieser Zeit kennen und schät-
zen. Ihre Arbeit mit und die Suche nach dem Licht faszi-
nierte uns von Anfang an und prägte uns für die Zukunft.
Diese Avantgarde schenkte uns und vielen unserer Kun-
den eine neue Sicht auf die Welt. Und allein das ist eine
so große Bereicherung, dass wir ihre homöopathische
Wirkung nie mehr vermissen wollten.
Folgerichtig begleiteten wir die Wege der ZERO-Künstler
mit zahlreichen Ausstellungen bis auf den heutigen Tag.
Ganz besonders bei Günther Uecker ist diese Suche
nach und die Arbeit mit dem Licht in seinen dreidimen-
sionalen Nagelobjekten bis zum heutigen Tage deutlich
zu erkennen. Von allen Seiten präsentiert sich durch
den Effekt von Licht und Schatten ein unterschiedlicher
Eindruck seiner Werke. Erstaunlicherweise gelingt es
Uecker, mit diesem schlichten Gebrauchsgegenstand
und seinem Werkzeug, dem Hammer, Arbeiten von ex-
trem unterschiedlicher Ausstrahlung zu fertigen. Von
wirklich zerstörten, weil völlig zersplitterten Holzober-
flächen mit krumm geschlagenen, schwarz gefassten
Nägeln, deren Gesamtwirkung an die Zerstörungen des
Krieges erinnern, bis zu harmonisch schwingenden,
weiß übermalten Nagelfeldern, die an die Schwingun-
gen der Gräser im Wind angelehnt sind und Frieden
und Ruhe in die Herzen der Betrachter senken.
Selbst in seinen Reliefdrucken, seinen Prägungen in
weißem Papier, ist diese harmonische und positive
Sicht auf die Welt präsent, so dass es sich wirklich
lohnt, sich mit solchen Arbeiten zu umgeben. Wie
Eingangs gesagt: Bekommt man doch genau diese
Wirkung bei Günther Uecker in homöopathischen
Dosen verabreicht.
Günther Uecker • Feld
2016 • 60 x 60 cm • Nägel auf Holzbrett mit Farbe
33Günther Uecker • both
2019 • 120 x 178 cm • Prägedruck gerahmt im Weißgold-Rahmen • Auflage: 70 Exemplare arab. num., zzgl. E.A.
3531. MAI - 11. JUNI 2021 MICHAEL CLEFF
Michael Cleff
1961 in Bochum geboren.
1990/96 Bildhauerstudium, Kunstakademie Düssel-
dorf, Meisterschüler bei Prof. Fritz Schwegler.
Lebt und arbeitet in Bochum und Mülheim / Ruhr.
Michael Cleff stellt künstlerische Keramiken her. Seine
Arbeiten, die er selbst Plastiken nennt, beeindrucken
seit vielen Jahren durch ihre konzentrierte Kraft, die sie
aus ihrer Schlichtheit beziehen, aus ihrer Geschlossen-
heit und aus der Stringenz, mit der Cleff seine Konzep-
tion verfolgt und immer weiter vorantreibt.
Wenige formale Bestandteile werden mit Bedacht va-
riiert und in immer neue Beziehungen gebracht. Cleffs
minimalistisches Konzept fußt dabei auf wiederkeh-
renden geometrischen Grundformen - Kreis, Quadrat,
Rechteck, Ellipse - und einer reduzierten, monochro-
men, neuerdings aber auch ins Kolorierte ausweichen-
den Farbgebung. Es ist, als habe er sich für bestimmte
Töne oder eine gewisse Anzahl von Silben entschieden,
aus deren unterschiedlicher Kombination er nun immer
neue Tonfolgen fügt oder Verszeilen baut. Insbesonde-
re, wenn man mehrere von Cleffs Arbeiten zugleich be-
trachten kann, hat dies ein meditatives Gleichmaß; das
ruhige Gleichmaß dessen, der die Phänomene durch
die immer neue Deklination des Beobachteten zu be-
greifen sucht.
Seine Keramiken werden in den Museen rund um den
Globus ausgestellt: Allein in den USA in sieben Mu-
seen, in Japan, Korea, Frankreich, Italien, Schweiz und
anderen Ländern. Seine Auszeichnungen und Preise
kommen ebenfalls nicht nur aus Deutschland, sondern
genau so aus Italien, Frankreich und Japan.
