AROUND THE WORLD IN 14 FILMS 02.12 - 11.12.2021 Kino in der Kulturbrauerei, delphi LUX und Neues Off
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16. AROUND THE WORLD IN 14 FILMS
02.12 . - 11.12.2021 Kino in der Kulturbrauerei, delphi LUX und Neues Off
www.14films.de
PARTNER AROUND THE WORLD IN 14 FILMS
UNSER FESTIVAL Liebe Filmfreundinnen und Filmfreunde, herzlich willkommen zur 16. Kino-Weltreise mit Around The World In 14 Films, zu einem Jahrgang unter weiterhin besonderen Vorzeichen. Seit nunmehr fast zwei Jahren steht die gesamte Menschheit im Bann des Coronavirus. Weltweit konnten lange Zeit nur wenige Filmfestivals live stattfinden. Die meisten davon fanden in hybrider Form, viele davon sogar rein digital statt. Streaming ist eine schöne und praktische Ergänzung zu einer Live-Vorführung im Kino. Streaming kann aber Kino niemals ersetzen. Für uns, Around The World In 14 Films, kam weiterhin nur eine rein physische Festivalausgabe in Frage, denn wir möchten auch im Pandemie-Jahr 2021 gemeinsam mit unserem wunderbaren Publikum das Weltkino live (!) feiern. Dafür wächst unser Festival sogar! Wir konnten zu unserem angestammten Festivalkino in der Kulturbrauerei zwei neue Filmtheater hinzugewinnen: die wunderschönen Kinos der Yorck-Gruppe delphi LUX und Neues Off. 14 Filme im „14 Films-Wettbewerb“, umrahmt von 14 „Special Screenings“, darunter 5 Deutschland- und 22 Berlin-Premieren, alle entdeckt in Sundance, Cannes, Locarno, Venedig und San Sebastián 2021. Alle Werke werden wie immer von spannenden Kulturpersönlichkeiten persönlich als Filmpat:innen persönlich vorgestellt. Wir freuen uns auch sehr auf unsere dritte Kooperation mit der Berlinale und zeigen ein weiteres „Best of“ des „World Cinema Fund“. Dazu vergeben wir zum ersten Mal den BASIS BERLIN Postproduction Award für Beste Regie. Unser ganz besonderer Dank gilt in diesen herausfordernden Zeiten unserem treuen Hauptförderer, dem Auswärtigen Amt, unseren Hauptsponsoren AUDI City Berlin, ARTE, der CineStar-Gruppe und KWK (Karl Wilhelm Kayser) sowie allen Partnern, Unterstützern und unserem großartigen Team. Wir freuen uns auf ein Live-Feuerwerk des internationalen Weltkinos von Bolivien bis Indonesien! Bernhard Karl und Susanne Bieger, Festivalleitung Bernhard Karl Leitung / Konzept / Programm / Paten www.filmfest-muenchen.de Susanne Bieger Leitung / Management / Panel / Gäste www.14films.de Nikola Mirza Presse / Kommunikation / Website www.jellypress.de Ramin Ramezani Art Director www.14films.de Daniela Kellner Film Traffic www.danielakellner.de Jan Smacka Webmaster www.s-mac.de Felix Neunzerling Marketing www.zoommedienfabrik.de Patrick Wellinski Redaktion deutsche Katalogtexte Andreas Karmanski Leitung Kinobetreuung www.14films.de
„UNSERE PATEN WERDEN ...“
… demnächst unter www.14films.de bekanntgegeben
Datum Uhrzeit Filmtitel Land Kulturbrauerei Saal
CINESTAR - KINO IN DER KULTURBRAUEREI
DO 02.12. 19.30 The Worst Person In The World Opening Night 3
FR 03.12. 19.30 Parallele Mütter Almodóvar Night 3
19.45 The Tsugua Diaries Portugal 5
22.00 One Second China 6
22.15 El Gran Movimiento Bolivien 5
SA 04.12. 19.30 Das Ereignis Frankreich 6
19.45 Hit The Road Iran 5
22.00 Faya Dayi Äthiopien 5
22.15 Red Rocket USA 6
SO 05.12. 12.00 Zama WCF / Hommage Martel 5
19.15 Clara Sola WCF / Costa Rica 6
19.30 Feathers WCF / Ägypten 5
21.45 Vengeance Is Mine WCF / Indonesien 6
22.15 Anatomie Of Time WCF / Thailand 5
MO 06.12. 19.15 A Hero Hommage Farhadi 6
19.45 Clara Sola WCF / Costa Rica 5
22.00 Red Rocket USA 6
22.15 Feathers WCF / Ägypten 5
Ticket online unter www.cinestar.de/de/kino/berlin-kino-in-der-kulturbrauerei
oder während der täglichen Öffnungszeiten an der Kinokasse
Datum Uhrzeit Filmtitel Land Kulturbrauerei Saal
CINESTAR - KINO IN DER KULTURBRAUEREI
DI 07.12. 19.30 Ahed’s Knee Israel 6
20.00 Aloners Korea 5
22.00 Cow Hommage Arnold 5
22.00 Vortex Hommage Noé 6
MI 08.12. 19.15 Lingui Tschad 6
19.45 Ahed’s Knee Israel 5
21.15 Drive My Car Japan 6
22.15 El Gran Movimiento Bolivien 5
DO 09.12. 19.15 Niemand ist bei den Kälbern German Discovery 6
19.30 Murina Kroatien 5
22.00 Das Ereignis Frankreich 5
22.00 The Souvenir II Großbritannien 6
FR 10.12. 19.30 Cow Hommage Arnold 6
19.45 The Hill Where Lionesses Roar Kosovo 5
21.45 Memoria Hommage Weerasethakul 6
22.00 Anatomie Of Time WCF / Thailand 5
SA 11.12. 19.30 Vortex Hommage Noé 5
19.45 Preisverleihung BASIS BERLIN Postproduction Award – im Anschluss:
Spencer Closing Night 3
22.00 Compartment No.6 Closing Night 6
22.15 One Second China 5
Datum Uhrzeit Filmtitel Land Kino
YORCK KINOS – delphi LUX und NEUES OFF
FR 03.12. 19.00 The Worst Person In The World Opening Night delphi LUX 4
20.45 Das Ereignis Frankreich delphi LUX 2
21.00 A Hero Hommage Farhadi NEUES OFF
22.00 Vortex Hommage Noé delphi LUX 4
SA 04.12. 18.00 Memoria Hommage Weerasethakul NEUES OFF
19.15 Lingui Tschad delphi LUX 4
20.45 Parallele Mütter Almodóvar Night delphi LUX 2
21.15 Vengeance Is Mine WCF / Indonesien delphi LUX 4
SO 05.12. 19.30 Aloners Korea delphi LUX 4
20.00 Drive My Car Japan delphi LUX 2
MO 06.12. 19.45 El Gran Movimiento Bolivien delphi LUX 4
20.45 Memoria Hommage Weerasethakul delphi LUX 2
DI 07.12. 19.45 One Second China delphi LUX 4
20.45 The Souvenir II Großbritannien delphi LUX 2
Ticket online unter www.yorck.de oder während der Öffnungszeiten an der Kinokasse
Datum Uhrzeit Filmtitel Land Kino YORCK KINOS – delphi LUX und NEUES OFF MI 08.12. 19.15 Murina Kroatien delphi LUX 4 20.45 A Hero Hommage Farhadi delphi LUX 2 21.30 Ahed’s Knee Israel delphi LUX 4 DO 09.12. 19.15 The Hill Where Lionesses Roar Kosovo delphi LUX 4 20.45 Cow Hommage Arnold delphi LUX 2 21.30 Faya Dayi Äthiopien delphi LUX 4 FR 10.12. 19.15 Niemand ist bei den Kälbern German Discovery delphi LUX 4 20.45 Red Rocket USA delphi LUX 2 21.00 Spencer Closing Night NEUES OFF 22.00 The Tsugua Diaries Portugal delphi LUX 4 SA 11.12. 18.00 Parallele Mütter Almodóvar Night NEUES OFF 19.00 Compartment No.6 Closing Night delphi LUX 2 19.30 Hit The Road Iran delphi LUX 4 21.45 Spencer Closing Night delphi LUX 2
Travel the world im Kino in der KulturBrauerei: Jeden Montag und Mittwoch laufen ausgewählte Filme im Kino in der KulturBrauerei in der Originalsprache mit deutschen Untertiteln! Infos und Tickets unter cinestar.de
long
live
cinema
OPENING NIGHT
IS SPONSORED BY
HEPPELER AGENCYOPENING NIGHT Deutschland-Premiere
THE WORST PERSON IN THE WORLD
Joachim Trier
Julie weiß nicht, was sie will. Die Studentin wechselt die Fächer und Fachrichtungen wie andere ihre Socken.
Irgendwann lernt sie den älteren Comiczeichner Aksel kennen. Die Liebe zwischen den beiden ist zunächst groß,
konfrontiert Julie aber recht schnell mit Erwartungen, die sie nicht erfüllen möchte. Und während die Beziehung zu
Aksel vor sich hinkriselt sucht Julie weiter nach dem Sinn ihres Lebens und lässt ganz nebenbei in Oslo magisch die
Zeit stehen. Regisseur Joachim Trier („Oslo, 31. August“, bei 14 FILMS 2011, „Reprise”) beendet seine Oslo-Trilogie.
Ihm ist damit ein sensationell genauer Blick auf moderne Beziehungen im Spiegel tagesaktueller Debatten gelungen.
In zwölf Kapiteln umkreist der Film Julies Leben und betrachtet ihr Zögern und Zaudern mit einer Gesellschaft, die
sich gerade neu justiert. Das Patriarchat zerbröselt, Sichtbarkeiten werden eingefordert und der Klimawandel muss
beendet (gestoppt?) werden. Welche Rolle hat eine Beziehung in so einer Welt? Ist sie egoistisch oder der letzte
Hafen? Durch solche Fragen entwickelt Trier eine hochpräzise und aufregende Millennial-Soziologie, die mehr zu
fassen bekommt als viele gehypte Generationen-Romane. Schauspielerin Renate Reinsve (Isabelle Huppert empfahl
sie Trier, nachdem sie Reinsve in Oslo in einer Inszenierung von Robert Wilson sah) wurde für ihre Performance als
Julie in Cannes mit dem Preis für die beste Darstellerin geehrt - und wurde so über Nacht zu einem wahren Shooting
Star des europäischen Kinos. Norwegens offizieller Oscar-Kandidat.
”For a long time I have wanted to make a film about love. One that goes a bit deeper than normal onscreen love
stories, where everything is so simple.... A film that will look seriously at the difficulties of meeting someone …
at how irresolute and uncertain even the most rational and otherwise self-confident people can become when
they fall in love; and how complicated it is, even for romantics, when they actually get what they’ve been
dreaming about.” – Joachim Trier
Deutschland-Premiere
OT Verdens verste menneske
Regie Joachim Trier
Drehbuch Eskil Vogt, Joachim Trier
Produktionsland Norwegen, Frankreich, Schweden, Dänemark
Produktion Oslo Pictures, mk Productions, Film i Väst, B-reel, Snowglobe, Arte France
Cast Renate Reinsve, Anders Danielsen Lie, Herbert Nordrum
Länge 127 min.
Sprache norwegische OF / englische UT
Deutscher Verleih Koch Media
Festivals Cannes, Karlovy Vary, Jerusalem,Toronto, New York, Zürich, London, Busan
Preise Cannes Beste Schauspielerin, Festival Manaki Brothers
Do. 02.12. – 19.30 Uhr, Saal 3 Kulturbrauerei (Eröffnungsabend) Mit freundlicher Mit freundlicher
Fr. 03.12. – 19.00 Uhr, Saal 4 delphi LUX Unterstützung von Unterstützung der
Agentur HeppelerALMODÓVAR NIGHT Deutschland-Premiere PARALLELE MÜTTER Pedro Almodóvar „Zwei Frauen, zwei Schwangerschaften, zwei Leben. Janis (Penélope Cruz) und Ana (Milena Smit) erwarten beide ihr erstes Kind und lernen sich zufällig im Krankenhaus kurz vor der Geburt kennen. Beide sind Single und wurden ungewollt schwanger. Janis, mittleren Alters, bereut nichts und ist in den Stunden vor der Geburt überglücklich. Ana, das genaue Gegenteil, ist ein Teenager, verängstigt und traumatisiert, die auch in ihrer Mutter Teresa (Aitana Sánchez Gijón) kaum Unterstützung findet. Janis aber versucht Ana aufzumuntern. Die wenigen Worte, die sie in diesen Stunden im Krankenhausflur austauschen, schaffen ein enges Band zwischen den beiden. Doch ein Zufall wirft alles durcheinander und verändert ihr Leben auf dramatische Weise.“ (Studiocanal) Ausgezeichnet beim Festival von Venedig mit dem Preis für die beste Schauspielerin, Penélope Cruz. Two women meet in a hospital about to give birth. Both are single and became pregnant by accident. Janis, middle-aged, is exultant. Ana, an adolescent, is scared, repentant and traumatized. While they move like sleepwalkers along the hospital corridors, Janis tries to encourage her. The few words they exchange creates a very close bond between the two, which changes their lives in a decisive way. Deutschland-Premiere OT Madres Paralelas Regie Pedro Almodóvar Drehbuch Pedro Almodóvar Produktionsland Spanien Produktion Agustin Almodóvar, Esther Garcia Cast Penélope Cruz, Milena Smit, Aitana Sanchez-Gijon, Israel Elejalde Länge 120 min. Sprache spanische OF / englische UT Deutscher Verleih Studiocanal Festivals Venedig, New York, Toulouse, Hamptons, Chicago, Gent, Stockholm, Sydney Preise Venedig Beste Schauspielerin Penélope Cruz Fr. 03.12. – 19.30 Uhr, Saal 3 Kulturbrauerei Sa. 04.12. – 20.45 Uhr, Saal 2 delphi LUX Sa. 11.12. – 18.00 Uhr, Neues Off
1 BOLIVIEN EL GRAN MOVIMIENTO Kiro Russo Gleich zu Beginn eine mysteriöse Bilderfolge, die unterschiedliche Ansichten von Boliviens Hauptstadt La Paz porträtiert: Volle Straßen, beschmierte Wände, eine Demonstration. Langsam umkreist Regisseur Kiro Russo mit seinem sensationellen zweiten Langfilm zunächst seinen Spielort und findet mitten im wütenden Getümmel der Straßen mit dem Bergarbeiter Elder (Julio César Ticona) auch seine Hauptfigur. Elder ist zu Fuß nach La Paz marschiert, um gegen die Ausbeutung der indigenen Arbeiter zu demonstrieren. Vor Ort wird er von einer alten Verwandten empfangen. Sie sucht Arbeit für ihn und seine Freunde, doch Elder wird plötzlich heftig krank. Seine Lungen sind voller Staub, er wird schwach und droht zu sterben. Das ruft den mysteriösen Obdachlosen Max (Max Eduardo Bautista Uchasara) auf den Plan, der sich an einem Exorzismus versucht. Natur und Moderne gehen bei Russo eine magische Verbindung ein. Dadurch spricht der Regisseur nicht nur von sozialen Missständen im heutigen Bolivien, sondern eröffnet seinen Figuren einen mythisch-schamanistischen Weg, die eigene Identität neu zu erkunden. Die audiovisuellen Strategien, die er dafür bedient, kennt man aus dem Kino von Regisseuren wie Apichatpong Weerasethakul oder Jia Zhangke. Russo setzt auf Geistergeschichten in der harschen Realität einer dokumentarisch erfassten Gegenwart. Ein Film wie eine trancehafte Erfahrung. Das machte „El Gran Movimento“ bei seiner Premiere in Venedig zum Geheimtipp und brachte dem Regisseur den Special Jury Preis in der wichtigsten Nebensektion Orizzonti ein. Bolivia today. After walking for a week, Elder and his miner companions arrive in La Paz wanting their jobs back. But suddenly Elder starts to feel sick. He’s gasping and struggling for breath until Mamá Pancha sends him to see a witch doctor, who may be able to restore the young man’s health. Regie Kiro Russo Drehbuch Kiro Russo Produktionsland Bolivien, Frankreich, Katar, Schweiz Produktion Socavón, Altamar Films, Doha Film Institute, Bord Cadre Films, Sovereign Films Cast Julio César Ticona, Max Bautista Uchasara, Francisca Arce de Aro, Israel Hurtado Länge 85 min. Sprache spanische OF / englische UT Festivals Venedig, San Sebastián, Hamburg, New York, Gent, Viennale Preise Venedig Spezial Jury Preis Orizzonti Fr. 03.12. – 22.15 Uhr, Saal 5 Kulturbrauerei Mo 06.12. – 19.45 Uhr, Saal 4 delphi LUX Mi. 08.12. – 22.15 Uhr, Saal 5 Kulturbrauerei