Michael Cleff • Plan 25 Michael Cleff • Kleiner Plan 56
2020 • H 8,5 cm L 42 cm W 24 cm • Steinzeug, Engobe, Farbkörper 2021 • H 8 cm L 36 cm W 14 cm • Steinzeug, Engobe, Farbkörper
Wandarbeit und stehende Arbeit Wandarbeit und stehende Arbeit
Michael Cleff • Liquids 42
2021 • H 17,5 cm L 58,5 cm W 35,5 cm
Steinzeug, Engobe, Kobaltoxid, Glasur
Wandarbeit und stehende Arbeit
37Michael Cleff • Liquids 40 Michael Cleff • Liquids 37
2020 • H 19 cm L 31 cm W 27 cm 2020 • H 17 cm L 33 cm W 25 cm
Steinzeug, Engobe, Kobaltoxid, Glasur Steinzeug, Engobe, Glasur
Wandarbeit und stehende Arbeit Wandarbeit und stehende Arbeit
39Michael Cleff • Über Mauern 9 Michael Cleff • Plan 29 2018 • H 10 cm L 68 cm W 57 cm 2021 • H 8 cm L 53 cm W 34 cm Steinzeug, Engobe, Oberfläche diamantgeschliffen Steinzeug, Engobe, Kobaltoxid Wandarbeit und stehende Arbeit Wandarbeit und stehende Arbeit
Michael Cleff • Plan 26 Michael Cleff • Plan 32
2020 • H 7 cm L 27,5 cm W 19,5 cm • Steinzeug, Engobe, Kobaltoxid, 2021 • H 7,5 cm L 41 cm W 21 cm • Steinzeug, Engobe, Kobaltoxid
Farbkörper • Wandarbeit und stehende Arbeit Wandarbeit und stehende Arbeit
Michael Cleff • Plan 35
2018 • H 6 cm L 53,5 cm W 30,5 cm
Steinzeug, Engobe, Farbkörper
Wandarbeit und stehende Arbeit31. MAI - 11. JUNI 2021 SYBILLE PATTSCHECK
Sybille Pattscheck
1958 geboren in Wesel
1980 – 86 Kunstakademie Münster, Studium der
Malerei bei Ulrich Erben (Meisterschülerin)
1987 Förderpreis des Landschaftsverbandes
Westfalen-Lippe
1988 Arbeitsstipendium des Landes NRW in
Ringenberg
2018 Kunstpreis der Künstler, Große Kunstausstellung
Düsseldorf
Lebt und arbeitet in Köln und Pulheim
Sybille Pattscheck ist eine Lichtsammlerin. Sybille Patt-
scheck ist eine Malerin. Ihr Thema ist die Farbe und de-
ren Interaktion mit dem Licht.
Farbe ist auch das große Thema im Werk von Ulrich
Erben, dessen Meisterschülerin Sybille Pattscheck war.
Ihr Malmaterial ist erhitztes, mal mit Pigmenten, mal
mit Ölfarbe gefärbtes Bienenwachs, das zügig aufgetra-
gen werden muss.
Die Künstlerin hat diese Technik weiterentwickelt und Sybille Pattscheck • Kleines Türkis mit blauem Rand
erzeugt Farbräume, die von ihrer Wirkung her immer 2021 • 50 x 50 x 5 cm • Enkaustik auf Acrylglas
malerisch sind. Durch die intensive Bearbeitung der
Ränder der flachen, transparenten Acrylkörper, auf
denen sie malt, sind es besonders diese Randzonen,
die zum Hauptakteur werden. Sybille Pattscheck ver-
lagert also das Geschehen und zwingt uns so, nicht
im gewohnten fokalen Sehen zu verharren, sondern
unseren Sehmodus zu variieren. Das Periphere, das
nicht genau Begrenzte, ist ihr Thema. Dazu eignet sich
hervorragend die matte Oberfläche des Wachses, die
nicht vordergründig leuchtet oder Licht reflektiert.
Vielmehr scheint Licht im Innern der Bilder von Sybille
Pattscheck verborgen zu sein, was sich dem Betrachter
eher körperlich vermittelt.
Coronachrome ist gleich der Titel mehrerer ihrer Farb-
räume. Corona ist das lateinische Wort für Krone oder
Kranz. So sind es auch die mehrfarbigen Randflächen,
die in vielen Arbeiten der Künstlerin die Bildmitte
gleichsam umkränzen.