2 USA RED ROCKET Sean Baker Mickey war mal berühmt und ein Star im Filmgeschäft in Hollywood. Als „Mickey Saber“ gewann er jeden erdenklichen Porno-Filmpreis. Doch die goldenen Zeiten sind längst vorbei. Mickey wohnt wieder in seiner heruntergekommenen Heimatstadt Texas City bei seiner Freundin und dessen Mutter. Für den Sex braucht er mittlerweile Viagra und auch sonst hängt der arbeitslose Loser in der Gegend herum. Als er in einem Diner die 17 Jahre alte Donut-Verkäuferin Raylee erspäht, ist er überzeugt, dass er mit ihr wieder in seiner alten Industrie Fuß fassen kann. Doch dem Comeback steht nicht nur Raylees Minderjährigkeit im Weg. „Red Rocket“ ist ein unglaublich amüsanter, aber auch hoch subversiver Abgesang auf die einstige Potenz Amerikas. Erneut zeigt sich Sean Baker („Tangerine L.A.“) als kompromissloser Betrachter nationaler Selbstlügen, indem er sich an den Rändern der amerikanischen Gesellschaft umsieht. Wie schon in seinem letzten Indie-Hit „The Florida Project“ (bei 14 FILMS 2017) findet er dafür Bilder, die absurd farbenfrohe Häuser und Geschäfte inmitten von tristen Industrieruinen zusammenfügen. Diese Kontraste finden sich auch in den Konflikten der Figuren wieder. Der Möchtegern-Potenzprotz Mickey (gespielt vom ehemaligen Porno-Darsteller Simon Rex) wirkt mit seiner kindlichen Energie wie aus der Zeit gefallen. Er trauert seiner Vergangenheit hinterher und ist nicht fähig, sein Alter und seine Gegenwart zu akzeptieren. Im Hintergrund läuft der Wahlkampf 2016. Trump wird gewinnen und die amerikanischen Mickeys werden noch einmal kurz an ihre eigenen Lügen glauben dürfen. Wie Baker all das am Ende zusammenführt, gehört zu den genialen Einfällen von „Red Rocket“: America, great again? You wish! The audacious new film from writer-director Sean Baker (“The Florida Project“, “Tangerine“) starring Simon Rex in a magnetic, live-wire performance, is a darkly funny, raw and humane portrait of a uniquely American hustler and a hometown that barely tolerates him. Regie Sean Baker Drehbuch Chris Bergoch, Sean Baker Produktionsland USA Produktion Filmnation Entertainment, Cre Film Cast Simon Rex, Bree Elisabeth Elrod, Suzanna Son, Brenda Deiss Länge 128 min. Sprache englische OF Deutscher Verleih Universal Festivals Cannes, Telluride, San Sebastián, Zürich, New York, Vancouver, London, Busan Sa. 04.12. – 22.15 Uhr, Saal 6 Kulturbrauerei Mo. 06.12. – 22.00 Uhr, Saal 6 Kulturbrauerei Fr. 10.12. – 20.45 Uhr, Saal 2 delphi LUX
3 ÄTHIOPIEN / USA FAYA DAYI Jessica Beshir Der Kathstrauch ist der Ursprung einer berauschenden Droge, die vorwiegend in Äthiopien angebaut wird und zu einer halb-legalen Industrie geworden ist. Regisseurin Jessica Beshir reist in ihre ehemalige Heimat - ins äthiopische Harar -, um die Menschen zu porträtieren, die für den Kathanbau zuständig sind. Dabei dokumentiert sie Probleme zwischen Tradition und Moderne, zwischen Jung und Alt und zwischen Kriminalität und Spiritualität. So entsteht auch ein Einblick in eine Gegend, in der Armut und Migration an der Tagesordnung sind. „Faya Dayi“ ist aber auch eine Reflexion über Entwurzelung und das Verschwinden ganzer Kulturräume. In ihrem meditativ-hypnotischen Dokumentarfilm gelingt es der äthiopisch-mexikanischen Regisseurin, die soziale Realität ihrer Protagonist:innen zu erforschen, ohne dabei den mythischen Unterstrom dieser Kultur zu vernachlässigen. Damit geht sie vielen Klischeefallen aus dem Weg. „Faya Dayi“ löst die Grenzen des klassischen Dokumentarfilms mit einer süchtig machenden Leichtigkeit auf und präsentiert uns eine magische, traumhafte Welt, die den üblichen leitartikelhaften Reflexen zum Thema Migration einen tiefer schürfenden Blick entgegensetzt. Beshir, die auch für die Kamera verantwortlich war, findet in ihrer flirrenden Schwarzweiß-Ästhetik auch eindrückliche visuelle Kontrapunkte zu den Lebensumständen der porträtierten Protagonist:innen. Für diese Leistung regnete es für sie mehrere Preise und Nominierungen auf internationalen Filmfestivals, von Sundance über London bis zum Visions Du Réel in Nyon. A spiritual journey into the highlands of Harar and the history of khat, a leaf Sufi Muslims chewed for centuries for religious meditations and that has become Ethiopia’s most lucrative cash crop today. The film is a tapestry of intimate stories offering a window into the dreams of youth living under a repressive regime. Regie Jessica Beshir Drehbuch Jessica Beshir Produktionsland Äthiopien, USA, Katar Produktion Merkhana Films, XTR, Neon Heart Productions, Flies Collective Länge 118 min. Sprache oromiffa und harari OF / englische UT Deutsche Rechte MUBI Festivals Sundance, Seattle, Rotterdam, Melbourne, Vancouver, Gent, London, Viennale Preise Athen, Hot Docs Canada, Nyon Visions du Réel Sa. 04.12. – 22.00 Uhr, Saal 5 Kulturbrauerei Do. 09.12. – 21.30 Uhr, Saal 4 delphi LUX
4 TSCHAD LINGUI Mahamat-Saleh Haroun „Amina lebt mit ihrer 15-jährigen Tochter Maria allein in einem Vorort von N’Djamena im Tschad. Ihr ohnehin schwieriges Leben nimmt eine entscheidende Wendung als sie erfährt, dass ihre Tochter schwanger ist. Maria will das Kind nicht. In einem Land, indem eine Abtreibung gegen die Religion, aber auch das Gesetz verstößt, sieht sich Amina mit einem Kampf konfrontiert, der von Anfang an verloren scheint …“ (déjà-vufilm, Peter Stockhaus). „Mahamat-Saleh Haroun greift ein universelles Thema auf, das leider immer noch aktuell ist, nicht nur in Afrika, auch in Europa gibt es immer noch restriktive Gesetze, die von rückschrittlichen Parlamenten verabschiedet werden. (…) Es liegt eine Poesie in diesen Bildern, die in der Thematik wie in der Betrachtungsweise an den italienischen Neorealismus erinnert. Am meisten berührt uns jedoch die Solidarität der Frauen – das «heilige Band», das das titelgebende Wort Lingui meint. Im Lauf der Handlung entdecken Mutter Amina und Tochter Maria, dass sie nicht so isoliert sind, wie sie dachten, und dass sie es sind, die Geschichte machen.“ (Trigon Film) Einer der herausragenden afrikanischen Filme des Jahres, von magischer Bildkraft! On the outskirts of N‘djamena, Chad, Amina’s fragile world collapses the day she discovers that her 15-year-old daughter Maria is pregnant. The teenager does not want this pregnancy. But in a country where abortion is not only condemned by religion, but also by law, Amina finds herself facing a battle that seems lost from the start... OT Lingui, les liens sacrés Regie Mahamat-Saleh Haroun Drehbuch Mahamat-Saleh Haroun Produktionsland Frankreich, Deutschland, Belgien, Tschad Produktion Pili Films, Beluga Tree, Made in Germany Belgien, Goi Goi Productions Cast Achouackh Abakar Souleymane, Rihane Khalil Alio, Youssouf Djaoro Länge 87 min. Sprache französische und chadic arabische OF / englische UT Deutscher Verleih déjà-vu Film Festivals Cannes, Jerusalem, Toronto, Busan, London, Chicago, Gent, Sydney, Brisbane Preise Hamburg Produzentenpreis Sa. 04.12. – 19.15 Uhr, Saal 4 delphi LUX Mi. 08.12. – 19.15 Uhr, Saal 6 Kulturbrauerei