Zusätzlich gibt es auch sogenannte Diachrome, bei de-
nen zwei Schichten unterschiedlich gefärbten Wachses
übereinander gelegt wurden. Dieses Vorgehen gene-
riert ein zusätzliches Moment von Tiefe.
Im Februar und März dieses Jahres zeigte Sybille Patt-
scheck unter dem Titel „In der Farblichtgleiche“ sehr
Sybille Pattscheck • Coronachrome türkis, hell
erfolgreich ihre Enkaustikarbeiten in der Galerie Bentler. 2021 • 70 x 70 x 5 cm • Enkaustik auf Acrylglas
Sybille Pattscheck • Coronachrome mit Magentafarbenem Rand
2020 • 140 x 107 x 6 cm • Enkaustik auf Acrylglas
45Sybille Pattscheck • Coronachrome gelbgrün
2021 • 67 x 60 x 5 cm • Enkaustik auf Acrylglas
Sybille Pattscheck • Camille
2019 • 100 x 100 x 5 cm • Enkaustik auf Acrylglas
47Sybille Pattscheck • Coronachrome rosé brilliant monochrome
2018 • 60 x 48 x 5 cm • Enkaustik auf Acrylglas
Sybille Pattscheck • Coronachrome inkarnat orange und etwas grün
2021 • 67 x 60 x 5 cm • Enkaustik auf Acrylglas
49Sybille Pattscheck • Coronachrome crimson
2020 • 67 x 60 x 6 cm • Enkaustik auf Acrylglas
Sybille Pattscheck • Coronachrome kobaltblau hell
2018 • 150 x 150 x 7 cm • Enkaustik auf Acrylglas
51Sybille Pattscheck • Coronachrome violett mit mehrfarbigem Rand
2018 • 70 x 70 x 6 cm • Enkaustik auf Acrylglas
Sybille Pattscheck • Coronachrome inkarnat mit orangem und hellviolettem Rand
2021 • 80 x 70 x 5 cm • Enkaustik auf Acrylglas
5331. MAI - 11. JUNI 2021 GÜNTHER UECKER
Günther Uecker • Poesie der Destruktion Günther Uecker • Verletzungen - Verbindungen
2007 • 40 x 60 cm • Nägel, Holz und Farbe 2007 • 45 x 45 cm • Nägel und Farbe auf
auf einem mit Büttenpapier belegtem Holzbrett Leinwand über Holz
5531. MAI - 11. JUNI 2021 AJA VON LOEPER
Aja von Loeper
1971 geboren in Leonberg-Warmbronn
1991 Abitur in Nagold im Schwarzwald
1997-2002 Studium der Freien Malerei an der
Akademie der Bildenden Künste Nürnberg
2000 Ernennung zur Meisterschülerin
seit 2002 freischaffend künstlerisch tätig in Nürnberg
Aja von Loeper arbeitet mit weißem Papier und einem
von ihr entwickelten Werkzeug aus Holz, um ihre relief-
artigen „Weißen Blätter“ entstehen zu lassen. Äußerst
kraftvoll und zugleich feinfühlig reibt die Künstlerin
mit dem abgerundeten, stiftartigen Buchenkolben das
Papier, bis es sich aufwölbt und im Spiel von Licht und
Schatten plastische Formen und Strukturen annimmt.
Das Resultat wirkt überraschend zart und poetisch.
„….Immer mit der Gefahr lebend, das fragile Medium
zu zerstören. Es bedurfte langjähriger Experimente, ste-
ten Versuchens und Scheiterns, um zu einer ganz eige-
nen Bildform zu kommen. Das von der Künstlerin entwi-
ckelte Vorgehen darf nicht mit der Frottage verwechselt
werden, jener vor allem im Surrealismus künstlerisch
entwickelten Technik, bei der sich Strukturen des Unter-
grundes in das Papier übertragen lassen. Es geht Aja
von Loeper nicht um ein Aneignen vorhandener Formen
und Strukturen, sondern um ein Erspüren. Ihr künst-
lerischer Prozess ist ein sukzessives Loslösen von dem
Gesehenen, der letztlich in einem fast rauschhaften
Zustand höchster Konzentration endet.“ (Dr. Christian
Schoen in Aja von Loeper. Die Struktur von Weiß, Gale-
rie Bernd Bentler, Bonn 2020)
Wesentliche Impulse gaben der Künstlerin die „Concet-
ti Spaziali“ von Lucio Fontana, die sie erstmals im Jahr
2000 in der Ausstellung „Abstrakte Kunst“ im Neuen
Museum Nürnberg erlebte.