5 PORTUGAL THE TSUGUA DIARIES Maureen Fazendeiro; Miguel Gomes Ein Lockdown und Covid-Film, aber der Beste! Die muntere WG von Crista, Carloto and João steht im Mittelpunkt des tagebuchartig aufgebauten, experimentellen Spielfilm-/Dokufiktion-Projekts. Die drei Mittzwanziger sitzen in Selbst-Isolation und versuchen, die aufkommende Langeweile mit einem Projekt zu bewältigen: Sie wollen ein Schmetterlingshaus bauen. Nebenbei knistert die jugendlich-erotische Spannung zwischen den Dreien. Während sich der Film langsam rückwärts bewegt, verändert sich auch das anfängliche Projekt der beiden Regisseure. Mit der Zeit scheinen Fazendeiro und Gomes (zuletzt bei 14 FILMS mit „Arabian Nights“ 2015) nicht nur die Frage zu stellen, was die Pandemie aus der Liebe gemacht hat; sie untersuchen selbstreflexiv und verspielt den Zustand des Filmemachens in Corona-Zeiten. Gelungen ist dem Filmemacher-Paar ein Film über das Leben, der selbst voller Leben steckt. Fazendeiro und Gomes finden in den größten Nichtigkeiten philosophische Zugänge zur Welt, seien es Obst, Skateboards, Hunde oder verbale Auseinandersetzungen über den Sinn und Zweck von E-Mails. Irgendwann kollabieren die narrativen Strukturen des Films selbst. Spätestens dann erweist sich „The Tsugua Diaries“ als das erste zärtlich-poetische Meisterwerk, das die Pandemie-Ära hervorgebracht hat. Crista, Carloto and João are building an airy greenhouse for butterflies in their garden. They share household routines, day after day and are not the only ones. To surrender oneself, fully, to the flow of time; to surrender oneself with delight to the majestic power of the river Chronos – such is the incomparable, unparalleled power of cinema. OT Diários de Otsoga Regie Maureen Fazendeiro, Miguel Gomes Drehbuch Maureen Fazendeiro, Miguel Gomes, Mariana Ricardo Produktionsland Portugal, Frankreich Produktion O Som e a Fúria, Uma Pedra no Sapato Cast Crista Alfaiate, Carloto Cotta, João Nunes Monteiro, Miguel Gomes Länge 102 min. Sprache portugiesische OF / englische UT Festivals Cannes Quinzaine, Marseille, Karlovy Vary, New York, Busan, Viennale, Sydney Fr. 03.12. – 19.45 Uhr, Saal 5 Kulturbrauerei Fr. 10.12. – 22.00 Uhr, Saal 4 delphi LUX
6 GROSSBRITANNIEN Deutschland-Premiere THE SOUVENIR PART II Joanna Hogg Der zweite Teil von Joanna Hoggs kultisch gefeiertem Spielfilm „The Souvenir“ (Berlinale, Panorama) beginnt dort, wo der erste endete. Julie (Honor Swinton Byrne - Tochter von Tilda Swinton) trauert über den Verlust ihres drogenabhängigen Freundes Anthony (Tom Burke). Sie sucht Trost in den Armen ihrer Eltern und kehrt in das Haus der Familie auf dem Lande zurück. Gleichzeitig hält die Erinnerung an ihren verstorbenen Geliebten ihre Seele und zunehmend auch ihren Körper fest umklammert. Die Trauer und der unendliche Schmerz machen es Julie unmöglich, in ihr altes Leben zurückzukehren. Die angehende Filmemacherin kehrt wieder an die Filmhochschule zurück, um ihre Ausbildung abzuschließen. Dort will sie für ihren Abschlussfilm die letzten Momente in Anthonys Leben rekonstruieren, um so selber dieses Kapitel abzuschließen. Joanna Hogg (mit „Exhibition“ bei 14 FILMS 2014) erzählt in „The Souvenir II“, wie lebensverändernde Umstände – in dem Fall Trauer – dazu genutzt werden können, um die eigene künstlerische Stimme zu finden. Julies eigene Erfahrungen lassen sie als Regisseurin wachsen. Damit wird der Spielfilm auch zu einem faszinierenden Film im Film. Ein Werk mit Meta-Kontext, das Hogg und ihre Figur noch näher zusammenbringt. Dabei erzeugt Hogg einen sehr eigenen elegischen Ton, voller Intimität, Lyrik und Zärtlichkeit. Julie dabei zuzusehen, wie sie aufblüht, ihre Identität und ihr kreatives Feingefühl entwickelt, ist wirklich bewegend, aber es zeigt auch deutlich, dass Kunst niemals das wirkliche Leben widerspiegeln kann, und dass es die Aufgabe der Künstler:in und der Rezipient:innen ist, sich mit dieser Tatsache zu arrangieren. In the aftermath of her tumultuous relationship with a charismatic and manipulative older man, Julie begins to untangle her fraught love for him in making her graduation film, sorting fact from his elaborately constructed fiction. Joanna Hogg’s shimmering story of first love and a young woman’s formative years is a portrait of the artist that transcends the halting particulars of everyday life. A singular, alchemic mix of memoir and fantasy. Deutschland-Premiere Regie Joanna Hogg Drehbuch Joanna Hogg Produktionsland Großbritannien Produktion Element Pictures, JWH Films, BBC Film, BFI Ausführender Produzent Martin Scorsese Cast Honor Swinton Byrne, Tilda Swinton, Richard Ayoade, Ariane Labed Länge 106 min. Sprache englische OF Festivals Cannes Quinzaine, Jerusalem, San Sebastián, New York, Busan, London, Viennale Di. 07.12. – 20.45 Uhr, Saal 2 delphi LUX Do. 09.12. – 22.00 Uhr, Saal 6 Kulturbrauerei
7 FRANKREICH DAS EREIGNIS Audrey Diwan „Frankreich. Die junge Studentin Anne wird nach einer kurzen Affäre, die keine Zukunft hat, schwanger. Ihre einsame Entscheidung zu einer Abtreibung ist gefallen. Mit einem Kind wäre Annes Wunsch nach einer selbstbestimmten Zukunft als Autorin unmöglich: Sie könnte nicht einmal ihr Studium vollenden. In dieser Zeit ist es für eine junge Frau jedoch nicht einfach, ihr Recht auf einen Abbruch durchzusetzen. Die Ärzte, die Anne mehr oder weniger wohlwollend gegenüberstehen, berufen sich auf die Gesetze und bieten der jungen Frau keinerlei Hilfe. In ihrer tiefen Not und unter dem Zeitdruck der Natur lässt nun Annie nichts unversucht, um ihr Ziel zu verwirklichen – auch wenn sie dabei mit ihrer Gesundheit und ihrem Leben spielt. „Ich kam aus dem Screening von „Das Ereignis“ und war sehr bewegt. Das Einzige, was ich zu Audrey Diwan sagen konnte, war: ‚Du hast einen wirklich wahrhaftigen Film gedreht: Er behauptet nichts, verurteilt niemanden und neigt nicht zur Dramatisierung dessen, was damals geschah‘“, sagt Annie Ernaux, auf deren autobiografischem Roman „Das Ereignis“ mit Anamaria Vartolomei in der Hauptrolle basiert. Im Jahr 2000 erschien Ernaux‘ Buch in Frankreich – am 12.09.2021 wurde es vom Suhrkamp Verlag in Deutschland herausgebracht. Beim diesjährigen Filmfestival von Venedig wurde das bewegende Drama der Regisseurin Audrey Diwan mit dem Goldenen Löwen als bester Film geehrt. Ein wichtiger, Diskussionen anregender Film in einer Zeit, in der das Recht auf die Selbstbestimmung der Frauen selbst innerhalb von Europa und Amerika immer wieder unter Beschuss gerät.“ (Prokino) France, 1963. In a society that censures women’s desires and sex in general, Anne, a young woman, decides to have an abortion to finish her studies and escape the social constraints of a working-class family. This simple but cruel story follows a woman who decides to go against the law. And Anne has little time – with her exams just around the corner, and her baby bump growing fast. OT L‘événement Regie Audrey Diwan Drehbuch Audrey Diwan, Marcia Romano, Anne Berest Produktionsland Frankreich Produktion Rectangle Productions, France 3 Cinéma, Wild Bunch, SRAB Films Cast Anamaria Vartolomei, Kacey Mottet-Klein, Luàna Bajrami, Louise Orry Diquero Länge 100 min. Sprache französische OF / englische UT Deutscher Verleih Prokino Festivals Venedig, Mailand, Hamburg, Antalya, Chicago, El Gouna, Viennale, Philadelphia Preise Venedig Goldener Löwe Bester Film und FIPRESCI Fr. 03.12. – 20.45 Uhr, Saal 2 delphi LUX Mit freundlicher Sa. 04.12. – 19.30 Uhr, Saal 6 Kulturbrauerei Unterstützung von Do. 09.12. – 22.00 Uhr, Saal 5 Kulturbrauerei
8 KROATIEN MURINA Antoneta Alamat Kusijanovic Im Wasser ist Julija frei: Die Teenagerin lebt mit ihren Eltern auf einer traumhaften kroatischen Insel. Doch die sommerliche Idylle erweist sich schnell als Gefängnis, denn Julijas Vater stellt sich als gewalttätiger Tyrann heraus, der nicht nur seine Frau herumkommandiert, sondern auch seine Tochter. In dieser unterschwelligen Bedrohungslage nutzt Julija ihr aufblühendes sexuelles Selbstbewusstsein, um aus dieser toxischen Familienstruktur auszubrechen. Dabei hilft ihr die Anwesenheit eines Millionärs, der mit einem hohen Investment ihrem Vater dabei helfen soll, groß ins Tourismusgeschäft einzusteigen. Allerdings geht Juljia mit ihren Avancen auch ein Risiko ein, schließlich könnte das die Gewalt des Vaters vollends entfesseln. Für ihr vielfach gelobtes – und von niemand Geringerem als Martin Scorseses koproduziertem – Spielfilmdebüt hat die kroatische Regisseurin Kusijanovic ihren eigenen Kurzfilm „Into The Blue“ als Vorlage genommen. Schon dort erkundete sie die Spannungen zwischen Inselidylle und jugendlicher Selbstverwirklichung. Herausgekommen ist ein gewagter und sexuell aufgeladener Coming-of-Age Film, der seine Inspirationen eher im Genre des Erotikthrillers sucht. Wie hier Lust und Gewalt in unterschiedlichen Facetten und Intensitäten inszeniert werden, zeigt, wie groß das Regietalent von Kusijanovic ist. „Murina“ gelingt es, mit ein großartig aufspielenden Ensemble Juljias Kampf um Unabhängigkeit und Freiheit spannend und überzeugend in ein großes Ganzes zu gießen. Das bestätigen auch die vielen positiven Kritiken, die der Spielfilm seit seiner Weltpremiere bei den Internationalen Filmfestspielen von Cannes gesammelt hat. Dort wurde „Murina“ mit der „Caméra d’Or“ für den besten Erstlingsfilm ausgezeichnet! Tensions rise between the restless teenager Julija and her oppressive father Ante when an old family friend arrives at their Croatian island home. As Ante attempts to broker a life-changing deal, their tranquil yet isolated existence leaves Julija wanting more from this influential visitor, who provides a taste of liberation over a weekend laid bare to desire and violence. Regie Antoneta Alamat Kusijanović Drehbuch Antoneta Alamat Kusijanović, Frank Graziano Produktionsland Kroatien, Brasilien, USA, Slowenien Produktion Antitalent, RT Features, Spiritus Movens, SPOK Films, Staragara Cast Gracija Filipović, Danica Čurčić, Leon Lučev, Cliff Curtis Länge 92 min. Sprache kroatische OF / englische UT Festivals Cannes Quinzaine, Sarajewo, Toronto, Haifa, Hamburg, Hamptons, Tokyo Preise Cannes Caméra d’Or Bester Erstlingsfilm, Hamptons Mi. 08.12. – 19.15 Uhr, Saal 4 delphi LUX Do. 09.12. – 19.30 Uhr, Saal 5 Kulturbrauerei
9 KOSOVO THE HILL WHERE LIONESSES ROAR Luàna Bajrami Gleich am Anfang steht ein Bild der Befreiung: Auf einem kargen Hügel stehen drei junge Frauen und brüllen sich die Seele aus dem Leib. Qe (Flaka Latifi), Li (Era Balaj) und Jeta (Uratë Shabani) sind die titelgebenden Löwinnen im Debüt der französisch-kosovarischen Regisseurin Luàna Bajrami. Die unzertrennlichen Freundinnen stehen vor großen Veränderungen. Sie warten auf die Universitätszulassungen und träumen hauptsächlich davon, die stickige, langweilige kosovarische Kleinstadt zu verlassen und raus in die Welt gehen. Doch ihre Umwelt scheint dies verhindern zu wollen. Immer wieder erfahren die jungen Frauen, wie stark sie kontrolliert und unterdrückt werden. Doch Qe, Li und Jeta lassen sich nicht unterkriegen, bieten ihrem Umfeld die Stirn und greifen dafür sogar zu immer heikleren Mitteln. Luàna Bajrami hat einen sehr klugen und überzeugenden Coming-of-Age Film gedreht. Insbesondere die Lebensumstände der drei Frauen beschreibt sie genau und beschönigt nichts. Sie zeigt Gewalt und Hass, Armut und Kriminalität. Patriarchale Strukturen dominieren das Leben in der kosovarischen Gemeinde und verhindern jeden Akt weiblicher Emanzipation. Daher ist für die drei Frauen klar, dass für sie ein anderes Leben nur in Westeuropa stattfinden kann. Der Glaube daran und die Kraft ihrer umwerfenden Freundschaft bietet ihnen in der ansonsten trüben Existenz Halt. Zwischen den jungen Frauen existiert eine spannend-vereinnahmende Innerlichkeit und Komplizenschaft, wie es einst Sophia Coppola in ihrem Debütfilm „The Virgin Suicides“ beschrieben hat. Dieser Energie kann sich so schnell jedenfalls keiner entziehen. So ist es auch nicht verwunderlich, dass sich der Film sowohl in Cannes in der Nebenreihe Quinzaine des Réalisateurs und beim Filmfest in Toronto zum Liebling des Publikums mauserte. Somewhere in Kosovo, in a small remote village, three young women see their dreams and ambitions stifled. In their quest for independence, nothing can stop them. Time to let the lionesses roar. An impressive directorial debut from actress Luàna Bajrami (“Portrait of a Lady on Fire“, “L’évènement/Das Ereignis“). OT La colline où rugissent les lionnes / Luaneshat e kodrës Regie Luàna Bajrami Drehbuch Luàna Bajrami Produktionsland Frankreich, Kosovo, USA Produktion Örëzanë Films, Acajou Films, Vents Contraires, Aeternum Artworks Cast Luàna Bajrami, Flaka Latifi, Era Balej, Andi Bajgora, Urate Shabani Länge 82 min. Sprache albanische OF / englische UT Festivals Cannes Quinzaine, Melbourne, Sarajewo, Toronto, Prag, Raindance, Warschau Preise Sarajewo, Prishtina, Calgary, Warschau FIPRESCI Do. 09.12. – 19.15 Uhr, Saal 4 delphi LUX Fr. 10.12. – 19.45 Uhr, Saal 5 Kulturbrauerei