Wir freuen uns, dass Aja von Loeper vom 24. April bis
27. Juni 2021 an der Ausstellung „PAPIER“ in der Stadt-
galerie Villa Dessauer in Bamberg beteiligt ist, in deren
Kontext auch Werke von Lucio Fontana und Günther
Uecker gezeigt werden.
Aja von Loeper • Weißes Blatt
2020 • 50 x 50 x 3 cm • Papierrelief
Aja von Loeper • Hommage a Lucio Fontana
2020 • 206,5 x 87,3 x 5 cm • Papierrelief
57Aja von Loeper • Weißes Blatt 2020 • 105 x 149,5 x 6 cm • Papierrelief
Aja von Loeper • Weißes Blatt
2017 • 50 x 50 x 3 cm • Papierrelief
links:
Aja von Loeper • Weißes Blatt und weißes Blatt in Gold
2018 - 2021 • 30 x 30 x 3 cm • Papierrelief
61Aja von Loeper • Weißes Blatt in Gold
2016 • 30 x 30 x 3 cm • Papierrelief
links: Aja von Loeper • Weißes Blatt
2019 • 105 x 149,5 x 5 cm • Papierrelief
6314. JUNI - 25. JUNI 2021 MARTIN NOËL
Martin Noël
Der mit vielen Preisen und Stipendien geehrte Künstler, 1956 06. November, in Berlin
1956 -2010, entwickelte eine völlig eigene Handschrift † 2010 18. November, in Bonn
mit großem Wiedererkennungswert, indem er eine 1980–87 Studium der freien Grafik und
Renaissance des Holz- und Linolschnitts erarbeitete. In Malerei an der FH Köln, Meisterschüler
vielen seiner Arbeiten gelang es Martin Noël, das Span- 1986 - 2003 zahlreiche Stipendien und Kunstpreise
nungsverhältnis von Linie zu Fläche neu zu definieren. (2003 Arbeitsstipendium Stiftung Kunstfonds e.V.,
„Von Bedeutung für Noël sind auch die Gedanken des 1998 Stipendium der Stiftung Kunst und Kultur des
englischen Philosophen John Berger (1926-2017), in Landes NRW, 1993 Kunstpreis der Stadt Bonn, etc.)
denen der sich für die Entdeckung des Unbeachteten, Lebte in Bonn am Rhein
des eher bedeutungslosen bei der Wahrnehmung von
Natur aussprach.
So abstrakt die Bilder von Martin Noël auch erscheinen
mögen, so haben sie alle ihren Ursprung in der unmit-
telbaren, von Berger angesprochenen, unbeachteten
Realität. Seien es die Risse im Boden des World Trade
Centers in New York nach der ersten Bombenattacke
von 1993, oder seien es die Risse in den Wänden der
Häuser von Venedig und Paris oder die Schatten der
Blumen, die er auf seinen Reisen entdeckte und als
Skizzen auf Papier brachte.
Später schnitt er diese Linien in das Holz eines Druck-
stockes und fertigte ganz in der Tradition von Albrecht
Dürer als Holzschneider die Serien seiner Drucke auf
Papier oder Leinwand.
In seinem gesamten künstlerischen Werk, darin liegt
die Leistung von Martin Noël, fand er zu einer eigenen,
unverwechselbaren künstlerischen Position.“
Zitat: Wenzel Jacob, Kunsthistoriker
Arbeiten aus dieser Serie von bemalten und gezeich-
neten Postkarten wurden im Jahre 2012/13 bereits im
Mildred Lane Kemper Art Museum at Washington Uni-
Martin Noël • Serie „freundlich“
versity in St. Louis, Missouri gezeigt.