10 ISRAEL AHED‘S KNEE Nadav Lapid „Der israelische Filmemacher Y. reist in ein abgelegenes Dorf inmitten der Wüste von Arava, um in der dortigen Bibliothek seinen letzten Film vorzustellen. Seine Gedanken sind längst bei einem neuen Projekt, einem Film über die palästinensische Aktivistin Ahed Tamimi, die einige Jahre zuvor vor laufenden Kameras einen Soldaten geohrfeigt hatte. Bei seiner Ankunft in dem Wüstenort wird Y. von Yahalom, der jungen stellvertretenden Leiterin der israelischen Bibliotheken, herzlichst empfangen. Vor der Veranstaltung wäre aber noch eine kleine Formalie zu erledigen: Y. soll ein neues Formular unterzeichnen, mit dem er seine Loyalität gegenüber der Regierung bestätigt. Anstatt zu unterschreiben, startet Y. einen leidenschaftlichen Kampf für die Meinungsfreiheit seines Landes, einen verzweifelten Versuch, die israelische Demokratie vor dem freien Fall zu retten. Während seine Auseinandersetzung mit Yahalom mal martialische, mal groteske Züge annimmt, versucht Y. zugleich Kontakt zu seiner Mutter aufzunehmen, die gegen eine tödliche Krebserkrankung ankämpft … Nadav Lapids erster Film nach „Synonymes“ (Goldener Bär der Berlinale 2019) feierte seine Weltpremiere im Wettbewerb der Filmfestspiele Cannes 2021 und wurde dort mit dem Preis der Jury ausgezeichnet.“ (Grandfilm) Y., an Israeli filmmaker in his mid-forties, arrives in a remote village at the far end of the desert to present one of his films. There he meets Yahalom, an officer for the Ministry of Culture, and finds himself fighting two losing battles: one against the death of freedom in his country, the other against the death of his mother. OT Ha’berech Regie Nadav Lapid Drehbuch Nadav Lapid, Haim Lapid Produktionsland Israel, Frankreich, Deutschland Produktion Les Films Du Bal, Pie Films, Komplizen Film Cast Avshalom Pollak, Nur Fibak Länge 110 min. Sprache hebräische OF / englische UT Deutscher Verleih Grandfilm Festivals Cannes, Karlovy Vary, Toronto, New York, Eriwan, Busan, London, Viennale Preise Cannes Jury Preis Di. 07.12. – 19.30 Uhr, Saal 6 Kulturbrauerei Mit freundlicher Mi. 08.12. – 19.45 Uhr, Saal 5 Kulturbrauerei Unterstützung von Mi. 08.12. – 21.30 Uhr, Saal 4 delphi LUX
11 IRAN HIT THE ROAD Panah Panahi Das Auto als soziale Druckkammer für gesellschaftliche und familiäre Konflikte ist ein Dauermotiv des iranischen Kinos. Panah Panahi fügt diesem Thema mit seinem Spielfilm „Hit The Road“ eine weitere Facette hinzu: Ein Auto hält am Straßenrand. Der Fahrer macht eine kurze Pause, streckt sich. Und peu à peu lernt man die Insassen des Wagens kennen. Es zeigt sich eine sehr seltsame Familienkonstellation: Die Mutter sitzt mit dem ältesten Sohn vorne. Hinten sitzt der Vater mit einem Fuß im Gips. Und dann ist da noch der jüngste Sohn, dessen überbordende Energie alle ziemlich auf Trab hält. Der Grund für diese Fahrt ist der wahre Antriebspunkt des Films, der auch erst langsam offenbart wird. Er führt in Abgründe und Ängste, die nicht nur die Mutter antreiben. „Hit The Road“ wird so zum Studium von Gesten und Stimmungen, die sich immer wieder entladen und neue, unerwartete Wendungen nehmen. In Gesprächen kommen so langsam die Geheimnisse der Familie ans Licht. Wie der Vater so der Sohn, könnte man im ersten Moment vielleicht sagen. Aber Panah Panahi erweist sich in „Hit The Road“ als eigenständiger Regisseur, der zwar viel von der Zuneigung und Empathie seines Vaters Jafar Panahi („Taxi Teheran“, „This Is Not a Film“) gelernt hat, aber dennoch in diesem Road Movie eine eigene Handschrift zu erkennen gibt. Leichthändig flicht Panahi popkulturelle Zitate in sein heiter-ernstes Road Movie, die der Erzählung selbst eine wunderbar ambivalente Dynamik verleihen. Von Kubrick bis Kiarostami reichen diese herrlichen augenzwinkernden Momente, die sich nie penetrant in den Vordergrund schieben. Gepaart mit der unvergesslichen Energie des jüngsten Darstellers ist dem iranischen Kino erneut eine spezifische und dennoch auch universell verständliche Familiengeschichte gelungen. A chaotic, tender family is on a road trip across the rugged landscape, but to where? Dad has a broken leg, but is it really broken? Mom tries to laugh when she’s not holding back tears. The youngest son keeps exploding into choreographed car karaoke. And all of them are fussing over the sick dog. Only the mysterious older brother is quiet. OT Jaddeh Khaki Regie Panah Panahi Drehbuch Panah Panahi Produktionsland Iran Produktion Mastaneh Mohajer, Jafar Panahi, Panah Panahi Cast Hassan Madjooni, Pantea Panahiha, Rayan Sarlak, Amin Simiar Länge 93 min. Sprache farsi OF / englische UT Festivals Cannes Quinzaine, Melborne, Karlovy Vary, New York, Athen, London, Tokyo Preise London Bester Film Sa. 04.12. – 19.45 Uhr, Saal 5 Kulturbrauerei Sa. 11.12. – 19.30 Uhr, Saal 4 delphi LUX
12 CHINA Deutschland-Premiere ONE SECOND Zhang Yimou Ein namenloser Flüchtling entkommt im Jahr 1975 in der chinesischen Provinz Guangzhou einem Gefangenenlager und taumelt durch die Wüste, bis er auf das Wanderkino von „Mr. Movie“ trifft, der durch die Gegend tourt, um vor allem den Propagandafilm „Heroische Söhne und Töchter“ von 1964 zu zeigen. Dort lauert aber auch schon das Waisenmädchen Liu, die probiert, die Filmrollen zu stehlen. Der Flüchtling erwischt sie und es beginnt eine lakonische Jagd auf das kostbare Zelluloid inmitten der chinesischen Wüstenlandschaft. Der chinesische Regisseur Zhang Yimou verbeugt sich in seinem schönen, liebenswerten und simplen Film vor der Kraft und Magie des Kinos. Anhand der drei Hauptfiguren zeigt er, welche unterschiedlichen Bedeutungen zu Zeiten der chinesischen Kulturrevolution Filme haben konnten. Mr. Movie möchte sich als strammer Parteisoldat erweisen, indem er die Propaganda in die Köpfe der Bevölkerung bringt. Das Waisenmädchen will das kostbare Zelluloid verkaufen. Und der Flüchtling hat einen sehr privaten und romantischen Grund, wieso er unbedingt eine Sekunde der letzten Rolle von „Heroische Söhne und Töchter“ sehen muss. Anders als seine letzten groß budgetierten und leicht generischen Genrefilme, kehrt Zhang zurück zur sentimentalen Romantik seiner früheren Filme wie „Heimweg“ oder „Die Geschichte Qui Ju“, in denen anhand konkreter Schicksale die Folgen der chinesischen Kulturevolution schilderte. „One Second“ wurde wegen angeblicher „technischer Schwierigkeiten“ aus dem Wettbewerb der 69. Berlinale gezogen. Erst nachdem Zhang Yimou eine Minute (!) des Films herausgeschnitten hatte, durfte „One Second“ international gezeigt werden. Der Film verliert dadurch nichts von seiner an Buster Keaton erinnernden Komik. Für den Wunderregisseur der sogenannten 5. Generation chinesischer Filmemacher ist dieses Werk auf jeden Fall eine Wiedergeburt. A prisoner is sent to a labor camp during China‘s Cultural Revolution. Using his wit, solely to watch a newsreel containing a glimpse of his daughter, he escapes and heads for the cinema in a local town where he hopes to find the film. But on the way he comes across a young vagabond who runs away with the reel. Curiously, this enigmatic object, which both covet, will become the seed of an unexpected friendship. Deutschland-Premiere OT Yi miao zhong Regie Zhang Yimou Drehbuch Geling Jan, Zhang Yimou, Jingzhi Zou Produktionsland China, Hong Kong Produktion Huanxi Media Group Dong Ping Cast Zhang Yi, Liu Haocun, Fan We Länge 104 min. Sprache mandarin und kantonesische OF / englische UT Deutsche Rechte MUBI Festivals San Sebastián, Toronto, Zürich, Vancouver, Busan, El Gouna, Chicago, Rom Preise mehr als 20 Preise u.a. Asian Film Awards, Faro, Golden Screenwriters, To Ten Fr. 03.12. – 22.00 Uhr, Saal 6 Kulturbrauerei Di. 07.12. – 19.45 Uhr, Saal 4 delphi LUX Sa. 11.12. – 22.15 Uhr, Saal 5 Kulturbrauerei
13 KOREA ALONERS Hong Sung-eun Wirklich glücklich ist Jina (Gong Seung-yeon) nicht. Die Angestellte eines Callcenters einer Kreditkartenfirma ist gefangen in Routinen und Einsamkeit. Sie geht Beziehungen aus dem Weg, ist gestresst von ihren Kollegen und bleibt am liebsten in ihrer Wohnung in einem anonymen Apartmentblock. Das ändert sich, als eines Tages ihr ein wenig aufdringlicher Nachbar tot in seiner Wohnung aufgefunden wird. Es stellt sich heraus, dass er mehrere Tage unbemerkt leblos in der Wohnung gelegen hat, bevor man ihn gefunden hat. Dieses Ereignis löst in Jina etwas aus und sie entscheidet, die Überwachungskamera einzuschalten, die sie vor vielen Jahren im Haus ihrer Eltern installiert hat. „Aloners“ thematisiert das immer stärker werdende Phänomen der Vereinsamung und Vereinzelung in Industriegesellschaften. In Korea sind diese Menschen als Naholojok bekannt. Ein Neologismus bestehend aus den Worten „allein“ und „Gruppe“. Regisseurin Hong Sung-eun versucht in ihrem Debütfilm diesen soziologischen Beschreibungen eine emphatische Form zu geben. Sie beobachtet sehr genau die Erschütterungen in Jinas Leben, zeigt, wie die junge Frau in ihrem Alltag jeden Kontakt aus dem Weg geht und wie sie im Verlauf des Films probiert aus dieser Haltung wieder herauszukommen. Was kann die Mauern um sie herum zum Einsturz bringen? Besonders vereinnahmend ist das Spiel der Hauptdarstellerin Gong Seung-yeon, die die Einsamkeit ihrer Figur körperlich erfahrbar macht. Für diese Leistung bekam sie den Preis als beste Hauptdarstellerin auf dem wichtigen koreanischen Festival in Jeonju. Mittlerweile ist „Aloners“ zum Überraschungserfolg auf internationalen Filmfestivals mutiert und gilt unter Kritikern als einer der wichtigsten Debütfilme des koreanischen Kinos der letzten Jahre. A young woman and best employee at a call center, is forced to reevaluate her solitary life when her irritating neighbor, who used to attempt to strike up conversations, is found dead. At about the same time her father starts hounding her over her mother’s inheritance and suddenly there are new people in her life, an annoying co-worker and a nonchalant new neighbor. OT Honja saneun saramdeul Regie Hong Sung-eun Drehbuch Hong Sung-eun Produktionsland Südkorea Produktion KAFA Korean Academy of Film Arts Cast GONG Seung-yeon, JUNG Da-eun, SEO Hyun-woo, PARK Jeong-hak Länge 90 min. Sprache koreanische OF / englische UT Festivals Jeonju, Toronto, San Sebastián, Zürich, Hamburg, Virginia, Leiden, London Preise Jeonju Beste Schauspielerin und CGV Preis So. 05.12. – 19.30 Uhr, Saal 4 delphi LUX Di. 07.12. – 20.00 Uhr, Saal 5 Kulturbrauerei
14 JAPAN DRIVE MY CAR Ryûsuke Hamaguchi „Yusuke Kafuku (Hidetoshi Nishijima), ein Bühnenschauspieler und Regisseur, ist glücklich verheiratet mit Oto (Reika Kirishima), einer Drehbuchautorin. Doch Oto stirbt plötzlich, nachdem sie ein Geheimnis hinterlassen hat. Zwei Jahre später erhält Kafuku, der den Verlust seiner Frau noch immer nicht ganz verkraftet hat, das Angebot, bei einem Theaterfestival Regie zu führen und fährt mit seinem Auto nach Hiroshima. Dort lernt er Misaki (Toko Miura) kennen, eine zurückhaltende Frau, die ihm als Chauffeurin zugewiesen wird. Während sie Zeit miteinander verbringen, wird Kafuku mit dem Geheimnis seiner Frau konfrontiert, das ihn im Stillen verfolgt.“ (Rapid Eye Movies) Wie Regisseur Ryûsuke Hamaguchi hier eine – knapp 12 Seiten lange – Kurzgeschichte von Haruki Murakami in einen 3-stündige Erkundung menschlicher Einsamkeit, Ängste und Hoffnungen verwandelt, ist kaum in Worte zu fassen. Dabei steht Sprache und Sprachlosigkeit im Zentrum aller Figurenkonstellationen. Das Theaterstück, das Yusuke Kafuku inszeniert, ist Tschechows „Onkel Wanja“. Die zentrale Frage des Stücks wird auch zum Leitmotiv von „Drive My Car“: Wie soll man leben? In seinem philosophischen Zugriff auf unsere innersten Sehnsüchte und Unvollkommenheiten lässt sich Hamaguchis Erzählstil nur mit dem von John Cassavetes vergleichen. Traurig und doch hoffnungsvoll. Luzide und intelligent. All das und noch viel mehr ist dieser makellose Film, den man nicht verpassen darf. „Drive my Car“ gewann den Preis für das beste Drehbuch bei den Filmfestspielen in Cannes und erhielt im Branchenblatt Screen International die zweithöchste Kritikerbewertung der Festivalgeschichte. Yusuke Kafuku, a stage actor and director, unable to cope with the loss of his beloved wife, accepts to direct Uncle Vanja at a theater festival in Hiroshima. There he meets Misaki, an introverted young woman, appointed to drive his car. In between rides, secrets from the past get unveiled and heartfelt confessions are uttered. OT Doraibu mai kâ Regie Ryûsuke Hamaguchi Drehbuch Haruki Murakami, Ryûsuke Hamaguchi, Takamasa Oe Produktionsland Japan Produktion Bitters End, C&I Entertainment, Culture Entertainment Cast Hidetoshi Nishijima, Toko Miura, Masaki Okada, Reika Kirishima Länge 179 min. Sprache japanisch koreanisch tagalog mandarin indonesische OF / englische UT Deutscher Verleih Rapid Eye Movies Festivals Cannes, Karlovy Vary, Toronto, San Sebastián, New York, Vancouver, Busan Preise Cannes Bestes Drehbuch, FIPRESCI und Preis der ökumenischen Jury So. 05.12. – 20.00 Uhr, Saal 2 delphi LUX Mi. 08.12. – 21.15 Uhr, Saal 6 Kulturbrauerei
HOMMAGE ANDREA ARNOLD COW Andrea Arnold „Dieser Film ist ein Versuch, uns diesem Tier näherzubringen. Damit wir die Schönheit von Luma sehen können, nicht auf romantische, sondern auf realistische Weise“, sagt Regisseurin Andrea Arnold über ihren überraschenden Dokumentarfilm-Hit „Cow“, der bei seiner Premiere bei den Filmfestspielen in Cannes für Begeisterung sorgte. Denn die Regisseurin, die mit ihren Kitchen-Sink Geschichten wie „Fish Tank“ oder „WASP“ zur international anerkannten Autorenfilmerin aufgestiegen ist, präsentiert in „Cow“ eine nuancierte Geschichte über die Realität der Milchkuh Luma und die Rolle, die das Tier in unserem – menschlichen – Alltag spielt. Dabei nimmt Arnold mit ihrer Kamera die Perspektive des Tieres ein und delegiert die Menschen um sie herum zu Statisten. Obwohl sie es sind, die all die komplizierten Maschinen auf dem Hof bedienen, denen das tägliche Leben der Kuh untergeordnet ist. Dadurch entsteht ein sehr vereinnahmender Blick auf Massentierhaltung. Aus nächster Nähe und mit viel Einfühlungsvermögen und Zärtlichkeit aufgenommen wird das Leben dieser Kuh gezeigt. In Momenten des glücklichen Friedens, der anstrengenden Arbeit, des Wunders der Geburt, aber auch im dramatischsten Moment, der unweigerlich eintreten muss, wird in „Cow“ unsere Vorstellungen von Natur und Industrie entromantisiert. Der intensive Blick ins tierische Dasein im Zeitalter der westlichen Agrarkultur erreicht mit rein filmischen Mitteln einen erstaunlichen Perspektivwechsel, der in unseren Zeiten auch eine politische Haltung widerspiegelt. “This film is an endeavor to consider cows. To move us closer to them. To see both their beauty and the challenge of their lives. Not in a romantic way but in a real way. It’s a film about one dairy cow’s reality and acknowledging her great service to us. When I look at Luma, our cow, I see the whole world in her.” – Andrea Arnold Regie Andrea Arnold Produktionsland Großbritannien Produktion Halcyon Pictures, Doc Society, BBC Films Länge 94 min. Sprache englische OF Deutsche Rechte MUBI Festivals Cannes, Melbourne, Jerusalem, Telluride, Peking, Reykjavik, Chicago, Viennale Preise Athen, Hamptons Di. 07.12. – 22.00 Uhr, Saal 5 Kulturbrauerei Do. 09.12. – 20.45 Uhr, Saal 2 delphi LUX Fr. 10.12. – 19.30 Uhr, Saal 6 Kulturbrauerei