2007 • 10,7 x 15,2 cm • Bleistift, Acryl auf Postkarte
65Martin Noël • Serie „freundlich“
2007 • 10,7 x 15,2 cm • Bleistift, Acryl auf Postkarte
67Martin Noël • Serie „Stolp“
2002 / 05 • 10,7 x 15,2 cm • Acryl, Lack auf Postkarte
Martin Noël • Serie „Tribecca“
1998 / 99 • 10,7 x 15,2 cm Acryl,
Lack auf Postkarte
6914. JUNI - 25. JUNI 2021 THOMAS RÖTHEL
Thomas Röthel
1969 geboren in Ansbach
1986 - 1989 Ausbildung zum Holzbildhauer
1992 - 1998 Studium an der Akademie der
Bildenden Künste Nürnberg bei Prof. Hölzinger
1991 - 1994 Konzeptionen für Plätze und
Architektur-Projekte
seit 1995 Entwicklung von Stahlskulpturen
seit 1998 freischaffend tätig
Als Stahlbildhauer gehört Thomas Röthel sicherlich zu
den bekanntesten Bildhauern Deutschlands. Seine Ar-
beiten bereichern den öffentlichen Raum von Sylt bis in
die Schweiz, von Berlin bis nach Aachen.
In ihrer unbeugsamen Leichtigkeit verändern sie die
Wahrnehmung der Landschaft, sie werden einerseits
Teil von ihr, andererseits setzen sie unübersehbare Ak-
zente. Die skulpturale Veränderung der Insel Mainau
im Jahre 2011 und seine Skulptur „Vertikale Entwick-
lung“ in den Weinbergen von Winningen berühren die
Grenzen der Landart.
Seine Papierarbeiten, in denen die massive Wucht und
Energie des Schmiedehammers das verletzliche Papier
pulverisiert und so völlig neue Durchblicke und Pers-
pektiven schafft, entsprechen der Ausstrahlung seiner
Skulpturen, obwohl es beim gewählten Material kaum
einen größeren Unterschied geben könnte: Stahl und
Papier! Und trotzdem gelingt es Thomas Röthel, dem
tonnenschweren, unbeugsamen Stahl sein Gegenteil,
nämlich eine große Leichtigkeit und Schwerelosigkeit
abzugewinnen, und seine destruktive, zerstörerische
Arbeit mit dem Schmiedehammer in ihr Gegenteil zu
verkehren, in Bilder voller Harmonie und Poesie.
Vom 8. Mai bis zum 31. Oktober 2021 verwandeln sich
der Kurort Bad Ragaz in der Schweiz und das idyllische Thomas Röthel • ohne Titel
Valens in eine große Skulpturenausstellung. Die Frei- 2021 • 78 x 54 cm • Papierarbeit
luftausstellung «Bad RagARTz» ist weltweit bekannt.
Dass Thomas Röthel dort jedes Mal wieder eingeladen
wird und teilnimmt, ist nur folgerichtig und eine große
Anerkennung seiner künstlerischen Arbeit.
Thomas Röthel • Drehung
2019 • 76 x 17 x 15 cm • Stahl
71Thomas Röthel • ohne Titel 2021 • 78 x 108 cm • Papierarbeit
Thomas Röthel • Drehung 2021 • 45 x 13,5 x 13,5 cm • Stahl
Thomas Röthel • Drehung Thomas Röthel • ohne Titel
2020 • 50 x 28 x 21 cm • Stahl 2021 • 54 x 78 cm • Papierarbeit
77Thomas Röthel • Schichtung
2020 • 36 x 32 x 21 cm • Stahl
Diese Skulptur ist ganz neu entstanden und bekommt
noch die schöne natürliche Oberfläche.
Thomas Röthel in Aktion in der Schmiede Hammerwerk Erft G.
Diederichs in Bad Münstereifel.
Hier sehen Sie die Entstehung seiner Skulptur „Schichtung“.Thomas Röthel • Vertikale Entwicklung
2021 • 39 x 10 x 10 cm • Stahl
links: Thomas Röthel • Synergie
2021 • 150 x 25 x 20 cm • Stahl 8114. JUNI - 25. JUNI 2021 BERNARD SCHULTZE
Bernard Schultze
Mystische Räume, fantastische Welten, bizarre Formen Vom 23.9. bis 9.1.2022 sind seine Arbeiten Teil der
und überlagernde Formationen: So präsentiert sich die Ausstellung „Positionen des deutschen Informel. Von
eindrucksvolle malerische magische Welt des Bernard Ackermann bis Zangs“ in der Kunsthalle Schweinfurt.
Schultze. Sein Werk ist Teil der momentanen Wieder-
entdeckung und Neubewertung der gesamten Infor-
mellen Bewegung, zu deren wichtigsten Vertretern
Bernard Schultze zählt.
Seine Arbeiten werden häufig als lyrisch abstrakt be-
zeichnet. Diese überwiegend farbenfrohen und detail-
reichen akribisch hergestellten Gemälde sind voller
Elemente, die unterschiedlichste Assoziationen beim
Betrachter wecken. Sie enthalten meist Anspielungen
und Zitate aus der Natur, erinnern an Wurzeln, Wald
und andere Gewächse und imaginieren ganz eigene
hermetische Gegenwirklichkeiten.
Später, ab 1961 erweiterte er die Leinwand um „Mi-
gofs“, Konstrukte aus Draht, Textil, Papier und Kunst-
stoff, die in ihrer Form an Wurzelstrukturen erinnern.
Und so war Bernard Schultze ein äußerst vielseitiger
Maler, Grafiker und Objektkünstler und gehörte zu den
Mitbegründern der deutschen informellen Malerei, die 1915 geboren in Schneidemühl, Provinz Posen
die Kunstwelt der Nachkriegszeit revolutionierte. Kein † 14. April 2005 in Köln
Wunder, dass Schultze nach den Wirren des 2. Welt- 1934 bis 1939 Studium an der Hochschule für Kunst-
kriegs und der inneren Emigration nach Malverbot zu erziehung in Berlin und an der Kunstakademie in Düs-
dieser neuen, starken Kunstform fand. Bernard Schult- seldorf.
ze war auf der documenta 2, 3 und 6 vertreten. Das Von 1947 bis 1968 lebte er in Frankfurt am Main und ab
Duisburger Museum Küppersmühle für moderne Kunst 1951 reiste er regelmäßig nach Paris
widmete ihm 2012/13 eine umfassende Retrospektive. Von 1968 lebte er in Köln
Bernard Schultze • maskiert
2002 • 120 x 140 cm • Öl auf Leinwand
Links:
Bernard Schultze • eine recht fröhliche Landschaft
1995 • 51 x 72,5 cm • Aquarell auf Karton
83Bernard Schultze • Porträt eines Migof-Barbaren Bernard Schultze • Wald Albtraum
2001 / 2004 • 120 x 100 cm • Öl auf Leinwand 2001 • 140 x 100 cm • Öl auf Leinwand
Bernard Schultze • ein armer Wicht
2001 • 120 x 100 cm • Öl auf Leinwand
85Bernard Schultze • Ein Irrgarten
1997 • 40 x 30 x 2 cm • Aquarell, collagiert auf dünnem Karton
Bernard Schultze • Neuenahr 6
1995 • 76 x 57 cm • Aquarell auf Karton
87Bernard Schultze • Gespräch in Moll 1996 • 140 x 200 cm • Öl auf Leinwand
Bernard Schultze • Aus dem Zyklus Capriccio 02 Bernard Schultze • Aus dem Zyklus Capriccio 05
1997 • 60 x 40 cm • Öl auf Leinwand 1997 • 60 x 40 cm • Öl auf Leinwand
„Als ich als Zwölfjähriger eines sommernachmittags auf unseren Schulsportplatz ging und durch die mir längst
bekannte Laubenkolonie mußte, wurde mir jäh bewußt, daß alles um mich in wimmelnder Fülle sich darbietet,
die Gräser, Bäume mit Zweigen und Blättern, die Holzlauben, der Großstadtlärm, die grauen, hellen Häuser, die
Wolken, die Stimmen und Gedanken der Anderen um mich, alles war ein lautes und wisperndes Gerassel und Ge-
töse. Deshalb habe ich auch immer mitten in Großstädten gelebt, weil die Rückseite des Straßenlärms vielleicht
die summende Stille ist. Deshalb muß es in meinen Arbeiten wimmeln von Geschichten und Geschehnissen sowie
Farb- und Formbrechungen, Übergängen absurder Kombinationen; Briefe, die manchmal unleserlich werden mit
einer Schrift, wie das Rascheln und Trippeln ganzer Ameisenheere, in irgendeine unbekannte Richtung.“
Bernard Schultze - Die Welt der Migofs, Brusberg Dokumente 8, Galerie Brusberg, Hannover 1975, S.13.