HOMMAGE APICHATPONG WEERASETHAKUL MEMORIA Apichatpong Weerasethakul Jessica Holland (Tilda Swinton) hört einen Knall. Immer wieder ertönt der dumpfe, tiefe Schlag und sie weiß einfach nicht, woher das kommen kann. Die Schottin, die gerade durch Kolumbien reist, um auch ihre Schwester zu besuchen, beginnt sich nach dem Ursprung dieses Knalls zu machen. Sie fragt zunächst einen Toningenieur, der ihr dabei helfen soll, das Geräusch zu reproduzieren. Doch selbst danach hört das Ereignis nicht auf. Jessica beginnt sich dem wiederkehrenden Phänomen hinzugeben und versucht sich auch die Gestalt und den Ursprung der Klänge vorzustellen. Damit driftet die immer stärker aus dem Alltag heraus, aus der Stadt aufs Land und dann in den Dschungel, in dem sie zwei außergewöhnliche Begegnungen erwarten. Niemand steht im modernen Autorenkino so sehr für traumwandlerische Bilderwelten wie der mehrfach ausgezeichnete und gefeierte thailändische Regisseur und Künstler Apichatpong Weerasethakul. Zum ersten Mal hat er für „Memoria“ außerhalb seiner Heimat gedreht. Kolumbien wird bei ihm zu einer nahezu apokalyptischen Endstation für die Hauptfigur, die exzellent von einer immer ätherischer werdenden Tilda Swinton verkörpert wird. Gemeinsam erzeugen sie einen hypnotischen Trip, der Leben, Wiedergeburt und Seelenwanderung zusammenführt. Diese kontemplative Expedition in den Dschungel der Existenz ist deutlich und mysteriös zu gleich. Langsam bauen sich die Bilder zu einem sensationellen Schock zusammen, den Weerasethakul in einem unvergesslichen letzten Bild kulminieren lässt. Künstlerisch erreicht er hier eine neue Qualität, was auch die Jury in Cannes dieses Jahr verstanden hat und ihm den Preis der Jury verlieh. „Memoria“ ist ein seltenes Geschenk von einem Film. Ein Kino, das heilt und vergibt. Eine Seltenheit, wenn man sich das zunehmend gewalttätige und Wunden reißende Autorenkino der Gegenwart betrachtet. Kurzum: Meisterwerk. Startled by a loud ‘bang’ at daybreak, Jessica is unable to sleep. In Bogotá to visit her sister, she befriends Agnes, an archaeologist studying human remains discovered within a tunnel under construction. Jessica visits Agnes at the excavation site. In a small town nearby, she encounters Hernan, a fish scaler. As they share memories by the river as the day comes to a close Jessica gains a sense of clarity. Regie Apichatpong Weerasethakul Drehbuch Apichatpong Weerasethakul Produktionsland Kolumbien, Thailand, Großbritannien, Mexiko, Frankreich, China, Taiwan Produktion Illuminations F., Burning, Kick the Machine, Anna Sanders, Match Factory u.a. Cast Tilda Swinton, Elkin Díaz, Jeanne Balibar, Juan Pablo Urrego, Daniel Giménez Cacho Länge 136 min. Sprache spanisch englische OF / englische UT Deutsche Rechte MUBI Festivals Cannes, Marseille, Karlovy Vary, Toronto, Helsinki, New York, Vancouver, Busan Preise Cannes Jurypreis Sa. 04.12. – 18.00 Uhr, Neues Off Mo. 06.12. – 20.45 Uhr, Saal 2 delphi LUX Fr. 10.12. – 21.45 Uhr, Saal 6 Kulturbrauerei
HOMMAGE GASPAR NOÉ VORTEX Gaspar Noé Der französische Regisseur Gaspar Noé ist Schöpfer von kultisch gefeierten Extrem-Werken wie „Irreversible“, „Enter the Void“ oder „Climax“. Ein Kino, das sich vor allem durch seine ewig pulsierenden Kameraflüge von jeglicher Konventionalität abhebt und sie sogar ablehnt. Doch als Noé dieses Jahr bei den diesjährigen Filmfestspielen von Cannes seinen neusten Spielfilm „Vortex“ vorstellte, staunten die Fachbesucher nicht schlecht über ein einzigartiges Werk, das in Noés Filmografie einen singulären Platz einnehmen wird. Der große Provokateur des europäischen Kinos präsentiert sich in „Vortex“ als ergreifend-zärtlicher Kinoerzähler, der eine geduldige Aufzeichnung der letzten Lebenstage eines älteren Ehepaares in Bilder gefasst hat. Wie groß dieser filmische Coup geworden ist, zeigt sich allein schon in der kongenialen Besetzung. Denn das filmische Ehepaar wird gespielt von der französischen Kinolegende Françoise Lebrun („Die Mama und die Hure“) und dem Kultregisseur des italienischen Horrorkinos Dario Argento („Suspiria“; „Rosso - Farbe des Todes“). Statt des üblichen exaltierten Bilderstürmertums entscheidet sich Noé diesmal für einen harten Realismus. Aber er wäre nicht er selbst, wenn er nicht auch in „Vortex“ formal experimentieren würde. Von Anfang an teilt er den Bildschirm in zwei Teile, wobei er die an Demenz leidende Ehefrau, die langsam den Kontakt zur Realität verliert, und den kranken Ehemann, der ihren Zustand nicht akzeptiert, getrennt beobachtet. Beide scheinen auf ihre letzten Tage gemeinsam einsam. In tiefer Traurigkeit über den Zustand seiner Frau probiert der Ehemann um jeden Preis, das Buch über seine geliebten Filme und Träume im Kino zu beenden. Damit verneigt sich „Vortex“ auch vor den Karrieren seiner Hauptdarsteller:innen und entpuppt sich als ergreifender Liebesbrief an die Ränder der Kinokunst. Gaspar Noés formaler Ansatz hat zudem eine bemerkenswerte Wirkung: Einsamkeit, Verwirrung und das Scheitern, mit dem eigenen Altern fertig zu werden, werden hier auf eine verblüffende Weise gezeigt, sodass „Vortex“ von der internationalen Filmkritik in eine Reihe mit Michael Hanekes „Liebe“ und Ingmar Bergmans „Schreie und Flüstern“ gestellt wurde. Gaspar Noé’s latest film, starring Françoise Lebrun and Dario Argento, about an elderly couple in the autumn of their life is tonally very different for the director’s earlier work but formally – shot entirely in split screen – it is as daring as any of his films. Regie Gaspar Noé Drehbuch Gaspar Noé Produktionsland Frankreich, Belgien, Monaco Produktion Rectangle Productions, Wild Bunch International, Les Cinémas de la Zone u.a. Cast Francoise Lebrun, Dario Argento, Alex Lutz, Kylian Dheret Länge 142 min. Sprache französische OF / englische UT Festivals Cannes, Locarno, Karlovy Vary, Jerusalem, New York, Busan, Brisbane, Viennale Preise San Sebastián Zabaltegi Preis, Hamburg Kritikerpreis Fr. 03.12. – 22.00 Uhr, Saal 4 delphi LUX Di. 07.12. – 22.00 Uhr, Saal 6 Kulturbrauerei Sa. 11.12. – 19.30 Uhr, Saal 5 Kulturbrauerei
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