Bernard Schultze • Auf Grün
2001 • 120 x 100 cm • Öl auf Leinwand
9114. JUNI - 25. JUNI 2021 ANDRÉ SCHWEERS
André Schweers
In seinen „Skripturalen“, „Folianten“ und „Prologen“, al- Dieses Urvertrauen ist in den „Zeilen“ und „Buchsei-
les Titel, die mit Büchern und Schrift zu tun haben, ver- ten“ seiner unverkennbaren Arbeiten, einzigartig in
eint André Schweers die Suche nach dem Licht und die Form und Ausführung, eingeschrieben und steht dem
Arbeit mit der dritten Dimension auf wunderbare Wei- Betrachter stets als Energiequelle und Motivation zur
se. Seine fulminanten, strukturierten Papiergüsse be- Verfügung.
stechen einmal durch ihr Spiel mit Licht und Schatten,
welches an den Lamellen der Arbeiten herunterrieselt,
aber manchmal auch durch ihre leuchtenden Farben,
die sich über die Strukturen der „Folianten“ ergießen
und ausbreiten. In diesen künstlerischen Büchern, die
auch als „Bibliotheka Conservata“ erscheinen, möchte 1963 geboren in Mülheim an der Ruhr
André Schweers das Wissen der Menschheit einschrei- Studium Kunst und Geografie an der Universität Duisburg
ben und bewahren. Zum Wissen der Menschheit ge- Studium der Bildhauerei bei Kurt Sandweg
hört bei André Schweers vor allen Dingen das, was Arbeitsaufenthalte an archäologischen Ausgrabungsstät-
wir als Menschen an sich, auch ohne akademische ten in Italien, Griechenland, der Türkei und Frankreich
Bildung, wissen können, was aber als Wissen immer Leitung der Papierwerkstatt im Fachbereich Kunst der
mehr verloren geht. Und zu diesem Wissen gehört als Uni Duisburg André Schweers • Scripturale #86 - #89
wichtiger Bestandteil das Urvertrauen ins Leben. Ausstellungskonzepte und kuratorische Tätigkeit 2020 • 46 x 26 cm • Papierguss und Pigmente
93André Schweers • Gaillard
2002 • 74 x 64 cm in Acrylvirtine mit Mirogard • Papierguss und Pigmente
André Schweers • Charybdis
2021 • 220 x 118 cm • Papierguss und Pigmente
95André Schweers • Bibliotheca conservata #81 André Schweers • Bibliotheca conservata #84
2010 / 20 • 52 x 36 cm in Acrylvirtine mit Mirogard 2021 • 52 x 36 cm in Acrylvirtine mit Mirogard
Papierguss, Pigmente und Paraffine Papierguss und Pigmente
André Schweers • Ginjal
2010 / 20 • 74 x 64 cm in Acrylvirtine mit Mirogard • Papierguss und Pigmente
97André Schweers • Bibliotheca conservata #85 #88 #89 #90
2021 • 52 x 36 cm in Acrylvirtine mit Mirogard • Papierguss und Pigmente
99André Schweers • Pomiou V André Schweers • Grado I
2020 • 83 x 69 cm in Acrylvitrine mit Mirogard • Papierguss und Pigmente 2020 • 99 x 86 cm in Acrylvitrine mit Mirogard • Papierguss und Pigmente
101Sollten Sie Interesse haben, sich die Werke der Künst-
ler in der Galerie anzusehen, so setzen Sie sich bitte
telefonisch oder per E-mail mit uns in Verbindung.
Bei Interesse an einem einzelnen Werk können Sie
gerne einen Termin bei Ihnen zu Hause vereinbaren.
Seit einigen Wochen werden alle Mitarbeiter der Ga-
lerie regelmäßig auf Covid-19 getestet, so dass mit
unserem zusätzlichen Hygienekonzept eine größt-
mögliche Sicherheit geboten wird. Wir vergeben aus-
schließlich Einzeltermine mit wenigstens 60 Minuten
Abstand.
Kontakt:
Fon: +49 228 96119195
Jenny Geißler 017680378443
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Texte: Jenny Geißler Friedrichstraße 55
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Konzept: Jenny Geißler Jenny Geißler 017680378443
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Fotos auf Seite 36 - 43: Michael Cleff
Fotos auf Seite 82 - 91: © VAN HAM Art Estate 2021
Copyright: © Galerie Bentler @ VG Bild-Kunst 2021 Follow us on Facebook and InstagramSie können auch lesen
